gennaio 21, 2025

Unsigned Only Music Awards – Miglior Artista nel Mondo 2024 ai PerKelt (Inghilterra)

In un’epoca di paesaggi musicali in evoluzione e di una comunità musicale in continua crescita, Unsigned Only ha sempre cercato di essere all’avanguardia nell’innovazione. I nuovi Unsigned Only Music Awards riflettono il suo impegno continuo nel riconoscere e onorare il talento eccezionale degli artisti indipendenti, incoraggiando al contempo la creatività, l’innovazione e la ricerca dell’eccellenza musicale. L’attenzione continuerà a essere rivolta esclusivamente agli artisti non sotto contratto, fornendo condizioni di parità per tutti gli artisti che non hanno ottenuto un contratto discografico con una major.

Come sempre, i vincitori sono selezionati da una giuria composta da musicisti affermati, produttori, dirigenti di etichette discografiche, giornalisti e altri professionisti con vasta esperienza e conoscenza nei rispettivi campi. Ogni categoria ha un vincitore, come Miglior Artista Rock, Miglior Artista Country, Miglior Artista Latino, ecc. Inoltre, un artista è selezionato Artista dell’Anno e riceve un premio in denaro di 20.000 $ (USA). Tutti i vincitori ricevono una straordinaria scultura/premio astratta personalizzata progettata da Society Awards, nota per la progettazione e la produzione di premi di intrattenimento di alto profilo, come gli Emmy Awards, i Golden Globe Awards e altro ancora. Ricevere un premio prestigioso come questo è una pietra miliare per un artista, che riflette la sua dedizione, creatività e duro lavoro e lo motiverà e lo rafforzerà a continuare a evolversi e a impegnarsi per l’eccellenza.

Per celebrare l’arte e la passione degli artisti emergenti che definiscono il futuro della musica voglio presentarvi il vincitore nella categoria Miglior Artista Mondiale con “Beltane” una canzone pazzesca. Beltane, o Beltaine, è un’antica festa pagana gaelica che si celebra nella notte tra il 30 aprile e il primo maggio. Si tratta di una festa in cui si scatena la potenza dell’energia sessuale, simboleggiata dal sole e dal fuoco. Ogni rituale di Beltane, infatti, allude alla rinascita della natura e alla purificazione. La parola Beltane contiene il termine celtico Bel che vuol dire radioso. Il suffisso è presente nel nome delle due divinità principali a cui la festa è dedicata, gli sposi Belisama e Belenus.

Formatosi nel 2008, il gruppo PerKelt è un gruppo folk contemporaneo unico ed energico con sede a Londra, Regno Unito.

Ispirati dal patrimonio musicale medievale e celtico di tutta Europa, i PerKelt fondono molti generi diversi nel caratteristico sound che chiamano “speed folk”; i loro ritmi veloci, complicati ma potenti e le melodie celtiche sono diventati il ​​loro marchio di fabbrica nel corso degli anni, ricordando i pionieri del folk progressivo Jethro Tull.

I PerKelt fondono insieme la voce grezza, la narrazione e l’approccio ritmico visionario del loro frontman Stepan Honc; il caratteristico violino scozzese e l’improvvisazione virtuosistica di Duncan Menzies (Copper Viper); la velocità, la precisione e l’energia senza pari del loro fischiatore e suonatore di flauto dolce, Paya Lehane; strati di canti psichedelici e profondo didgeridoo tribale del guaritore sonoro messicano, Rubén Yon’Ton; e l’impatto senza compromessi del loro batterista Kaya La-Bonté Hurst. I canti sciamanici di Rubén e lo stile di esecuzione tagliente e d’impatto di Kaya sulla batteria sono le ultime aggiunte al loro sound; arricchendo il loro amore per la strumentazione folk tradizionale e le melodie celtiche con nuove potenti dimensioni di folk rock psichedelico.

Un po’ sfuggentemente oltre i soliti limiti fisici, PerKelt raggiunge le profondità della nostra anima e ci fa ballare, ridere e amare…

Si sono incontrati nel mistico mondo sotterraneo di Londra e, in tournée per il mondo, invitano il pubblico a godere del loro spirito libero, della gioia di vivere e dell’amore per la musica. Traendo ispirazione dal paganesimo di ogni genere, le loro canzoni spesso raccontano storie dal regno della magia, della natura e dei meravigliosi cuori umani. Spesso elogiati per l’autenticità energica della loro performance e la profondità spirituale del viaggio che intraprendono con il pubblico, i PerKelt una volta hanno promesso di non smettere mai di suonare insieme. Una promessa fatta a una bambina che si è presentata da loro con le lacrime agli occhi e un grande sorriso sul viso…

Mantenendo la promessa, i PerKelt hanno pubblicato cinque album acclamati dalla critica, hanno ricevuto vari premi dall’industria musicale, si sono esibiti in centinaia di spettacoli in tutta Europa e, grazie alla magia di Internet, hanno raccolto innumerevoli fan devoti in tutta la grande mummia Terra.

Perché si chiamamo “PerKelt”?

“Perkelt” è una parola con significati in parecchie lingue diverse, ognuna delle quali si adatta alla band. La principale combina il latino, per , e una grafia più oscura dell’inglese britannico, kelt , che può essere tradotta approssimativamente come “per/secondo una persona celtica”

In lituano, perkelt è una versione di un verbo che significa “spostare” o “trasferire”.

In finlandese è molto simile al sostantivo “perkele”, che significa “diavolo” (originariamente una divinità pagana della musica e dell’amore).

