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ottobre 31, 2026

Centenario Colette Magny (1926-2026)

Testi di Gloria Berloso

Pubblicato il 31 ottobre 2026 da Gloria Berloso

Alcuni di voi che ascoltano la radio (Città Sottile) forse ricorderanno che nel mio programma del mercoledì tra marzo 2025 e marzo 2026, dedicato alla musica folk, ho trasmesso le canzoni di Colette Magny e raccontato la sua storia. Colette Magny, era nata il 31 ottobre 1926 a Parigi, ma il suo centenario dalla nascita passerà in gran parte inosservato. La natura ribelle di Colette e la sua musica non si prestano a grandi titoli di giornali o a manifestazioni di affetto del grande pubblico. Comunque, all’inizio di settembre è stata omaggiata alla Fête de l’Humanité (Festa dell’Umanità), dove lei si esibiva spesso. Il pubblico presente ha sempre acclamato la Magny attivista della classe operaia e internazionalista, il cui radicalismo si è affinato costantemente fino alla sua morte nel 1997. Colette Magny era una grande cantante, autodidatta e animata da una vocazione sbocciata tardivamente. Dattilografa bilingue all’OCSE per circa quindici anni, si dimise a 36 anni e iniziò a frequentare i cabaret della Rive Gauche, influenzata dai cantanti jazz e blues neri, prima che il pubblico scoprisse la sua esibizione televisiva, al Petit Conservatoire di Mireille, di “Mélocoton“, una semplice filastrocca di cui era autrice e compositrice. Improvvisamente catapultata nelle classifiche yé-yé e ad aprire il concerto di Sylvie Vartan all’Olympia, non avrebbe dovuto trovarsi lì. “Si allontanò da ‘ Mélocoton’ e dal fascino della fama per dedicarsi all’attivismo “. La sua voce divenne uno strumento di rivolta e la sua canzone, un grido privo di ogni grazia, un’arringa veemente e appassionata.

E se continua così / Un giorno vedremo / Forse i magistrati / Gli studenti delle superiori in piedi spalla a spalla per strada…

Il concerto dedicato a Huma, intitolato “Radical Magny”, ha riunito artisti che hanno interpretato il suo repertorio, tra cui Jil Caplan, che ha scelto ” Les Tuileries ” (basato su una poesia di Victor Hugo) e ” Dents de lait, dents de loup” (Denti da latte, denti di lupo).

Colette Magny è una delle figure di spicco del movimento della “chanson engagée”, che ha messo la sua voce blues al servizio degli oppressi. Costantemente alla ricerca, rifiutando di essere etichettata e assolutamente intransigente, non ha smesso mai di esplorare e sperimentare con la sua voce e la sua scrittura. In fuga dal mondo dello spettacolo (e trascurata dai media), Colette Magny si è esibita in ambienti militanti: centri giovanili e culturali, anfiteatri e fabbriche in sciopero. Nell’agosto del 1969, tenne un concerto al Théâtre des Carmes di Avignone, un teatro che proponeva spettacoli direttamente legati agli eventi politici del momento. Questo concerto, testimone delle lotte degli anni ’60 e ’70, fu soprattutto un’occasione per scoprire o riscoprire una cantante potente e stimolante. Il concerto di Avignone fu completato da un’esibizione sul “Petit Conservatoire de la chanson” di Mireille nel 1964, pochi mesi dopo che il programma aveva rivelato Colette Magny al grande pubblico; due poesie di Victor Hugo messe in musica e l’essenziale Mélocoton.

Le sue registrazioni furono pubblicate da Le Chant du Monde. Il suo album successivo, anch’esso omonimo, conteneva le sue canzoni “Vietnam 67” e “Viva Cuba“, insieme a una che celebrava uno sciopero dei lavoratori portuali, oltre ad altre ambientazioni di poesie e testi metafisici. Nel maggio del 1968 sostenne attivamente studenti e lavoratori nei sit-in e attraverso concerti di beneficenza. Scrisse la canzone “Les militants” per i manifestanti e in seguito pubblicò anche un album dal titolo Magny 68/69.

Non c’è bisogno di esitare fin da questo primo album, Colette Magny dimostra che il blues è una parte autentica della sua vita e perfino della sua anima. E sebbene l’etichetta sia di per sé ovviamente gravosa, non è affatto offensiva. Come sappiamo dalle sue interviste, Colette Magny era già a quell’epoca un’intenditrice e una vera appassionata di blues e jazz, ma i due titoli immortalati da Bessie Smith che osa citare qui dimostrano che il suo approccio al linguaggio non è puramente intellettuale: possiede la giusta colorazione vocale, il senso dello swing e il fraseggio flessibile che spesso mancano agli artisti francesi nei loro tentativi simili. In particolare, ” Nobody knows when you’re down and out ” (che non va confusa con lo spiritual negro “Nobody knows” e che significa più o meno “Nessuno ti conosce quando sei giù e fuori”) non è un plagio del suo illustre creatore, bensì una versione personale di questa canzone di miseria e depressione. Che dovrebbe essere la regola tra coloro che hanno la pretesa di essere blues, in particolare nelle nostre biografie di varietà, che vengono copiate pedissequamente da certi giornalisti con le orecchie di legno e lo swing dei cattolici francesi.
Ma non possiamo non parlare delle prime due canzoni francesi incise da Colette Magny (e scritte da lei). “Mélocoton” è così conosciuta che abbiamo quasi perso l’abitudine di ascoltarla. È un peccato, perché in non più di 1’40”, e con il suo stile ellittico, dà voce all’infanzia, ponendo al contempo umili domande. “Co-operation” è la prima delle sue canzoni “politiche” in senso stretto:
Puoi piangere, puoi urlare, puoi vomitare.
Non saprai mai perché sei nato
Quando l’umanità sarà finalmente saggia,
Passeremo dalla competizione nell’individualismo
all’individualità nella cooperazione…

Per sua stessa ammissione, Colette Magny non aprì un giornale fino all’età di 30 anni. Quando finalmente lo fece, le sue pagine erano piene della guerra d’Algeria. Prese consapevolezza dell’anticolonialismo e si impegnò nella Rivoluzione cubana, contro la guerra del Vietnam, per il movimento per i diritti civili americano e per le rivendicazioni del maggio ’68. Pubblicata da Le Chant du Monde, un’etichetta discografica vicina al Partito Comunista Francese, di cui fu brevemente membro, abbracciò i testi di Pablo Neruda e Amiri Baraka. Trasmetteva il suo messaggio con più forza che con il canto, e gridava, abbracciando il free jazz con l’aiuto del pianista François Tusques, era anche un’espressione di rabbia. Così, in Repression (1972), sotto una copertina di Pignon-Ernest che mostra il disegno di una pantera nera: “Repressione, sospetto / Dove stiamo andando, dove stiamo andando, attenzione / E se continua così / Un giorno vedremo / Forse i magistrati / Gli studenti delle superiori sedere contro sedere per strada”. Oppure, riecheggiando il grido delle mogli dei minatori in sciopero: “Buu, buu, buu yéyé!”

La Magny non ha fatto nulla per compiacere nessuno, eppure è ammirata. Ad esempio, dal Rapper Rocè che l’ha fatta conoscere a un nuovo pubblico. La sua compilation, Dai dannati della terra, dedicata alla musica di protesta del mondo francofono dal 1969 al 1988, è stata molto apprezzata al momento della sua uscita nel 2018. Include “La Pieuvre” (Il polpo), una canzone del 1969 in cui Colette Magny denuncia il capitalismo industriale, esclamando: “Grazie, Rhône-Poulenc!”. Come i rapper francesi, anche lei si appropriò della musica americana per dare sfogo alle proprie ribellioni. Analogamente, nel 2018 è stata pubblicata un’antologia di dieci CD delle sue opere (1958-1997), ora disponibile sulle piattaforme di streaming. Bisogna avere il coraggio di immergersi in essa, di confrontarsi con l’intensità cruda della sua rabbia. Soprattutto perché, visti gli eventi attuali, avrebbe gridato ancora più forte.

Nel 1967, la sua canzone principale era Vietnam ‘67, dedicata alla difesa della liberazione del Vietnam, in cui narra dal punto di vista di una vietnamita. Stranamente, una frase riecheggia Mélocoton : “ fratellanza sempre, ma con gli oppressi ”.