E infine in Ungheria e Slovacchia è effettivamente un piatto culinario, che almeno in Slovacchia (dove Stepan ha studiato) ha molte versioni diverse a seconda degli ingredienti utilizzati.

Paia Lehane Repubblica Ceca Flauto dolce / Voce / Arpa

Membro fondatore e compositore principale della band PerKelt, nata nella Repubblica Ceca, Paya era considerata una bambina prodigio del flauto dolce quando aveva solo 4 anni. Ha vinto molti concorsi di flauto dolce, seguendo i metodi del suo insegnante, Jan Milde, e si è laureata all’Accademia di musica di Brno e al Conservatorio di Pardubice, Repubblica Ceca, in strumenti a fiato e storia della musica. In precedenza, Paya ha suonato con molti ensemble di musica antica e ha frequentato regolarmente l’International Summer School of Early Music di Valtice. È anche un pozzo di creatività dai molteplici talenti e un punto centrale splendente e bellissimo della presenza scenica…

Štěpán Hon

Repubblica Ceca

Chitarre, voce

Membro fondatore della band PerKelt, nato nella Repubblica Ceca, Stepan si è laureato all’Accademia di musica e arti dello spettacolo di Bratislava, Slovacchia e si è laureato con lode al Conservatorio di Pardubice, Repubblica Ceca, in chitarra classica e storia della musica. Nel 2002, Stepan ha vinto il concorso di chitarra classica Guitarreando. Dal 2008 Stepan ha dedicato tutto il suo tempo e i suoi sforzi al mondo PerKelt come compositore, chitarrista, cantante, produttore e sognatore principale.

Duncan Menzies Scozia

Violino, voce

Si potrebbe dire che Duncan è tecnicamente solo una versione più economica e divertente di un jukebox per feste di compleanno casuali. Un altro potrebbe dire che è una bestia selvaggia proveniente dalla campagna del freddo Nord, dove gli indigeni suonano ancora le cornamuse e mangiano bambini congelati. Un altro ancora ammetterebbe di aver conseguito un dottorato di ricerca e di essere appena stato intervistato dalla BBC sul suo progetto di cornamuse elettroniche, quindi non può essere una cattiva persona… Avrebbero tutti assolutamente ragione! Ma TU impari a conoscerlo come il violinista che ride, l’unico musicista là fuori che eguaglia la follia, la velocità e l’altezza di PerKelt allo stesso tempo, e quindi gli è permesso suonare in piedi!

Ruben Yon’Ton Messico

Didgeridoo / Percussioni

Nato a Città del Messico dalla tribù nativa dei Nahua, il guaritore sonoro e artista rituale Ruben Yon’Ton ha viaggiato in lungo e in largo per il mondo prima di incontrare PerKelt a Londra. Proprio come tutti coloro che lo incontrano, la band si è innamorata della sua spontaneità, giocosità, talento e follia apparentemente illimitata. E proprio come molte cose che capitano nella sua vita, ha detto “sì” all’offerta di unirsi al nostro palco senza troppa esitazione. Ora, portando il potere curativo del didgeridoo, vari tamburi e oscuri strumenti a fiato nativi, abbracciando il caos dell’improvvisazione con i suoi canti magici, uniamo le forze per offrire al nostro pubblico un’esperienza di guarigione davvero unica e potente.

Kaya Le Bonte-Hurst

Batteria

Regno Unito

Nata a Londra, Kaya ha iniziato a suonare la batteria come una pazza quando aveva 9 anni, ha continuato a suonare come una pazza con vari gruppi rock durante l’adolescenza e ora suona la batteria come una pazza con i PerKelt. Data la sua energia grezza, la sensibilità per la musica e la creatività, è stata una scelta naturale e perfetta per la band.

Inoltre è davvero fantastica

AUTORE

Gloria Berloso

21 gennaio 2025

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gennaio 15, 2025

Ciao Mauro, la tua eredità vive nel lavoro che hai lasciato e nelle vite che hai toccato con le tue parole.

Esistono tante storie vere che possono coesistere perché siamo tutti esseri umani, uguali ma allo stesso tempo diversi per scelte e condizione di vita. Mauro Quai è morto in solitudine nella sua casa di Susans per scelta, non stava bene negli ultimi mesi. Nonostante tutta la sua sofferenza riusciva a trovare un pensiero per alcuni amici, a scrivere un messaggio. L’ultimo che ho ricevuto me l’ha inviato il 6 gennaio. Ci eravamo sentiti al telefono qualche giorno prima, desideravo poterlo aiutare ma non ha voluto forse per la sua inconfondibile personalità arrabbiata e complessa, sensibile e romantica.

Sono tante le cose che aveva da raccontare, infilava ricordi e aneddoti, sulla sua vita, il rapporto con Nemo ed il vino, quest’ultimo spesso conflittuale. E soprattutto sapeva ascoltare, capire la musica, sottoscriveva articoli di una bellezza infinita per vari giornali. Era uno dei rari giornalisti che non aveva internet, social e smartphone, ciononostante i suoi articoli erano precisi, colmi di elementi tecnici, descrizioni estese della percezione del suono che ascoltava dal disco.