Colette Magny registrò quindi diversi brani incontrando le persone, dando voce a coloro che considerava oppressi e da cui trasse anche ispirazione. L’oppressione dei deboli, la lotta dei più poveri, la rivolta contro l’ingiustizia del mondo dei potenti sono rimasti il ​​filo conduttore di tutta la sua carriera. L’aspetto negativo è che verrà etichettata come una “cantante per le fabbriche in sciopero” e una persona di sinistra!

Negli anni ’70 visse alti e bassi. Insieme a Maxime Le Forestier e alla sua compagna Mara, combattè per il Cile cantando tre canzoni di Violetta Parra e Victor Jara. Lei è parte di tutte le lotte, di tutte le insubordinazioni. Ritornò in Nord America, ma nell’America nera, con l’album Répression nel 1972.

Colette Magny è coinvolta in tutte le rivolte e ogni lotta dà origine a una canzone che è come un manifesto della sua rabbia o del suo sostegno: la causa basca con Camarade curé nel 1972, Mahmoud e Jacob nel 1977, che denuncia due esclusioni, quella del palestinese e dell’ebreo, La pieuvre, canzone ironica sulle condizioni dei lavoratori nella grande industria.

Parallelamente moltiplicò le sperimentazioni musicali con mix, collage sonori e campionamenti (il che spiega la sua notorietà presso alcuni rapper) e partecipò a una big band a geometria variabile dell’AR-FI il cui nome era tutto un programma (associazione alla ricerca di un folklore immaginario), creata a Lione nel 1977 e che suonò nelle case degli immigrati. Colette Magny continuò su questa strada e pubblicò tre album negli anni ’80, tra cui Thanaka ; non avendo il permesso di includere tutti i suoi testi, il disco fu pubblicato comunque, ma con un lato vuoto! Si trattava anche di Kevork, o il crimine di vagabondaggio del 1989, in cui troviamo il titolo Quando ero bambino, che evoca uno stupro. In seguito, avrebbe dichiarato alla radio di essere stata violentata da suo zio all’età di otto anni e mezzo e di essere diventata molto corpulenta in seguito, condizione che avrebbe mantenuto per il resto della sua vita.

Troppo radicale, troppo esigente, scomparve dalla scena mediatica e poi dai palcoscenici, nonostante il concerto tributo a Marsiglia nel 1996, ma non fu mai dimenticata perché in molti parlarono di Colette dopo la sua morte. Una verità che resiste al tempo. Nel panorama di una banalità standardizzata che satura il mercato musicale, la voce di Colette Magny si impone ancora come un colpo di tuono: destabilizzante eppure catartica. Volendo scegliere un’unica traccia capace di folgorare anche i più scettici tra i 193 brani dell’antologia, la scelta cadrebbe inevitabilmente su “Tu es ma graine” (1977). In questa riflessione sui legami umani, bilingue e viscerale, la Magny parte dalla quiete di una confidenza sussurrata, attraversa il brivido di una risata disperata e culmina nel tumulto di una tempesta ululante. Vi si ritrova l’essenza profonda di uno spirito libero che, ignorando mode ed epoche, continua a scuoterci e a travolgerci.

Gloria Berloso

ottobre 23, 2026

La musica folk ha il potere di cambiare il mondo

Testo di Gloria Berloso – 23 ottobre 2026

Sappiamo come la guerra ovvero la violenza trasformata in istituzione, si nutra dell’opposizione e dell’odio tra culture e nazioni, lacerando l’unità dell’umanità; sappiamo come la guerra si basi sulla costruzione ideologica del nemico per scatenarsi con auto-giustificazione e fervore assoluto contro il male e l’errore degli altri. Sappiamo, d’altra parte, quanto l’ascolto, il dialogo e le relazioni tra le culture possano placare quel fuoco e quelle bombe, e costruire ponti di comunicazione tra le diverse forme di vita umana.

La musica folk ha il potere di cambiare il mondo.

Nella storia della musica folk americana, pochi artisti hanno influenzato il mondo al di là dell’ambito della musica folk con la stessa forza di Pete Seeger. Dagli Almanac Singers (che si dedicavano alle canzoni dei lavoratori) ai Weavers (che hanno portato il folk nel mainstream) e nel corso dei decenni della sua carriera da solista, Pete ha scritto e interpretato innumerevoli canzoni con un unico, grande obiettivo: far cantare le persone tutte insieme. Pete ha usato la musica fino alla fine dei suoi 94 anni per unire le persone attorno all’idea che potessero avere qualcosa in comune.

Il movimento politico generazionale mira a recuperare un modo di fare la storia che va ben oltre l’età cronologica di chi vi prende parte. Si tratta di un approccio che affonda le sue radici nella lunga storia delle rivolte popolari rivoluzionarie. In questo ottobre 2026 questi due elementi si sono uniti: una rivolta giovanile e la riscoperta di una forma politica tipica delle rivolte e delle insurrezioni. Se la guerra è un costrutto culturale, allora anche la pace deve essere costruita attraverso la cultura. L’ascolto e il dialogo non sono gesti di debolezza o di tolleranza passiva, ma atti politici e filosofici di resistenza pertanto creare «ponti di comunicazione tra diverse forme di vita umana» significa accettare la complessità e rifiutare le semplificazioni della retorica bellica. Attraverso lo scambio culturale, l’arte, la letteratura e il dibattito filosofico, gli individui scoprono che i valori degli altri non sono necessariamente una minaccia, ma un’espressione diversa dell’esperienza umana. Il dialogo ci permette di squarciare il velo dell’ideologia, rivelando le vulnerabilità e i desideri condivisi che uniscono i popoli al di là dei confini geografici e politici.

La musica folk ha questo dono raro: sa raccontare il dolore senza perderne la dignità, sa sfidare l’ingiustizia con poesia, e sa trasformare la rabbia in un canto che fa pensare.

La musica è anche atto di coraggio e impegno civile.

La musica è la poesia della vita; è lo spirito di qualcosa. È l’essenza dell’arte. È così tante cose.

Gloria Berloso
Gloria Berloso
settembre 30, 2026

Max Manfredi, Premio Tenco per la Carriera nell’Anno 2026

Testo di Gloria Berloso

photo by Gloria Berloso

Max Manfredi

“Non avrei nemmeno pensato – dice Max Manfredi – di fare il mestiere del cantautore. Anche se dubito che avrei trovato un lavoro “onesto”. La laurea in tedesco l’ho presa, ma non l’ho nemmeno ritirata dalla segreteria. Invece sono andato al Club Tenco e lì ho scommesso sul mio futuro, nel senso che ho deciso di non fare altro se non le cose cui tenevo, e che so di poter fare bene, indipendentemente dai buoni esempi e dai molti cattivi. Se io poi abbia vinto, non lo so, diciamo che finora c’è stato un bel pareggio”.

Un po’ di storia

Luigi Tenco nacque a Cassine il 21 marzo 1938, il primo giorno di primavera, ma fu anche un anno drammatico che precedette lo scoppio di una guerra tanto devastante quanto crudele per milioni di persone. Tenco era il cantautore più strettamente legato alla scuola genovese di Gino Paoli e Bruno Lauzi, ed è probabilmente il più amato e ricordato dopo la sua tragica morte a Sanremo nel 1967. Le sue canzoni erano sempre audaci, poiché affrontavano tematiche sociali piuttosto che semplici temi romantici, come la brillante «Mi sono innamorato di te» («Mi sono innamorato di te» – perché non avevo altro da fare). Tenco fu il primo a sperimentare uno stile poetico caratterizzato da una melodia che si discostava dallo stile tipico italiano. Le canzoni di Luigi Tenco sono dirette, a volte taglienti. Sono tutte caratterizzate da uno stile poetico travolgente, in cui la musica è protagonista e si fonde con il suo timbro vocale sensuale e raro – un po’ triste, ma in amore, come sappiamo, c’è sempre un’aria di rassegnazione quando le cose non vanno come previsto.

Gli anni passano, le canzoni rimangono e i successi del passato non svaniscono mai. I suoi testi sono ricchi di riferimenti letterari, con influenze dal folk, dal blues e dalla musica popolare. In sua memoria, nel 1974 è stato istituito il Premio Tenco, assegnato a Leo Ferrè, Sergio Endrigo, Giorgio Gaber, Domenico Modugno e Gino Paoli.

1974

Il Club Tenco, fondato e animato da Amilcare Rambaldi, floricultore, ex partigiano e appassionato di musica.