Mauro Quai è stato un nome noto nel panorama musicale italiano, un giornalista che ha dedicato molto del suo tempo a raccontare storie, emozioni e passioni attraverso la musica. Nato nel 1953 in Friuli viveva a Susans da sempre, si è distinto non solo per il suo talento nel giornalismo, ma anche per la sua innata capacità di percepire l’anima di ogni artista con cui ha interagito.
Sin da giovane, Mauro ha mostrato una passione travolgente per la musica. Questa passione si è trasformata in un amore profondo quando ha scritto il suo primo articolo per un giornale locale. Da quel momento, la sua carriera è decollata, Mauro ha iniziato a lavorare per diverse riviste musicali. Il suo approccio alla scrittura era unico: non si limitava a recensire album o concerti, ma cercava sempre di raccontare la storia dietro la musica. Le sue interviste erano famose per la loro profondità; riusciva a far emergere i lati più intimi e vulnerabili degli artisti, creando un legame indissolubile tra il lettore e il mondo della musica. La sua penna vibrante riusciva a trasmettere emozioni, rendendo ogni articolo un’esperienza quasi sensoriale.
Mauro non era solo un critico; era un vero amante dei concerti. Ogni volta che un artista calpestava un palco, per lui era come una celebrazione. Partecipava a festival, concerti e eventi musicali, scrivendo recensioni che catturavano l’energia e l’emozione del momento. La sua capacità di immergersi completamente nell’atmosfera di un concerto lo rendeva un osservatore prezioso, capace di descrivere le sfumature di un’esibizione con incredibile dettaglio.
Purtroppo, la vita di Mauro è stata segnata da una battaglia silenziosa contro la depressione che lo hanno portato a sentirsi distante da tutti, persino dai suoi cari. La sua morte lascia un vuoto incolmabile nel cuore di chi lo conosceva e gli voleva bene. È tragico pensare a quanto Mauro abbia dato al mondo mentre, allo stesso tempo, combatteva una battaglia invisibile.

La sua scomparsa mette in evidenza l’importanza di parlare di depressione, in particolare nel mondo dei musicisti, dove l’apparente successo può mascherare sofferenze profonde. Oggi, amici e colleghi lo ricordano non solo per la sua incredibile carriera, ma anche per la sua umanità. La sua eredità vive nel lavoro che ha lasciato e nelle vite che ha toccato con le sue parole.

In memoria di Mauro, è fondamentale continuare a promuovere la discussione nel settore musicale. La sua voce, purtroppo silenziata, continuerà a ispirare generazioni di giornalisti e musicisti a esplorare e onorare la bellezza e la complessità della musica, ma anche a non dimenticare l’importanza di prendersi cura della propria anima. La musica, come diceva Mauro, è un riflesso della vita stessa; così, mentre continuiamo ad ascoltare, ricordiamoci anche di chi ci ha regalato il dono di farlo.

Sto pensando a Nemo che ti è stato sempre accanto, vorrei stringerlo a me per rassicurarlo che il suo padrone ora sta in un posto con tanti amici sinceri. Voglio esprimere la mia vicinanza alle persone che si sono prese cure di te e che ti hanno voluto bene. Non potrò più sentire la tua voce, parlare di musica. Non hai voluto che ti venissi a trovare, ti ho capito. Hai faticato a resistere in questa vita ma io non dimenticherò mai la tua amicizia, la tua sensibilità e i tuoi umori quando ti sentivi solo e abbandonato. Mi hai preso in contropiede stamattina perché hai rotto la velocità del suono della solitudine ma ora sei in viaggio in libertà.

Mauro Quai con Nemo – Foto di Domenico Bertone

Grazie di essermi stato amico in tutti questi anni. Ci ritroveremo in un’altra dimensione un giorno. Sono sicura che Ricky ti ha già sfiorato, il tempo non vola si ferma e scappa.

Un soffio Amico mio.

Gloria

14 gennaio 2025

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novembre 26, 2024

Un incontro tra generazioni, un’eredità che continua. Cohen, Guthrie, Darrow fino a Mantoan

1967: Leonard Cohen, Arlo Guthrie e la magia del Newport Folk Festival

L’estate del 1967 fu un momento di trasformazione per la musica e il Newport Folk Festival di Newport; Rhode Island, ne fu il cuore. Noto per il lancio di carriere e la promozione di collaborazioni, il festival era un faro per i musicisti folk e gli appassionati. Quell’anno, due artisti in particolare, Leonard Cohen e Arlo Guthrie hanno lasciato un segno indelebile sul pubblico e sul panorama della musica folk.

Leonard Cohen: Il visionario poetico Nel 1967 Leonard Cohen era già un acclamato poeta e romanziere canadese, ma era ancora relativamente nuovo al mondo della musica. Il suo album di debutto, Songs of Leonard Cohen, pubblicato nello stesso anno (forse nel 1966), fece conoscere al pubblico la sua caratteristica voce baritonale, i testi introspettivi e gli arrangiamenti minimalisti. A Newport, Cohen ha affascinato la folla con canzoni che erano allo stesso tempo ossessionanti e profonde, offrendo un assaggio dell’arte unica che avrebbe definito la sua carriera.

Sul retro della copertina dell’album Songs of Leonard Cohen c’è un’immagine religiosa messicana dell’Anima Sola raffigurata come una donna che si libera dalle sue catene circondata dalle fiamme e che guarda verso il cielo. In un’intervista alla rivista Rolling Stone, Cohen descrisse l’immagine come “il trionfo dello spirito sulla materia. Lo spirito è quella bellissima donna che si libera dalle catene, dal fuoco e dalla prigione”.