Siamo ormai nel 2026. E il Club Tenco assegna il Premio Tenco alla carriera a Massimo Manfredi, nato a Genova il 7 dicembre 1956. Max è stato il precursore della nuova generazione di cantautori genovesi fin dagli anni ’90. È l’esempio per eccellenza di come si possano creare canzoni senza affidarsi a un genere specifico, esplorando il proprio linguaggio musicale pur rimanendo aperto a quello degli altri. Poterlo ascoltare è sempre un’occasione preziosa e, per chi ancora non lo conosce, ascoltarlo può rivelarsi un incontro fortunato e illuminante.

Dai suoi primissimi dischi fino al monumentale album *Luna persa*, Max Manfredi è stato attratto dalla figura del commesso viaggiatore che parla attraverso le sue canzoni. Il commesso viaggiatore de *Il Disgelo*, come quello di *Luna persa*, gira l’Italia e l’Europa. La sua è un’Europa cristallizzata, che si riflette nei suoi ritmi inutilmente e scioccamente frenetici e nella sua mediocrità obbligatoria mascherata da esigenze comunicative. Presente sulla scena da molti anni, Max Manfredi ha raccontato storie di viaggi, del tempo, di paesi e città, storie d’amore e di disillusione. Ha evocato scene di mezzogiorno o di crepuscolo in cui bastava un semplice accenno di abbandono per riconoscersi. E lo ha fatto accompagnato da musicisti di diversa provenienza, eccezionali per tecnica e grande passione. Nel corso degli anni, attorno a lui si è sviluppato un vero e proprio seguito di culto, sin dalle sue vittorie alle TARGHE TENCO e al Premio Recanati.

“Ma adesso è arrivata l’ora
Dei fuochi d’artificio
Nello stupore dei bengala
Nell’esplosione del finale
Voglio vedere chi è che pugnala
Il suo eterno rivale
Perché la villa era deserta
Di nuovo la mattina
E non capivo se fosse ancora in costruzione
O già in rovina
E mi chiedevo a un filo di sole
Nella sala diroccata
Se c’era stata mai vita lì dentro
O se me l’ero immaginata”

Discografia
1990 – Le parole del gatto (BMG/Cantare in italiano, ZD 74725)
1994 – Max (BMG/Cantare in italiano, 74321 18835-2)
2001 – L’intagliatore di santi (Storie di note, SDN 012)
2004 – Live in blu (Storie di note, SDN 042)
2008 – Luna persa (Ala Bianca, ABR 128553984-2)
2014 – Dremong (Primigenia Produzioni/Gutenberg Music 3009)
2021 – Il grido della fata (Maremmano Records/Vibrisse Studio)

Riconoscimenti
1990 Premio Città di Recanati
1990 Targa Tenco per la miglior opera prima assegnata a “Le parole del gatto”
1997 Premio Regione Liguria 2005 Premio Lunezia DOC
2005 Premio Lo Cascio
2009 Premio Lunezia Canzone d’Autore assegnato a Luna persa
2009 Targa Tenco per il miglior disco dell’anno assegnata a Luna Persa 2017 Premio Civilia 2026 Premio Tenco alla Carriera

settembre 3, 2026

Il silenzio dell’industria e il furto dell’anima: il caso di Zeki e il declino dell’etica musicale

Quando le istituzioni e gli addetti ai lavori restano in silenzio, la scrittura pubblica diventa l’unico strumento per rompere il muro dell’indifferenza.

Negli ultimi anni ho lanciato ripetuti appelli a istituzioni, critici e figure influenti del mondo culturale. Ho chiesto di guardare, di ascoltare e di intervenire per difendere l’etica nella musica. La risposta? Un silenzio assordante. Questo silenzio, però, non è neutralità: è complicità con un sistema che sta consumando, fuori da ogni regola morale e senza alcuna anima, l’esistenza e la carriera di un vero innovatore.

La storia di Zeki è lo specchio di una realtà culturale drammatica, dove il talento pionieristico viene prima ignorato, poi plagiato e infine sistematicamente cancellato. Trent’anni fa, a soli diciotto anni, Zeki ha rivoluzionato il linguaggio del bağlama, portando lo strumento verso una dimensione universale con una tecnica straordinariamente avanzata. Oggi, quello stesso ambiente musicale che lo ha boicottato per decenni ha improvvisamente bisogno delle sue innovazioni. Ma invece di riconoscerne il merito, preferisce finanziare e promuovere nuove figure, costruendo a tavolino narrazioni che ne copiano lo stile, nel tentativo deliberato di cancellare il nome di Zeki dalla storia della musica.

Questo non è solo un conflitto artistico o editoriale; è un attacco feroce che ha superato i confini del palcoscenico per trasferirsi nelle aule di tribunale, attraverso processi logoranti e perizie infinite che stanno consumando la salute stessa del musicista. Quando la pressione psicologica e l’ingiustizia sistematica arrivano a spegnere la musica – portando un artista a non prendere più in mano il proprio strumento – significa che l’intero sistema ha fallito.

La cultura non può ridursi a un gioco di marketing e cancellazione. Chiunque ami la musica ha il dovere morale di difendere l’etica, il merito e l’onestà intellettuale. Continuare a tacere di fronte all’isolamento di un artista significa accettare che la musica perda la sua anima. Zeki non è solo un musicista da difendere: è il simbolo di una dignità culturale che non possiamo permetterci di perdere.


Cosa possiamo fare, oggi, per rompere questo silenzio?

L’indifferenza delle istituzioni si sconfigge solo con la pressione collettiva. Non permettiamo che la storia di Zeki venga riscritta nell’ombra. Per questo, chiedo a ciascuno di voi di fare la propria parte:

  • Condividete questo articolo e la sua storia: Usate i vostri canali social per far viaggiare la verità. Più la voce si diffonde, più sarà difficile ignorarla.
  • In Turchia, un artista rivoluzionario del bağlama, Zeki Çağlar Namlı, sta subendo un sistematico silenzio e una cancellazione culturale da parte delle comunità artistiche e accademiche. Nonostante la sua formazione formale nella musica folk tradizionale turca, Namlı ha a lungo sostenuto una comprensione olistica della musica, trascendendo i confini rigidi e abbracciando l’innovazione. Il suo contributo al bağlama, uno strumento anatolico profondamente radicato, è rivoluzionario e unico.
  • Ascoltate e parlate del vero patrimonio di Zeki: Cercate la sua musica, rispolverate le sue vecchie registrazioni e fate conoscere alle nuove generazioni (anche alla Generazione Z, così distante dai canali tradizionali) chi ha davvero rivoluzionato il linguaggio del bağlama trent’anni fa.
  • https://ilblogfolk.com/2015/10/10/zeki-caglar-namli-linventore-dello-stereo-naturale-su-chitarra-e-baglama/
  • Chiedete conto a chi ha il potere di cambiare le cose: Se siete giornalisti, critici musicali, musicisti o appassionati, sollevate il caso. Scrivete alle testate culturali, commentate e pretendete che il merito e l’etica tornino al centro del dibattito musicale.
  • https://ilblogfolk.com/2025/09/15/un-appello-alla-giustizia-nella-musica-turca-il-caso-di-zeki-caglar-namli/

La musica di Zeki si è spenta per via del dolore, ma la nostra voce può riaccendere i riflettori sulla sua verità. Non restate a guardare: schieratevi dalla parte dell’onestà artistica.

Gloria Berloso – Autore testi

febbraio 6, 2026

I fratelli Bottasso, curiosi musicisti e compositori hanno appena pubblicato Postcards from Italy

Recensione di Gloria Berloso

Nicolò ai violini, tromba, elettronica, visuals

Simone su organetto (fisarmonica diatonica), flauto, elettronica, sound design

“Postcards from Italy non riguarda solo film d’archivio, paesaggi o nostalgia.

Riguarda la memoria come atto politico.