Nel disco non sono indicati i musicisti che presero parte alle sessioni di registrazione, come (mal)costume dell’epoca. Tuttavia, Sylvie Simmons, nel suo I’m Your Man – Vita di Leonard Cohen, indica che So Long, Marianne, Teachers, Sisters of Mercy, Winter Lady e The Stranger Song hanno visto la partecipazione dei Kaleidoscope (David Lindley, Chris Darrow, Solomon Feldthouse e Chester Crill) che hanno suonato chitarra arpa, basso, violino, mandolino, berimbao, scacciapensieri e altri strumenti mediorientali, suonati in massima parte da Feldthouse. Nancy Priddy canta le parti femminili in So Long, Marianne, Suzanne e Hey, That’s No Way To Say Goodbye. Le collaborazioni di Kaleidoscope/Cohen che non hanno realizzato il montaggio finale di Songs of Leonard Cohen sono state in seguito resuscitate per essere utilizzate nel film di Robert Altman, McCabe e Mrs. Miller, comprese le versioni alternative di “Sisters of Mercy” e “The Stranger Song”.

I Kaleidoscope si formarono nel 1966 e includevano Darrow insieme ai compagni di band David Lindley, Solomon Feldthouse e Max Buda. Il gruppo fu pioniere di un mix avventuroso di stili musicali mediorientali, country, folk, blues e psichedelici che introdussero le orecchie occidentali all’intrigante strumentazione come quella dell’oud turco e del bağlama (saz). Il suono che sfidava i generi del debutto dei Kaleidoscope del 1967, Side Trips, fu registrato su alcuni dei primi registratori a otto tracce in America, con il suo contenuto musicale che anticipava di decenni il movimento Worldbeat. La natura diversificata della musica dei Kaleidoscope permise loro l’opportunità di esibirsi con un ampio spettro di artisti, tra cui Jimi Hendrix, The Doors, Taj Mahal, The Byrds, Ike e Tina Turner, Bo Diddley, Steppenwolf, The Grateful Dead, Mississippi John Hurt, Lightnin’ Hopkins, The Impressions e Procul Harum. I Kaleidoscope si esibirono addirittura fuori dal Monterey Pop Festival, suonando per gli Hells Angels.  

Citando divergenze creative, Chris Darrow lasciò i Kaleidoscope poco dopo aver completato il secondo album della band, A Beacon From Mars. Poco dopo la sua partenza, tuttavia, ricevette una chiamata dai suoi ex compagni di band dei Kaleidoscope che erano in difficoltà. Stuart Brottman, il musicista che avrebbe dovuto sostituire Darrow nei Kaleidoscope, non era ancora disponibile per la loro residenza del dicembre 1967 a New York City. Chiesero a Chris di andare con loro.

Prenotati per una settimana di concerti al The Scene, il club chic di Steve Paul nel centro di Manhattan, i Kaleidoscope si sono visti rubare l’attrezzatura quasi subito dopo essere arrivati ​​in città. Fortunatamente, la band è riuscita a esibirsi con l’attrezzatura in prestito presa in prestito dal loro collega della California del Sud, Frank Zappa, che era in città per registrare con i The Mothers of Invention. Quella sera, i Kaleidoscope hanno aperto per la cantante tedesca Nico (che Darrow aveva già incontrato a Los Angeles), che si è esibita accompagnata solo dal suo organo Hammond B3. “C’erano pochissimi gruppi della costa occidentale che avevano suonato a est fino ad allora, e noi “hippie dai capelli lunghi’ eravamo l’antitesi dell’atmosfera newyorkese di allora”, ha detto Darrow mentre rifletteva su quella serata particolarmente cruciale. “Si sono presentati Warhol e i suoi tirapiedi, c’era The Cyrcle, i Chambers Brothers, Leonard Cohen e un David Clayton-Thomas pre-Blood Sweat Tears erano tutti lì“. 

Nel 1981 Chris Darrow arrivò in Italia con Skip Battin. Il 26 settembre vicino Biella, al duo incredibile si unì Ricky Mantoan con la Pedal Steel Guitar.

Newport Folk Festival: un incontro tra generazioni.

L’esecuzione di “Alice’s Restaurant Massacree” da parte di Guthrie è stato un momento di spicco. Questa canzone satirica di 18 minuti di blues parlante raccontava con umorismo la sua esperienza con una piccola infrazione per rifiuti che si è trasformata in un commento sulla burocrazia e sulla guerra del Vietnam. La folla ha apprezzato la capacità di Guthrie di intrecciare umorismo e critica sociale in una storia indimenticabile. “Alice’s Restaurant” sarebbe diventato una pietra di paragone culturale dell’epoca, risuonando con i sentimenti anti-establishment del tempo. L’esibizione di Guthrie a Newport contribuì a consolidare il suo posto nel folk revival e introdusse una nuova generazione al potere della narrazione attraverso le canzoni. Nel 1966, Alice Brock gestiva il ristorante The Back Room a Stockbridge, Guthrie era una stella nascente e la sua canzone di successo era un talking blues di 18 minuti che raccontava del suo arresto e di come lo avesse reso ineleggibile per la leva. Il ritornello era un omaggio ad Alice, il cui ristorante, come ha sottolineato Guthrie, in realtà non si chiamava Alice’s Restaurant, che innumerevoli fan hanno imparato a memoria da allora:

Puoi trovare tutto ciò che vuoi al ristorante Alice / Puoi trovare tutto ciò che vuoi al ristorante Alice / Entraci subito, è proprio dietro l’angolo / A solo mezzo miglio dai binari della ferrovia / Puoi trovare tutto ciò che vuoi al ristorante Alice.

Il Newport Folk Festival del 1967 non si è limitato alle singole esibizioni, ma ha rappresentato un’atmosfera di collaborazione e di comunità. Il festival ha creato un ponte tra le generazioni, con il folk tradizionale che si fondeva perfettamente con gli stili più contemporanei e sperimentali che stavano emergendo in quel periodo. Giovani artisti come Cohen e Guthrie condividevano il palco con i veterani del folk, creando uno spazio in cui la musica trascendeva i confini. Il fotografo David Gahr ha immortalato molti momenti iconici del festival, conservando l’essenza degli artisti e del pubblico. Le immagini di Gahr di Cohen e Guthrie ci ricordano la magia di Newport, un festival che non si limitava alla musica ma catturava lo spirito del tempo.

Un’eredità che continua

Leonard Cohen e Arlo Guthrie portarono ciascuno qualcosa di unico al Newport Folk Festival del 1967. Cohen offrì introspezione e profondità poetica, mentre Guthrie portò umorismo e narrazione. Insieme, rappresentavano l’espansione degli orizzonti della musica folk. Per chi ebbe la fortuna di assistere alle loro esibizioni, il 1967 fu un anno da ricordare. Per il resto di noi, le registrazioni, le fotografie e le storie mantengono vivo lo spirito di quella magica estate, ricordandoci il potere della musica di connettere e ispirare.

Gloria Berloso

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novembre 17, 2024

SALTA SULLA FERROVIA AMERICANA DI SILKROAD – L’ultimo album dei Silkroad, “American Railroad”, è stato pubblicato il 15 novembre su Nonesuch Records

La musica, come tutta la cultura, ci aiuta a comprendere il nostro ambiente, gli altri e noi stessi. La cultura ci aiuta a immaginare un futuro migliore. La cultura aiuta a trasformare “loro” in “noi”. E queste cose non sono mai state così importanti. La cultura è il fondamento sul quale immagineremo e costruiremo un mondo in cui riaffermiamo il nostro impegno per l’uguaglianza e la sicurezza per tutti, agiamo con empatia e sappiamo che possiamo sempre fare meglio.

Yo-Yo Ma è un sostenitore di un futuro guidato dall’umanità, dalla fiducia e dalla comprensione. Tra i suoi numerosi ruoli, Yo-Yo è un Messaggero di Pace delle Nazioni Unite, il primo artista mai nominato nel consiglio d’amministrazione del World Economic Forum, un membro del consiglio di Nia Tero, l’organizzazione non-profit con sede negli Stati Uniti che lavora in solidarietà con i popoli e i movimenti indigeni in tutto il mondo, e il fondatore del collettivo musicale globale Silkroad.

Yo-Yo è nato nel 1955 da genitori cinesi che vivevano a Parigi. Ha iniziato a studiare violoncello con suo padre all’età di quattro anni e tre anni dopo si è trasferito con la sua famiglia a New York City, dove ha continuato i suoi studi di violoncello alla Juilliard School prima di proseguire gli studi in arti liberali ad Harvard. Ha ricevuto numerosi premi, tra cui l’Avery Fisher Prize (1978), la National Medal of the Arts (2001), la Presidential Medal of Freedom (2010), il Kennedy Center Honors (2011), il Polar Music Prize (2012) e il Birgit Nilsson Prize (2022). Si è esibito per nove presidenti americani, più di recente in occasione dell’insediamento del presidente Biden.  Lui suona tre strumenti: uno strumento del 2003 realizzato da Moes & Moes, un violoncello Montagnana del 1733 di Venezia e uno Stradivari Davidoff del 1712.

Silkroad è un ensemble fondato da Yo-Yo Ma per riunire artisti e musica legati alle antiche rotte commerciali tra l’Asia orientale e il Mediterraneo. La vocalista, violinista e suonatrice di banjo Rhiannon Giddensè nota soprattutto per aver contribuito a far rivivere la tradizione delle string band nere americane.   Detto questo, prima di imparare a suonare il banjo, la donna si è formata come cantante d’opera. Il mondo classico non le è estraneo e si è esibita con l’ensemble itinerante di Silkroad. La sua carriera è stata dedicata all’illuminazione in stile Silkroad delle comunanze nascoste. Come membro fondatore dei Carolina Chocolate Drops e nel suo successivo lavoro da solista, ha portato l’attenzione sul ruolo ampiamente dimenticato dei neri nel bluegrass e in altre musiche americane associate alla bianchezza.  Negli ultimi anni, insieme al musicista italiano Francesco Turrisi, ha esplorato il modo in cui la musica americana è sempre stata “world music”, accogliendo elementi provenienti dall’Africa, dal mondo arabo, dall’Europa e dall’America Latina.

Il suo ultimo progetto con l’ensemble Silkroad è il podcast American Railroad, che intreccia musica e storia, concentrandosi su diverse regioni del Paese e approfondendo i legami con la ferrovia e la loro risonanza oggi. Tra gli ospiti ci saranno storici, musicisti, discendenti di lavoratori della ferrovia, membri della tribù Standing Rock Sioux e artisti di Silkroad. Dal ruolo cruciale dei lavoratori cinesi nella ferrovia californiana alla tragica storia dei lavoratori detenuti in North Carolina, la serie contribuirà a dipingere un quadro più accurato e inclusivo della storia ferroviaria americana.

RHIANNON GIDDENS.
The Silk Road Ensemble performs at Weill Hall at Sonoma State University in Rohnert Park, California, August 19, 2016.