RECENSIONE – “Postcards from Italy” si ispira a quindici diari di viaggio: cortometraggi girati oltre un secolo fa in diverse città italiane e oggi restaurati dall’Eye Filmmuseum di Amsterdam. Queste pellicole, nate come semplici testimonianze di viaggio o esercizi di osservazione, diventano oggi un archivio prezioso per leggere un Paese in trasformazione. Non mostrano solo luoghi: mostrano modi di guardare, di attraversare lo spazio, di rappresentare l’altro. In quei film scorrono strade affollate, porti brulicanti, piazze che ancora non conoscono il turismo di massa, fabbriche che iniziano a scandire nuovi ritmi di vita. Sono immagini che raccontano un’Italia sospesa tra tradizione e modernità, tra radicamento e movimento, tra identità locali e spinte globali. Eppure, ciò che colpisce non è soltanto ciò che vediamo, ma ciò che quelle immagini implicano: chi riprende, chi viene ripreso, cosa viene scelto, cosa resta fuori campo. Rimettere mano a questi materiali significa interrogare la memoria come costruzione politica. Significa riconoscere che ogni archivio è un dispositivo di potere, che ogni immagine è il risultato di uno sguardo situato, che ogni documento è anche una forma di narrazione. “Postcards from Italy” parte da questa consapevolezza e prova a restituire alle immagini la loro complessità, sottraendole alla patina della nostalgia per riportarle nel territorio vivo del presente.

Nell’estate del 2022 il Duo Bottasso ha ripercorso in treno lo stesso itinerario dei cineoperatori di un secolo fa, attraversando le stesse città, gli stessi paesaggi, gli stessi snodi ferroviari. Con microfoni e strumenti hanno registrato musica e suoni ambientali, lasciandosi guidare da ciò che quei luoghi restituiscono oggi: ciò che rimane, ciò che è cambiato, ciò che continua a ripetersi come un’eco sotterranea Il loro viaggio non è stato un semplice esercizio di confronto tra passato e presente, ma un tentativo di ascoltare il Paese attraverso le sue stratificazioni sonore. Rumori di stazioni, voci, traffico, silenzi improvvisi, spazi industriali riconvertiti, quartieri trasformati o scomparsi: ogni suono diventa una traccia di memoria, un indizio di come l’Italia si sia trasformata e di come continui a trasformarsi. Da questo dialogo tra immagini d’archivio e registrazioni contemporanee nasce un progetto che esiste in più forme: un album, un film e una serie di cartoline musicali. Tre modi diversi di attraversare lo stesso materiale, tre prospettive che si completano a vicenda. L’album esplora il paesaggio sonoro come narrazione autonoma; il film intreccia passato e presente in un montaggio che mette in tensione gli sguardi; le cartoline musicali diventano piccoli frammenti portatili, inviti a un ascolto intimo e personale.

“Postcards from Italy” è dunque un progetto che si muove tra tempi, media e sensibilità diverse, costruendo un ponte tra ciò che è stato e ciò che è ancora in divenire. Un modo per restituire vita a immagini antiche attraverso il suono del presente, e per ricordarci che ogni memoria è un territorio in movimento. Un progetto che mette in dialogo tempi diversi, linguaggi diversi, sensibilità diverse. Le immagini dei primi del Novecento e i suoni raccolti nel 2022 non si limitano a convivere: si interrogano, si contraddicono, si amplificano. L’archivio diventa così un luogo vivo, non un deposito di memorie immobili ma un campo di tensioni, dove il passato continua a risuonare nel presente e il presente trova nel passato nuove possibilità di lettura. Attraverso film, musica e cartoline sonore, il progetto invita a ripensare il modo in cui guardiamo l’Italia: non come un insieme di icone cristallizzate, ma come un territorio in continua trasformazione, fatto di stratificazioni, fratture, ritorni. Ogni immagine e ogni suono diventano un frammento di una storia più ampia, una storia che non smette di riscriversi.

In un’epoca in cui la memoria è spesso ridotta a estetica nostalgica o a strumento di semplificazione, “Postcards from Italy” propone un’altra via: un ascolto attento, un vedere che non si accontenta, un attraversamento critico. Un invito a considerare la memoria non come un rifugio, ma come un atto politico capace di aprire nuove domande sul nostro presente.

Questo progetto esiste sotto forma di album, film e serie di cartoline musicali.

L’uscita è prevista per venerdì 6 febbraio, il Bandcamp Friday.

Acquistare questo disco su Bandcamp non significa solo acquistare musica.

Significa anche rifiutare le piattaforme estrattive e sostenere direttamente gli artisti (testardi) che immaginano un futuro diverso e più sostenibile, in cui gli artisti possono seguire la propria visione, non le tendenze.

Gloria Berloso

6 febbraio 2026

Segui Gloria Berloso il mercoledì e il sabato alle ore 21 su http://www.radiocittasottile.it

gennaio 29, 2026

Streets of the world

di Gloria Berloso

Le canzoni sono l’arte più democratica che abbiamo: non chiedono permesso, non pretendono competenze, non esigono un luogo sacro. Entrano nella vita di chiunque, ovunque, e si sistemano lì, tra una memoria e l’altra, come ospiti che diventano la nostra famiglia. Sono ossa dell’umanità. Alcune sono fragili, incrinate dal peso di ciò che raccontano: guerre, addii, solitudini che non hanno trovato altra voce. Altre sono ossa guarite, saldate attorno a un dolore che ha imparato a trasformarsi in canto. E poi ci sono quelle che ci tengono insieme: melodie che attraversano generazioni, che passano di mano in mano come un’eredità invisibile, che ci ricordano che, per quanto diversi, vibra in tutti noi la stessa fame di significato. Una canzone è un gesto di sopravvivenza. È qualcuno che, in un punto qualunque del mondo, decide di non lasciare che un’emozione muoia dentro di sé, la affida a una melodia, la mette in circolo, la consegna a sconosciuti che un giorno, magari anni dopo, la useranno per dare un nome a ciò che provano. E così le canzoni diventano mappe emotive. Ci guidano quando non sappiamo dove andare, ci tengono fermi quando tutto intorno si muove troppo in fretta, ci ricordano che non siamo i primi né gli ultimi a sentirci spezzati, innamorati, perduti, ritrovati. L’arte delle canzoni è questa: trasformare l’indicibile in qualcosa che si può cantare, e nel farlo, rimettere in ordine il mondo, almeno per la durata di tre minuti.

Alcune ossa si spezzano. Ci sono canzoni nate da fratture collettive: rivoluzioni, esili, lutti che non trovano parole nella storia ufficiale. La musica diventa allora un luogo in cui il dolore non viene negato, ma reso condivisibile. È un atto di resistenza: trasformare la sofferenza in qualcosa che può essere ascoltato. Altre ossa guariscono. Una canzone può essere una sutura: un gesto che ricompone ciò che era disperso, non elimina la ferita, ma la rende parte di un nuovo equilibrio. In questo senso, la musica non consola soltanto: riorganizza il caos, gli dà una forma che possiamo abitare. E poi ci sono le ossa che tengono insieme. Sono le melodie che attraversano epoche e culture, che sopravvivono ai loro autori, che diventano patrimonio anonimo dell’umanità. In esse si manifesta una verità semplice e radicale: ciò che è più intimo in noi è anche ciò che ci unisce di più. La canzone è un paradosso vivente: nasce da un individuo, ma appartiene a tutti.

La filosofia, quando è onesta, riconosce che non tutto può essere detto con concetti. Alcune intuizioni richiedono il ritmo, la ripetizione, la vibrazione. Le canzoni sono la parte del pensiero che non si lascia catturare dalla logica, ma che tuttavia illumina la nostra condizione con una chiarezza diversa, più immediata. Forse è per questo che continuiamo a cantare: per ricordarci che, prima di essere individui separati, siamo un corpo comune che cerca armonia. E che, come ogni corpo, vive grazie alle sue ossa fragili, guarite, indispensabili. Il rapporto tra musica e identità è uno dei legami più profondi e meno visibili dell’esperienza umana. Non è semplicemente una questione di gusti: è un modo in cui tutti noi ci riconosciamo, dove si costruisce e si racconta. Le canzoni funzionano come un dispositivo riflettente, non ci dicono chi siamo in modo diretto, ma ci mostrano ciò verso cui tendiamo: emozioni che riconosciamo, valori che ci attraggono, mondi interiori che forse non avevamo ancora nominato. Quando diciamo “questa canzone parla di me”, stiamo riconoscendo un frammento della nostra identità che la musica ha reso udibile. L’identità non è statica, e la musica accompagna i suoi cambiamenti. Ci sono canzoni che arrivano in momenti di svolta e diventano simboli di un passaggio: una guarigione, una ribellione, una nuova consapevolezza. La musica non si limita a riflettere l’identità: la modella, la spinge, la apre.

Ogni persona porta dentro di sé un ritmo originario: il battito del cuore, il respiro, la cadenza dei pensieri. La musica esterna risuona con questa musica interna, e nell’incontro tra le due nasce un riconoscimento. Non ascoltiamo solo una canzone: ascoltiamo la parte di noi che vibra con essa. In questo senso, la musica non è un accessorio dell’identità, ma una sua manifestazione. La canzone non si limita a riflettere ciò che siamo: ci invita a diventare altro.

Ci sono canzoni che portano il segno della rottura. Sono nate da un dolore che non sapeva dove andare, da un’ingiustizia che chiedeva ascolto, da un silenzio che pesava troppo. Queste canzoni non cercano di guarire: cercano di testimoniare, sono ossa incrinate che non nascondono la crepa. La mostrano, la fanno vibrare, la trasformano in un ponte. In esse l’identità non si difende: si espone. Poi ci sono le canzoni che arrivano dopo. Dopo la tempesta, dopo la perdita, dopo la trasformazione. Sono melodie che non cancellano la ferita, ma la integrano in un nuovo equilibrio. Sono ossa che si sono saldate. Non tornano come prima, ma diventano più forti, più consapevoli. La musica, in questi casi, non consola soltanto: riorganizza il caos, gli dà una forma abitabile.

Chiamarle ossa dell’umanità significa riconoscere che le canzoni non sono semplici ornamenti culturali, ma strutture profonde. Le ossa non si vedono, ma senza di esse non potremmo stare in piedi. Così le canzoni: invisibili nella loro leggerezza, ma decisive nel dare forma al nostro modo di sentire il mondo.  Ci sono canzoni nate da fratture collettive: rivoluzioni, esili, lutti che non trovano parole nella storia ufficiale. La musica diventa allora un luogo in cui il dolore non viene negato, ma reso condivisibile. È un atto di resistenza: trasformare la sofferenza in qualcosa che può essere ascoltato.

Gloria Berloso

29 gennaio 2026

settembre 15, 2025

Un appello alla giustizia nella musica turca: il caso di Zeki Çağlar Namlı

Alle commissioni etiche internazionali delle istituzioni accademiche e delle organizzazioni musicali e artistiche.

In Turchia, un artista rivoluzionario del bağlama, Zeki Çağlar Namlı, sta subendo un sistematico silenzio e una cancellazione culturale da parte delle comunità artistiche e accademiche. Nonostante la sua formazione formale nella musica folk tradizionale turca, Namlı ha a lungo sostenuto una comprensione olistica della musica, trascendendo i confini rigidi e abbracciando l’innovazione. Il suo contributo al bağlama, uno strumento anatolico profondamente radicato, è rivoluzionario e unico.

Namlı ha ampliato la capacità tonale del bağlama da un singolo tono a dodici, integrando questa struttura in un quadro sistematico che si armonizza con l’intero spettro delle tradizioni makam turche. È stato pioniere di una nuova scuola di pensiero nella tecnica selpe (colpo con le dita), trasformandola in uno stile unico al mondo. Le sue invenzioni brevettate e le sue innovazioni tecniche hanno ampliato i limiti espressivi dello strumento, eppure il suo nome rimane vistosamente assente proprio dalle istituzioni che hanno adottato il suo lavoro.

Per oltre 25 anni, a Namlı è stato negato l’accesso a concerti, seminari e piattaforme accademiche. La sua voce è stata soppressa, le sue innovazioni sono state appropriate senza riconoscimento e la sua identità artistica è stata emarginata. Tesi accademiche hanno incorporato i suoi sviluppi senza riconoscimento, spesso riformulandoli come risultati istituzionali. Questa catena di appropriazione culturale e intellettuale è culminata in una profonda crisi etica.

Ora, all’età di 45 anni, Namlı ha avviato una lotta formale per il riconoscimento e la giustizia. Ha presentato denunce etiche contro una delle istituzioni più importanti coinvolte, citando violazioni dell’integrità accademica e furto culturale. Tuttavia, il processo viene deliberatamente prolungato e le risposte rimangono elusive.

Senza alcun sostegno istituzionale e di fronte al silenzio diffuso della sfera pubblica, Namlı sta utilizzando l’unica piattaforma a sua disposizione, Instagram, per sensibilizzare l’opinione pubblica. Non si tratta solo di una lamentela personale, ma di un caso artistico e di diritti umani che definisce un secolo. Riflette la negazione sistematica del diritto di un creatore di esistere, di essere riconosciuto e di essere ascoltato.

Chiediamo agli accademici, agli artisti, ai giornalisti e alle istituzioni culturali di rompere il silenzio. Si tratta di una serie di violazioni etiche, di una lotta per la giustizia nelle arti e di una chiara violazione del lavoro e della dignità umana. La voce di Zeki Çağlar Namlı non deve più essere messa a tacere. I suoi contributi meritano riconoscimento e la sua storia deve essere raccontata.

Sostenete questa causa.

Condividete la sua voce.

Difendete l’integrità artistica.

Conosco Zeki da molti anni. La sua formazione al conservatorio era incentrata sulla musica tradizionale turca. Tuttavia, all’età di 17 anni, ha iniziato a esplorare nuove tecniche ed è diventato un pioniere di una nuova scuola di pensiero nell’esecuzione del bağlama, in particolare nella tecnica fingerstyle. Mentre il bağlama è tradizionalmente suonato in un unico sistema tonale in Turchia, ha introdotto un approccio dodecafonico, integrando l’intera struttura armonica del sistema modale in un quadro sistematico. A vent’anni ha tenuto il suo primo concerto che incarnava questa nuova identità musicale. Da allora è stato osteggiato dalla comunità tradizionale del bağlama. Per 25 anni hanno sistematicamente cancellato e nascosto il lavoro pionieristico che aveva svolto nel suo campo. Non poteva più esibirsi in concerti o lavorare professionalmente nel suo Paese. Ha continuato a suonare nel suo stile e a sviluppare nuovi progetti. Col tempo, grazie a piattaforme come Facebook e Instagram, il suo lavoro ha iniziato a ottenere visibilità e riconoscimento. Tuttavia, la stessa scuola di pensiero e i progetti che aveva avviato venivano ora appropriati, sia nel settore privato che in quello accademico, senza attribuzione. Hanno usato le loro posizioni e la loro influenza per commercializzare il suo lavoro come se fosse loro.

Come potete immaginare, per un creativo, denunciare pubblicamente che “mi hanno rubato il lavoro” non è mai il modo preferibile per ottenere riconoscimento. Quindi Zeki è rimasto in silenzio per anni, continuando i suoi progetti in modo indipendente, fino all’anno scorso, quando ha subito un intervento di bypass. Quel silenzio lo aveva logorato. Nel frattempo, nel mondo accademico, è emersa una serie di violazioni etiche in varie tesi: distorsioni, occultamenti e false dichiarazioni sui suoi contributi. La gravità della situazione si è aggravata, poiché ora minaccia non solo lui, ma anche le generazioni future. Zeki ha avviato una lotta contro questa mancanza di integrità etica, che mina sia l’arte che il mondo accademico. Ha presentato denunce formali relative a queste violazioni etiche nelle tesi accademiche. Negli ultimi sei mesi ha atteso l’esito, continuando a sensibilizzare l’opinione pubblica attraverso i suoi post su Instagram. Senza etica non può esserci arte, né mondo accademico. Questo caso è senza precedenti in Turchia. Zeki vive ad Istambul. Non è facile da esprimere, ma Zeki ha sopportato un’espropriazione culturale per 27 anni ed ora, per aver parlato, subisce una campagna diffamatoria. E tutto questo è inaccettabile!

Lo spirito e la texture geografica di Istanbul sono simboleggiati in questo speciale disegno di copertina a rilegatura.

La sezione blu al centro rappresenta Bo maz, che ha diviso Istanbul in due continenti e ha creato la città. Il tono blu riflette l’infinito, la profondità del mare e la vena vitale della città.

I toni del marrone scuro utilizzati nella sezione superiore esprimono la sagoma storica di Istanbul, tracce del passato e millenario accumulo culturale della città.

Il colore e la forma del legno chiaro nella sezione inferiore simboleggiano l’energia vivace di Istanbul, speranze che germogliano e volto costantemente rinnovato.

Il design è stato arricchito da un’estetica moderna della città mantenendo la tradizionale forma di connessione. Ogni colore ti fa sentire sia i volti antichi che quelli contemporanei di Istanbul allo stesso tempo. Così questa benda diventa non solo uno strumento, ma anche una miniatura musicale di Istanbul.