Dopo il completamento della Transcontinental Railroad, un viaggio da costa a costa che prima richiedeva mesi è stato ridotto a poco meno di una settimana, consentendo il trasporto di beni e idee attraverso il continente in modi prima inconcepibili. Le aziende a scopo di lucro e il governo americano l’hanno finanziata, ma le persone che l’hanno effettivamente costruita e che ne sono state maggiormente colpite sono il fulcro di questo programma di musica: indigeni e afroamericani, così come irlandesi, cinesi, giapponesi e altri lavoratori immigrati i cui contributi sono stati ampiamente cancellati dalla storia. L’American Railroad di Silkroad cerca di correggere questi torti passati evidenziando storie mai raccontate e amplificando voci inascoltate da queste comunità, dipingendo un quadro più accurato dell’origine diasporica globale dell’Impero americano.

Il progetto, in lavorazione da anni, rappresenta la visione del Silkroad Artistic Director Rhiannon Giddens per il Silkroad Ensemble, avendo sollevato l’idea per la prima volta all’inizio del suo mandato. American Railroad includerà componenti multidisciplinari che spaziano da tour in tutto il Nord America e installazioni visive site-specific a una serie di documentari video, registrazioni di uscite e materiali curriculari per l’uso da parte di educatori e pubblico.

Il programma del tour include pezzi commissionati dall’artista jazz Cécile McLorin Salvant e dal compositore cinematografico Michael Abels, così come dall’artista Silkroad e rinomato suonatore di pipa Wu Man e dall’artista Silkroad Layale Chaker . Include anche arrangiamenti rivisitati di canzoni folk di Rhiannon Giddens e delle colleghe artiste Silkroad Haruka Fujii e Maeve Gilchrist. 

American Railroad: l’album

L’ultimo album del Silkroad Ensemble con Rhiannon Giddens

L’ultimo album dei Silkroad, “American Railroad”, è stato pubblicato il 15 novembre su Nonesuch Records. L’album cerca di mettere in luce storie mai raccontate e amplificare voci inascoltate delle comunità che hanno costruito le ferrovie, dipingendo un quadro più accurato dell’origine diasporica globale dell’America.

I mattoni del programma American Railroad hanno avuto inizio con ritiri di artisti e visite in loco in tutta la nazione, nella Standing Rock Reservation, a New York City e a San Francisco, dove gli artisti si sono impegnati in ricerche storiche e culturali, che hanno informato la narrazione complessiva e la direzione musicale. Il processo ha incluso anche una serie di workshop aperti, intitolati Train Station Trios , tenuti a Sacramento (CA), New York City e Springdale (AR). Questi sono culminati in esibizioni informali della durata di un’ora con trii di musicisti Silkroad e studiosi locali, con nuova musica ispirata all’impatto della ferrovia su quella particolare area.

La musica del tour American Railroad proviene da questi workshop e da ulteriori ricerche. L’arrangiamento di Rhiannon Giddens di “Swannanoa Tunnel”, suddiviso in vignette sparse nel programma, deriva da una canzone di lavoro degli afroamericani costretti a lavorare sulla ferrovia nello stato natale di Giddens, la Carolina del Nord, ed è una melodia che è stata a lungo associata ad artisti bluegrass e folk, le cui origini sono state dimenticate. 

Il lavoro della cantante e compositrice vincitrice di un Grammy Award Cécile McLorin Salvant trae ispirazione dalle storie condivise e raccolte dagli artisti di Silkroad. Il lavoro del vincitore del premio Pulitzer Michael Abels scava nella natura della cooperazione e immagina un mondo in cui una vittoria per uno non deve avvenire a spese di qualcun altro. L’artista di Silkroad e virtuoso della pipa Wu Man ha anche adattato una canzone chiamata “Rainy Day” per l’iniziativa.

Le artiste di Silkroad Haruka Fujii e Maeve Gilchrist forniscono le loro personali ricontestualizzazioni di canzoni ferroviarie provenienti da comunità di immigrati. “Tamping Song” di Fujii celebra il contributo degli immigrati giapponesi alla ferrovia, in particolare dopo il Chinese Exclusion Act del 1882, mentre “Far Down Far” di Gilchrist mette in luce le tensioni tra comunità cattoliche e protestanti all’interno dei lavoratori delle ferrovie irlandesi. Entrambi i brani sono stati creati originariamente per il recente Uplifted Voices di Silkroad , un altro programma destinato a far germogliare idee per American Railroad , ma sono stati riorchestrati per questo programma.

Alcune tappe del tour American Railroad sono completate da attività di istruzione e coinvolgimento della comunità, tra cui residenze presso università locali che comprendono lezioni tenute da ospiti, dibattiti, masterclass e prove aperte; e programmi pubblici che consentono al pubblico di tutte le età di immergersi più a fondo nella storia delle ferrovie locali. Nel tour del 2023 questa attività ha incluso Mazz Swift di Silkroad che ha guidato un workshop tramite Project MUSIC (Music Uniting Strangers Into Community). Project MUSIC di Silkroad sfrutta le partnership all’interno del sistema giudiziario per portare esperienze musicali condivise alle comunità carcerarie in tutto il paese, dove i muri sono un divisorio letterale e figurativo. Ha anche incluso una partnership con For Freedoms, un’organizzazione guidata da artisti che incentra l’arte come catalizzatore per l’impegno civico creativo, il discorso e l’azione diretta. Insieme, hanno esposto quattro accattivanti cartelloni pubblicitari a Los Angeles che raccontavano la storia, da una prospettiva visiva, della travagliata eredità dell’imperialismo americano e le storie silenziose di coloro che hanno lavorato duramente per costruire questo paese.

Il prossimo tour dell’American Railroad di Silkroad avrà luogo nel novembre 2024

SALTA SULLA FERROVIA AMERICANA DI SILKROAD

L’iscrizione offre vantaggi entusiasmanti e rafforza questo movimento armonioso verso un mondo più inclusivo e giusto.
La tua donazione di oggi aiuterà a costruire un mondo più equo, pieno di speranza e giusto attraverso il potere delle arti.