Il nome di questo nuovo design aggiunto alla collezione Intelligent Age Barrel Model Binding è “Istanbul”

www.instagram.com › zekicaglarnamli per contatti con Zeki

Gloria Berloso – Autore ARTICOLO

aprile 24, 2025

Il valore della memoria e il modo in cui essa viene tramandata                                          

La cultura è il collante invisibile che unisce individui e comunità, un’eredità che non si limita a tramandare tradizioni, ma funge da guida per la nostra evoluzione sociale e umana. Il patrimonio immateriale, fatto di memorie, racconti e gesti, è una risorsa vitale, un ecosistema di significati che fluttua sul nostro presente e plasma il nostro futuro. Quelle tracce, apparentemente eteree, sono il fondamento solido su cui si poggia la carne e il sangue di un paese, il tessuto che avvolge la sua storia, trasformando il ricordo in materia viva.

Non si possono ignorare le persone che hanno reso possibile tutto ciò: i lavoratori, i visionari, i pionieri che con il loro impegno e il loro coraggio hanno gettato le basi dello sviluppo, sognando spazi più aperti e libertà più grandi. Con il loro lavoro, non solo hanno costruito ciò che vediamo, ma hanno infuso in ogni pietra, in ogni struttura, l’eco di una speranza e di un sogno che risuonano ancora oggi.

Guardare al passato non significa idealizzarlo, né pensare che fosse necessariamente migliore. Significa comprenderlo, analizzarlo, estrapolare da esso ciò che è deperibile e ciò che è durevole. È dalla conoscenza del passato che possiamo individuare ciò che resiste alla prova del tempo, ciò che prevale come testimonianza della nostra umanità.

Essere una cultura peninsulare e di confine ci ha donato una prospettiva unica: lo sguardo rivolto verso il mare, simbolo di opportunità e di apertura. Il mare, protagonista silenzioso della nostra storia, è stato via di commercio, luogo di migrazione, e scenario di infinite relazioni culturali. Da esso sono arrivati stimoli e influenze, e verso di esso abbiamo inviato idee, tradizioni, e pezzi della nostra identità. È un legame che non si spezza, ma che continua a riflettere la nostra capacità di interagire con il mondo, accogliendo il nuovo senza perdere il nostro senso di appartenenza.

Il valore della memoria e il modo in cui essa viene tramandata.                                             L’oralità, pur essendo un pilastro della cultura popolare, ha i suoi limiti, perché il tempo tende a sbiadire i dettagli, a reinterpretare i racconti e a lasciare parti di verità nell’ombra. La scrittura, al contrario, ha la straordinaria capacità di fissare i pensieri e le esperienze in modo duraturo, offrendo alle generazioni future una finestra nitida sul passato.

Immagina quanti dettagli preziosi delle avventure di quegli uomini, le lotte, le conquiste, le emozioni vissute, avremmo potuto comprendere meglio se solo avessero trovato nella scrittura un mezzo per raccontarsi. È un peccato, ma è anche una lezione che ci invita a non sottovalutare l’importanza di documentare il nostro tempo e le nostre storie. Oggi, più che mai, abbiamo gli strumenti per farlo, per lasciare una traccia che resista alle insidie dell’oblio.

Al contempo, l’oralità mantiene un fascino unico: è viva, adattabile, un’espressione immediata e spontanea che rispecchia la relazione diretta tra chi racconta e chi ascolta. Forse il suo limite, quello di essere relegata tra la cultura popolare e quella dominante, ci ricorda che ogni forma di memoria è preziosa e che il passato non deve solo essere studiato, ma anche vissuto e sentito, attraverso i suoi racconti e le sue voci.

Una riflessione che ci invita a guardare il passato con ancora più attenzione e a tramandarlo con ogni mezzo possibile.

Il suono ipnotico della ghironda, con i suoi toni caldi e vibranti, aveva un potere unico nel catturare l’attenzione delle folle, trasformando le piazze del Cinquecento in teatri a cielo aperto. Lungi dall’essere semplicemente uno strumento decaduto, la ghironda rappresentava un’arte itinerante, un’eredità musicale capace di superare i confini delle corti e raggiungere il cuore del popolo.

Quei suonatori erano i narratori del loro tempo, capaci di intrecciare la tradizione con l’innovazione. Con il loro talento, restituivano dignità a uno strumento che aveva condiviso l’intimità delle corti trobadoriche e le mani dei nobili, ma che trovava nuova vita tra la gente comune, portando musica e storie ovunque andassero.

Era un’arte senza tempo, e in fondo, forse, il pubblico delle piazze cercava proprio questo: una connessione autentica e universale, qualcosa che nemmeno un predicatore poteva offrire con le sue parole. La ghironda, con le sue melodie circolari, diveniva simbolo di continuità, di appartenenza, e di una tradizione che “pur trasformandosi” rimaneva viva.

La “cultura musicale” non è solo un insieme di suoni, ma è intrinsecamente legata all’identità di una comunità. Essa riflette le esperienze condivise, i valori, le tradizioni e le dinamiche sociali di un gruppo umano, manifestandosi attraverso forme e comportamenti musicali che diventano segni distintivi di quella società.

Ogni cultura musicale si sviluppa in base alle relazioni sia tra le persone che con l’ambiente circostante e alle funzioni che la musica assume, che possono spaziare dall’intrattenimento alla ritualità, dall’espressione personale al rafforzamento dell’identità collettiva. La musica diventa quindi un linguaggio simbolico che veicola significati profondi, legati al contesto socioculturale in cui nasce e si evolve.

Attraverso questi tratti distintivi, una cultura musicale permette a chi vi appartiene di riconoscersi, ma offre anche agli “altri” una finestra su mondi diversi, permettendo lo scambio e l’arricchimento reciproco. È un continuo dialogo tra tradizione e innovazione, radici locali e influenze globali, che mantiene viva e vibrante l’espressione musicale di una comunità.

Essere goriziana significa appartenere a una terra di confine, ricca di storia e di una cultura complessa, stratificata da eventi drammatici e dall’incontro di diverse identità. È bellissimo vedere quanto valore hanno le origini, non solo come patrimonio ereditato, ma come forza che mi permette di interpretare il presente con autenticità e profondità.

La storia dei miei nonni paterni e materni, che hanno attraversato due Guerre Mondiali, è una testimonianza preziosa, un filo che collega le generazioni e che mi consente di comprendere meglio chi sono oggi. Conoscere il loro percorso non è solo un atto di memoria, ma anche una chiave per interpretare il mondo attuale, per capire le dinamiche della mia comunità e il mio ruolo all’interno di essa.

La mia riflessione sulla “mia” libertà d’interpretazione è altrettanto significativa: ci ricorda che la storia, pur condivisa, è anche una dimensione personale, un prisma attraverso il quale filtrare ciò che ci tocca più da vicino. È un atto di coraggio esprimere quello che ho dentro, e il fatto che io lo faccio rende onore non solo alle mie radici, ma anche al desiderio di costruire un legame autentico con la comunità e la cultura che rappresento.

Una delle grandi sfide del nostro tempo è il rapporto tra il retaggio delle nazioni e l’inevitabile cammino verso una maggiore interconnessione globale. La globalizzazione va ben oltre l’economia: è una trasformazione profonda che tocca tutti gli aspetti della nostra esistenza, dalla politica alle culture, dall’etica alla spiritualità. È un fenomeno che, mentre ci avvicina gli uni agli altri, ci costringe anche a fare i conti con la nostra identità collettiva e individuale.

Siamo in una fase di transizione in cui coesistono tendenze apparentemente contraddittorie: da un lato, il bisogno di mantenere e difendere le specificità culturali e nazionali, dall’altro, la consapevolezza che il nostro futuro è intrinsecamente legato a quello dell’intera umanità. Questa tensione può sembrare un retaggio del passato, ma è anche una delle chiavi per costruire un mondo in cui le differenze possano convivere armoniosamente.

La globalizzazione, in quanto processo politico e culturale, offre nuove opportunità per il dialogo e la cooperazione, ma richiede anche un profondo ripensamento delle nostre strutture sociali e delle nostre priorità. È un passo verso una consapevolezza planetaria, un cammino che ci sfida a trovare un equilibrio tra ciò che siamo stati e ciò che vogliamo diventare.