Qui https://www.silkroad.org/donate

Articolo di Gloria Berloso – Scrive su ilblogfolk.wordpress dal 2012

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ottobre 21, 2024

Una Borsa di Studio di 5000 dollari per progetti creativi ed accademici sulla vita e l’opera di Phil Ochs

L’arte massima è quasi sempre completamente persa dalle persone. A volte ci vogliono cento anni o più per avere una prospettiva su qualcosa di sublime. L’album uscito poco prima della fine della sua vita ci rivela che sarebbe sempre stato un vero poeta, qualcosa di simile a Bob Dylan degli anni ’60, ma di un ordine completamente diverso. I suoi dischi sono tele sonore. Phil ci ha dato un’immagine di sé stesso che è uscita da Twin Peaks di David Lynch. È esattamente il modo surreale in cui il quadro sociale americano era diventato per lui in quel momento. Ogni canzone su questo è tragica e bella.

 

L’ultimo suo concerto ha luogo il 19 ottobre 1975 al FOLK CITY di New York, un piccolo locale frequentato da pochi amici; accompagna Sammy Walker, un giovane nel quale ripone molte speranze. Eseguono Bound for Glory, Pretty Boy Floyd di Woody Guthrie e poi i suoi brani Pleasures of the Harbor, Jim Dean of the Indiana ma la voce di Phil è monocorde e la musica zoppicante.

Ochs vivrà in seguito mesi da incubo in preda alla sindrome dissociativa. L’FBI ha utilizzato contro di lui un’arma efficace, lo ha spiato in modo evidente per esasperarlo. In preda all’alcool è ossessionato di venir ucciso da agenti dei servizi segreti. Il 9 aprile 1976 si uccide impiccandosi nell’appartamento della sorella, il suo ultimo rifugio.
Phil Ochs era come Dylan, ma meno complicato nelle sue espressioni e più esplicito nella sua rabbia.
Una valida collaborazione tra gli Archivi del Woody Guthrie Center e A Still Small Voice Inc. è una borsa di studio per la ricerca che assegna fino a 5.000 dollari per progetti creativi o accademici sulla vita e l’opera di Phil Ochs e sulla sua eredità e l’influenza duratura sulla cultura popolare, la politica e la musica. Mancano solo pochi giorni alla chiusura delle iscrizioni alla borsa di studio Phil Ochs per l’anno 2024.

Gloria Berloso

Phil Ochs con Bob Dylan

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settembre 7, 2024

L’icona della musica internazionale Sergio Mendes si è spento a Los Angeles.

L’icona della musica internazionale Sergio Mendes, che ha portato nel mondo il suono gioioso della sua terra natale, il Brasile, si è spento serenamente il 5 settembre 2024 a Los Angeles.  Aveva 83 anni (nato a Niterói, comune brasiliano nello stato di Rio de Janeiro l’11 febbraio 1941). La moglie e compagna musicale per gli ultimi 54 anni, Gracinha Leporace Mendes, era al suo fianco, così come i suoi amorevoli figli. Mendes si è esibito per l’ultima volta nel novembre 2023 a Parigi, Londra e Barcellona, dove ha registrato il tutto esaurito e un grande entusiasmo. Negli ultimi mesi la sua salute era stata messa a dura prova dagli effetti di una COVID di lunga durata.  Uno degli artisti brasiliani di maggior successo internazionale di tutti i tempi, Mendes ha registrato più di 35 album, molti dei quali sono diventati disco d’oro o di platino. Mendes, tre volte vincitore di un Grammy Award e candidato all’Oscar, ci lascia un’incredibile eredità musicale di più di sei decenni di un suono unico, presentato per la prima volta dalla sua band Brasil ’66. Il 1° ottobre 1977 a New York con la band Brasil ’77 suonarono l’inno nazionale brasiliano e la famosissima Mas Que Nada per il Re, il grande Pelè.

Sergio Mendes ha fatto parte della mia vita, tanti ricordi con mio padre che portava a casa i suoi dischi appena uscivano che poi io trasferivo su cassetta per ascoltarli in auto nei lunghi viaggi di trasferta da una città all’altra.

Buon viaggio tra le stelle Sergio Mendes!

Gloria Berloso

7 settembre 2024

Sergio Mendes (Photo credit: George Andrews)

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settembre 6, 2024

Grazie Claudio Rocchi

Claudio Rocchi

Articolo pubblicato il 18 giugno 2013

Mi dispiace moltissimo, sono particolarmente turbata da questa morte, le sue poesie e la sua musica mi appartengono e le ho sempre ascoltate e proposte a chi non lo conosceva.

Claudio Rocchi aveva la forza della sincerità ma sapeva farti sognare con le sue canzoni che sembravano delle favole. La realtà non esiste ma c’è sempre una speranza, delle volte, anche noi torniamo indietro, comprendiamo e cambiamo vita. La bellezza dei suoi brani risiede a mio avviso proprio nella loro uniformità di vibrazioni.

C’è una canzone del 1974 inserita nell’Album Essenza: È per te, dedicata alla droga che al di là delle solite ispirate allucinazioni di chi voleva dire…anch’io mi drogo e sono, perciò un artista, è un invito affinché le energie psichedeliche possano essere sostituite da forza, senso e volontà per circolare fino al cuore. Questa è concretezza!