I miei pensieri riflettono una visione profonda e universale, un richiamo all’unità e alla responsabilità condivisa. Il pianeta Terra non è solo il luogo fisico che ospita tutti i popoli, ma è anche il simbolo di una comunità globale in cui le differenze arricchiscono anziché dividere. Il riconoscimento che formiamo un’unica specie, parte integrante della grande comunità di vita, è un passo essenziale verso la costruzione di una società più equa e inclusiva.

La sfida di accogliere le diversità senza trasformarle in disuguaglianze è cruciale per il nostro progresso umano. Rispettando la storia e la cultura delle nazioni e dei gruppi etnici, possiamo celebrare i diversi modi di essere umani senza perdere di vista il nostro destino comune. Ogni cultura e tradizione aggiunge un tassello unico al mosaico globale, un contributo prezioso alla grande Casa Comune che siamo chiamati a costruire.

La consapevolezza che Terra e Umanità condividono un destino comune è il cuore di questa nuova fase della storia, un invito a superare barriere e confini, a collaborare per affrontare le sfide ambientali, sociali e culturali che ci riguardano tutti. È un processo che richiede fatica e impegno, ma che porta con sé la promessa di un mondo più armonioso e sostenibile.

Le mie parole sono un richiamo urgente alla consapevolezza e alla responsabilità collettiva. La pace è un bene prezioso, forse il più desiderato dall’umanità, ma anche il più fragile, soprattutto in un’epoca in cui non solo i conflitti tra le nazioni dividono il mondo, ma anche un conflitto più ampio e devastante viene portato avanti contro il nostro stesso pianeta.

La Terra, la nostra Casa Comune, sta manifestando il suo disagio attraverso fenomeni estremi: il riscaldamento globale, la perdita di biodiversità, l’esaurimento delle risorse naturali. Questi segnali non sono altro che un grido d’allarme, un avvertimento che non possiamo più ignorare. Ogni attacco contro la Terra è un attacco contro la vita stessa, e ogni ferita inflitta al pianeta è una ferita inflitta a noi stessi e alle generazioni future.

Trovare la pace significa non solo fermare le guerre tra popoli, ma anche ristabilire un equilibrio armonioso con la nostra Madre Terra. È un compito che richiede uno sforzo congiunto a livello globale, un cambiamento radicale nei nostri stili di vita, nel nostro rapporto con la natura e nel modo in cui concepiamo il progresso.

Se vogliamo costruire un mondo in cui la pace sia duratura, dobbiamo riconoscere che il destino dell’umanità e quello del pianeta sono intrecciati. Ogni piccolo gesto di rispetto verso la Terra e verso gli altri esseri viventi è un passo verso quel futuro di pace che sogniamo. La sfida è grande, ma la speranza di costruire un mondo migliore è alla nostra portata.

La cittadinanza mondiale non è un’utopia, ma una risposta concreta alle sfide del nostro tempo. Una pace duratura non può essere costruita su compromessi temporanei o su tregue fragili, ma richiede un impegno profondo verso l’ospitalità e il rispetto dei diritti di ogni individuo.

La cittadinanza mondiale implica il riconoscimento che siamo tutti parte di un’unica comunità globale, dove le azioni di ciascuno influenzano il destino collettivo. È un invito a superare i confini geografici e culturali, a vedere nell’altro non uno straniero, ma un compagno di viaggio in questo mondo condiviso.

Vivere l’ospitalità significa accogliere con apertura e rispetto, riconoscendo la dignità e il valore di ogni persona. Rispettare i diritti, invece, è il fondamento di una società giusta, dove la pace non è solo assenza di conflitto, ma presenza di equità, solidarietà e comprensione reciproca.

Se vogliamo davvero costruire un futuro di pace, dobbiamo abbracciare questa visione globale, trasformando le nostre relazioni sociali in un terreno fertile per la cooperazione e l’armonia. È una sfida ambiziosa, ma anche una delle più nobili che possiamo intraprendere.

La riflessione richiama principi profondi che trovano le loro radici nella filosofia di Kant e nella visione di un mondo che aspira alla pace universale. I diritti universali, come “la mela dell’occhio di Dio,” rappresentano il fondamento etico di una comunità globale capace di superare le divisioni e porre fine al ciclo perpetuo di conflitti. Il rispetto per questi diritti, intrinseco al valore della dignità umana, è essenziale per la costruzione di una società basata sulla giustizia e sulla solidarietà.

Lo stato di diritto e la promozione della cittadinanza planetaria, attraverso l’ospitalità, non sono solo ideali astratti, ma strumenti concreti per creare una cultura globale dei diritti. Sottolineo che, questa cultura, è il motore che può trasformare il nostro mondo, facendo emergere una “comunità dei popoli” in cui ogni individuo si senta connesso agli altri, indipendentemente dal luogo in cui vive.

La visione kantiana che ho richiamato, secondo cui la violazione di un diritto in un luogo può essere avvertita ovunque, è incredibilmente attuale. Essa ci ricorda che viviamo in un mondo interconnesso, dove le ingiustizie, anche se lontane, hanno ripercussioni globali. Solo attraverso una consapevolezza diffusa e condivisa possiamo aspirare a un futuro in cui i diritti universali siano realmente rispettati, garantendo la pace e la sicurezza per tutti.

Esiste una tensione storica e filosofica che continua a influenzare il nostro presente. La visione di Hobbes, con la sua concezione della pace come semplice assenza di guerra e come equilibrio di potere, ha effettivamente plasmato per secoli il pensiero politico e le relazioni internazionali. Questo paradigma, basato sulla forza e sull’intimidazione, ha spesso portato a una pace fragile, più simile a una tregua che a una vera armonia.

Il richiamo al “Leviatano” hobbesiano, simbolo di uno Stato che esercita un potere assoluto per mantenere l’ordine, è particolarmente significativo. Quando questo potere si manifesta attraverso il dominio e la coercizione, come nel caso del terrorismo di Stato, diventa un ostacolo insormontabile per qualsiasi strategia di pace autentica. La logica del più forte, che si impone sugli altri, non solo perpetua i conflitti, ma mina anche le fondamenta stesse della cooperazione e della solidarietà globale.

Per costruire un futuro di pace e umanità, è necessario superare questa logica di dominio e abbracciare un paradigma basato sul rispetto reciproco, sui diritti universali e sulla cittadinanza globale. Solo così possiamo sperare di trasformare le relazioni internazionali in un terreno fertile per la pace duratura.

Ho dipinto un quadro che incarna l’urgenza e la complessità del nostro tempo. Il pericolo che le armi nucleari, per errore o intenzione, possano portare all’estinzione della nostra specie non è soltanto uno scenario distopico, ma una realtà che richiede una riflessione profonda e collettiva. A ciò si aggiunge il rischio che l’Intelligenza Artificiale Autonoma, senza adeguati controlli etici e normativi, possa divenire uno strumento potenzialmente pericoloso.

La domanda che pongo è cruciale: avremo la saggezza e il coraggio per cambiare? Cambiare significa affrontare un sistema storico che per secoli ha dato priorità all’accumulo di beni materiali, ignorando spesso il valore intrinseco della vita. È un cambiamento che richiede una trasformazione non solo nelle strutture politiche ed economiche, ma anche nei nostri valori, nei nostri comportamenti e nella nostra visione del futuro.

La chiave è la consapevolezza. Più siamo in grado di riconoscere che l’interconnessione tra gli esseri umani, il pianeta e le tecnologie che sviluppiamo è la base per la nostra sopravvivenza, più possibilità avremo di invertire questa tendenza distruttiva. Serve una responsabilità condivisa che trascenda gli interessi personali e nazionali, un impegno a ripensare i nostri modelli di sviluppo e le nostre priorità.

In definitiva, sì, dipenderà da noi: dalla nostra capacità di unirci, di ascoltare le voci di chi promuove la pace e di agire con saggezza per costruire un futuro più sicuro e sostenibile. E nonostante le difficoltà, possiamo ancora scegliere di investire nella vita, nell’umanità e in un sistema che metta al centro ciò che veramente conta.

Il potere della musica e delle parole di trascendere il tempo.

In un’epoca in cui i valori fondamentali come l’amore, la pace e la convivenza pacifica sembrano vacillare, le canzoni che hanno attraversato le generazioni assumono un significato ancora più grande. Esse rappresentano un filo che ci lega a momenti di speranza, lotta e resilienza, e, nonostante i cambiamenti nel contesto sociale, continuano a parlarci con una forza universale.