Tutte le altre canzoni costituiscono esposizioni poetiche presentate in molti concerti che diventavano fondamentali per chi amava Rocchi. Avrei preferito senza ogni ragionevole dubbio fare una recensione ma di fronte alla morte di un grande poeta m’inchino.

Claudio non è mai stato commerciale ma le sue canzoni arrivavano sempre dirette perché semplici. Gli strumenti usati nei suoi concerti erano chitarra acustica e pianoforte, le percussioni per imprimere il ritmo e spesso il sitar.

Per i nostri giorni e per le nostre coscienze è importante che rimanga la conoscenza di questo artista e spero che questo mio semplice pensiero per Rocchi insieme a tutte le altre recensioni siano aperti ad un colloquio tra noi sulle basi di documenti, notizie, dischi, libri e ricordi.

La realtà non esiste

Quando stai mangiando una mela tu e la mela siete parti di Dio,

Quando pensi a Dio sei una parte di ogni parte e niente è fuori da tutto

Quando vivi tu sei un centro di ruota e i tuoi raggi sono raggi di vita;

puoi girare solo intorno al tuo perno o puoi scegliere di correre e andare

Quando dormi tu sei come una stella e il respiro è come fuori dal tempo;

Quando ridi è come il sole sull’acqua, sai che farne della vita che hai

Quando ami tu ridoni al tuo corpo quel che manca per riempire un abbraccio,

Quando corri sai essere lepre e lumaca se hai deciso di arrivare o restare

Quando pensi stai creando qualcosa, illusione è di chiamarla illusione,

Quando chiedi tu hai bisogno di dare, quando hai dato hai realizzato l’amore.

Quando gridi la realtà non esiste hai deciso di essere Dio e di creare.

Quando chiami tutto questo reale hai trovato tutto dentro ogni cosa

Autore: Gloria Berloso

6 settembre 2024

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luglio 25, 2024

John Mayall

JOHN MAYALL – Room to Move

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luglio 24, 2024

JOHN MAYALL – Room to Move

Ci sono alcuni nomi che sono sinonimi del boom del blues britannico degli anni ’60. Abbiamo tutti sentito parlare delle band che hanno portato la musica alla ribalta, i Rolling Stones, gli Yardbirds, gli Animals, ed altri, ma prima ancora che uno di questi ragazzi iniziasse, c’erano musicisti blues dedicati che si sgobbavano nei club per chiunque volesse ascoltare. Alcuni di loro, Alexis Korner, Cyril Davies, Graham Bond, erano noti principalmente al pubblico londinese devoto e a coloro che in seguito studiarono le radici della musica.

E poi c’è John Mayall.

Nato il 29 novembre 1933, Mayall si innamorò del blues e del jazz molto presto nella sua vita, e già suonava blues in pubblico alla fine degli anni ’50 e all’inizio degli anni ’60. Sotto contratto con la Decca Records, il cantautore/chitarrista/tastierista e armonicista pubblicò il suo album di debutto, John Mayall Plays John Mayall, nel 1965, ma fu solo quando Mayall assunse un giovane chitarrista di nome Eric Clapton dagli Yardbirds che la sua band, i Bluesbreakers (a volte scritti Blues Breakers), iniziò a farsi notare su larga scala. Con John McVie al basso e Hughie Flint alla batteria, l’album del 1966 Blues Breakers con Eric Clapton attirò anche l’attenzione dei fan americani che avevano scoperto il blues tramite quegli altri musicisti britannici. Ed è proprio questo sensazionale gruppo che attirò la mia attenzione fin da bambina. Credo di aver ascoltato il disco nel decennio tra il ’66 e il ’76 migliaia di volte. Verso la fine degli anni Sessanta giurai a me stessa di conoscere Eric Clapton ma questo desiderio non si è mai avverato.

Negli anni successivi, Mayall fu una star in America e nel suo paese d’origine: i suoi tour andarono sold out e i suoi dischi, tra cui classici come Blues From Laurel Canyon e The Turning Point, passarono in radio. Mayall non divenne mai una superstar da arena, ma le sue band ne generarono molte. Oltre a Clapton, ospitò musicisti di livello superiore come Peter Green e Mick Fleetwood (che avrebbero entrambi fondato i Fleetwood Mac con McVie), Mick Taylor (in seguito degli Stones), Harvey Mandel, Jack Bruce, Aynsley Dunbar e molti altri.

Cambiando costantemente la formazione e grazie alla sua insaziabile voglia di viaggiare per la musica, Mayall è stato in grado di continuare a evolversi nel corso degli anni.

L’album Blues from Laurel Canyon del 1968 di Mayall segnò un trasferimento definitivo negli Stati Uniti e un cambio di direzione. Sciolse i Bluesbreakers e lavorò con due chitarre e una batteria.

L’anno seguente pubblicò The Turning Point, probabilmente la sua uscita di maggior successo, con una formazione acustica atipica di quattro elementi, tra cui Mark e Almond. Room to Move, una canzone di quell’album, fu una delle preferite del pubblico nella successiva carriera di Mayall.

Room To Move
May seem peculiar / How I think o’ you If you want me darlin’ / Here’s what you must do. You gotta free me / Cuz I can’t give the best / Unless I got room to move. If you want me darlin’ / Take me how you can I’ll be circulating, Cuz that’s the way / I am. You gotta free me / Cuz I can’t give the best Unless /

I got room to move

John Mayall è morto nella sua casa in California il 22 luglio 2024, ha dedicato tutta la vita a ciò che credeva di più: la Musica Blues.

Autore articolo: Gloria Berloso

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luglio 4, 2024

Recensione libro

Recensione del libro “La linea rossa” – 3 luglio 2024

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