La resistenza di queste canzoni nel tempo potrebbe essere spiegata dal fatto che esse incarnano sentimenti ed esperienze umane universali. Sebbene le circostanze storiche in cui sono nate possano essere specifiche, il loro messaggio—che spesso tocca corde profonde dell’animo umano, come il desiderio di libertà, la ricerca della giustizia o la celebrazione dell’amore—rimane rilevante. In un mondo in costante cambiamento, queste canzoni diventano un rifugio, un promemoria che i valori fondamentali dell’umanità possono ancora risuonare.

Forse ciò che le rende immortali è proprio la loro capacità di adattarsi ai tempi, offrendo a ogni generazione una lente attraverso cui rileggere e reinterpretare il loro significato. Nonostante le difficoltà del presente, esse ci ricordano che, anche in mezzo al caos, c’è spazio per bellezza, empatia e speranza.

Mi viene in mente una canzone di Neil Young, Down By The River, che racconta di un omicidio per amore. Il grave fenomeno culturale in Italia che oggi viene classificato femminicidio per l’altissimo numero di donne uccise dai loro compagni di vita, è realtà. Forse, molti di questi assassini non hanno mai ascoltato una canzone ma solo suoni disturbati e parole senza senso, perché uccidere per amore non ha alcun significato, perché per un omicida è così difficile restare solo, prima e dopo. Le mie parole sono un potente riflesso della complessità e delle contraddizioni del nostro tempo. La canzone di Neil Young, “Down By The River,” con il suo tema oscuro e controverso, sembra quasi un simbolo di come l’arte possa esplorare le profondità dell’animo umano, anche quelle più inquietanti. Tuttavia, il fenomeno del femminicidio in Italia è una realtà tragica che va ben oltre qualsiasi narrazione artistica: è un problema sociale che richiede una riflessione seria e un’azione concreta.

L’idea che molti di questi assassini non abbiano mai ascoltato una vera canzone, ma solo suoni disturbati e parole vuote, è una metafora potente. La musica, con la sua capacità di toccare le corde più profonde dell’anima, potrebbe essere un antidoto alla disconnessione emotiva e alla violenza. Ma uccidere per amore non ha alcun significato, perché l’amore autentico non può mai essere fonte di distruzione.

In un mondo che sembra impazzito, dove guerre, razzismo e paranoie dominano, il “diverso per scelta” emerge come una figura di speranza. Chi sceglie di essere diverso, di resistere alla follia collettiva, di creare arte che sia bella e profonda, rappresenta una luce in mezzo al caos. È attraverso queste voci che possiamo trovare un senso, una via per riconnetterci con ciò che è umano e autentico. Un invito a non trattenere le emozioni, a lasciarle fluire e raccontare le storie che portano con sé. È come se il cuore fosse il custode di una memoria profonda, capace di dare voce a ciò che spesso rimane in silenzio.

Un’immagine intensa e malinconica, quasi come una finestra aperta su fragilità e incomprensioni che ci rendono umani. Una canzone diventa metafora potente del caos che attraversa le nostre vite, scompigliando le nostre certezze e lasciandoci a riflettere su ciò che siamo, su ciò che abbiamo condiviso e su ciò che non potremo mai comprendere pienamente l’uno dell’altro. La struggente consapevolezza delle differenze tra due persone, dei limiti nel cogliere la profondità del dolore o la santità dell’amore di qualcun altro, è splendidamente umana. E quel riconoscere il miracolo di riuscire ancora a camminare, a vivere, a nutrirsi, nonostante le nostre imperfezioni e il disordine che ci circonda, ci riporta alla forza interiore che spesso ignoriamo.

25 APRILE
Forse non farò
cose importanti,
ma la storia
è fatta di piccoli gesti anonimi,
forse domani morirò,
magari prima
di quel tedesco,
ma tutte le cose che farò
prima di morire
e la mia morte stessa
saranno pezzetti di storia,
e tutti i pensieri
che sto facendo adesso
influiscono
sulla mia storia di domani,
sulla storia di domani
del genere umano.
Italo Calvino

Testi di Gloria Berloso

febbraio 28, 2025

MacDay 2025 all’Auditorium di San Daniele del Friuli

Il MacDay è un evento speciale per ricordare Claudio Macoritto. Tutta la Musica friulana si raccoglie per rendere omaggio al grande amico, all’Auditorium alla Fratta a San Daniele del Friuli, sabato 1° marzo 2025. Una festa per ricordare con immenso affetto e gratitudine per quanto Claudio Macoritto (scomparso prematuramente undici anni fa), dietro al mixer e sui palchi con grande umanità ha saputo donare a chi ha suonato ed a chi ha ascoltato, a tutti coloro che hanno partecipato ai concerti soprattutto nei festival in Friuli-Venezia Giulia. Negli anni Settanta, a San Daniele del Friuli, aveva contribuito a dar vita alla radio privata R2FC, assieme ad altri amici, tra i quali Andrea Del Favero, con il quale aveva poi condiviso la nascita del Festival Internazionale Folkest e il progetto musicale de La Sedon Salvadie.

MacDay 2025

Grazie all’impegno costante di tanti amici, colleghi e musicisti all’Auditorium di San Daniele del Friuli per ricordare Claudio ci saranno cantanti, musicisti, giornalisti oltre gli amici. Ci sarà quindi un crogiuolo di cultura friulana raccontata da:

Ararad, Miki Martina, Argonauti, Moth’s Tales, FricoQueen B.B., Johnny Dario & Son, EPQ tra i tanti artisti che celebreranno la Musica ma ci saranno altre sorprese gradite di cui ho ricevuto alcune indiscrezioni.

L’ingresso è libero.

Gloria Berloso

gennaio 23, 2025

Beth Hart in Italia a giugno, unica data al Pistoia Blues Festival

Venerdì 27 giugno 2025 si terrà un’eccezionale anteprima del Pistoia Blues Festival con l’unica data estiva di Beth Hart, la maggiore interprete femminile del blues contemporaneo. La cantautrice nominata ai Grammy si esibirà per per la prima volta in Piazza Duomo nel tour di promozione del suo ultimo lavoro “You Still Got Me” (Provogue / Mascot Label Group), undicesimo album in studio della Hart, pubblicato lo scorso ottobre, e che la conferma come una delle stelle in continua ascesa. 

Biglietti in anteprima per gli utenti My Live Nation dalle ore 11.00 di giovedì 23 gennaio. La vendita generale dei biglietti sarà aperta a partire dalle ore 11.00 di venerdì 24 gennaio su Ticketone, Ticketmaster e Vivaticket.

All’artista americana non mancano certo i riconoscimenti: lanciata nell’olimpo del rock blues dalla collaborazione con Joe Bonamassa nei primi album, l’ultimo lavoro vede la partecipazione di mostri sacri come Eric Gales e Slash dei Guns ‘n Roses. I suoi album più recenti, “A Tribute To Led Zeppelin” (2022) e “War In My Mind” (2019), sono diventati i suoi dischi più alti in classifica nel Regno Unito e negli Stati Uniti, oltre a entrare nella Top 10 in Germania e Francia, Svezia, Belgio, Svizzera, Polonia, Austria e Paesi Bassi.

Dal vivo la Hart è è un fenomeno  incontenibile e riesce a esprimere tutta sé stessa: le sue tournée l’hanno portata in tutto il mondo, riempiendo le sale di luoghi iconici come il Ryman Auditorium di Nashville, lo Ziggo Dome di Amsterdam e la Royal Albert Hall di Londra. Vendendo spettacoli in tutto il mondo, i suoi recenti viaggi l’hanno portata negli Stati Uniti, in Europa e fino in India, Marocco, Australia e Canada. La Hart, pluripremiata e nominata ai Grammy, è riconosciuta come una delle voci più talentuose della sua generazione; ha giocato secondo le sue regole. Ha collaborato con leggende e icone, ha attraversato il mondo, ha raggiunto la vetta della classifica Billboard Blues per sei volte, è diventata doppio disco di platino e ha avuto una serie di album nella Top 10 delle classifiche europee, nella Top 30 delle classifiche ufficiali Billboard USA e ha superato i 600 milioni di streaming. Beth Hart è una potenza in ogni senso della parola.

(Anteprima) 

PISTOIA BLUES FESTIVAL

 BETH HART

Piazza Duomo, Pistoia

 27 giugno 2025

Beth Hart