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settembre 15, 2025

Un appello alla giustizia nella musica turca: il caso di Zeki Çağlar Namlı

Alle commissioni etiche internazionali delle istituzioni accademiche e delle organizzazioni musicali e artistiche.

In Turchia, un artista rivoluzionario del bağlama, Zeki Çağlar Namlı, sta subendo un sistematico silenzio e una cancellazione culturale da parte delle comunità artistiche e accademiche. Nonostante la sua formazione formale nella musica folk tradizionale turca, Namlı ha a lungo sostenuto una comprensione olistica della musica, trascendendo i confini rigidi e abbracciando l’innovazione. Il suo contributo al bağlama, uno strumento anatolico profondamente radicato, è rivoluzionario e unico.

Namlı ha ampliato la capacità tonale del bağlama da un singolo tono a dodici, integrando questa struttura in un quadro sistematico che si armonizza con l’intero spettro delle tradizioni makam turche. È stato pioniere di una nuova scuola di pensiero nella tecnica selpe (colpo con le dita), trasformandola in uno stile unico al mondo. Le sue invenzioni brevettate e le sue innovazioni tecniche hanno ampliato i limiti espressivi dello strumento, eppure il suo nome rimane vistosamente assente proprio dalle istituzioni che hanno adottato il suo lavoro.

Per oltre 25 anni, a Namlı è stato negato l’accesso a concerti, seminari e piattaforme accademiche. La sua voce è stata soppressa, le sue innovazioni sono state appropriate senza riconoscimento e la sua identità artistica è stata emarginata. Tesi accademiche hanno incorporato i suoi sviluppi senza riconoscimento, spesso riformulandoli come risultati istituzionali. Questa catena di appropriazione culturale e intellettuale è culminata in una profonda crisi etica.

Ora, all’età di 45 anni, Namlı ha avviato una lotta formale per il riconoscimento e la giustizia. Ha presentato denunce etiche contro una delle istituzioni più importanti coinvolte, citando violazioni dell’integrità accademica e furto culturale. Tuttavia, il processo viene deliberatamente prolungato e le risposte rimangono elusive.

Senza alcun sostegno istituzionale e di fronte al silenzio diffuso della sfera pubblica, Namlı sta utilizzando l’unica piattaforma a sua disposizione, Instagram, per sensibilizzare l’opinione pubblica. Non si tratta solo di una lamentela personale, ma di un caso artistico e di diritti umani che definisce un secolo. Riflette la negazione sistematica del diritto di un creatore di esistere, di essere riconosciuto e di essere ascoltato.

Chiediamo agli accademici, agli artisti, ai giornalisti e alle istituzioni culturali di rompere il silenzio. Si tratta di una serie di violazioni etiche, di una lotta per la giustizia nelle arti e di una chiara violazione del lavoro e della dignità umana. La voce di Zeki Çağlar Namlı non deve più essere messa a tacere. I suoi contributi meritano riconoscimento e la sua storia deve essere raccontata.

Sostenete questa causa.

Condividete la sua voce.

Difendete l’integrità artistica.

Conosco Zeki da molti anni. La sua formazione al conservatorio era incentrata sulla musica tradizionale turca. Tuttavia, all’età di 17 anni, ha iniziato a esplorare nuove tecniche ed è diventato un pioniere di una nuova scuola di pensiero nell’esecuzione del bağlama, in particolare nella tecnica fingerstyle. Mentre il bağlama è tradizionalmente suonato in un unico sistema tonale in Turchia, ha introdotto un approccio dodecafonico, integrando l’intera struttura armonica del sistema modale in un quadro sistematico. A vent’anni ha tenuto il suo primo concerto che incarnava questa nuova identità musicale. Da allora è stato osteggiato dalla comunità tradizionale del bağlama. Per 25 anni hanno sistematicamente cancellato e nascosto il lavoro pionieristico che avevo svolto nel mio campo. Non poteva più esibirsi in concerti o lavorare professionalmente nel suo Paese. Ha continuato a suonare nel suo stile e a sviluppare nuovi progetti. Col tempo, grazie a piattaforme come Facebook e Instagram, il suo lavoro ha iniziato a ottenere visibilità e riconoscimento. Tuttavia, la stessa scuola di pensiero e i progetti che aveva avviato venivano ora appropriati, sia nel settore privato che in quello accademico, senza attribuzione. Hanno usato le loro posizioni e la loro influenza per commercializzare il suo lavoro come se fosse loro.

Come potete immaginare, per un creativo, denunciare pubblicamente che “mi hanno rubato il lavoro” non è mai il modo preferibile per ottenere riconoscimento. Quindi Zeki è rimasto in silenzio per anni, continuando i suoi progetti in modo indipendente, fino all’anno scorso, quando ha subito un intervento di bypass. Quel silenzio lo aveva logorato. Nel frattempo, nel mondo accademico, è emersa una serie di violazioni etiche in varie tesi: distorsioni, occultamenti e false dichiarazioni sui suoi contributi. La gravità della situazione si è aggravata, poiché ora minaccia non solo lui, ma anche le generazioni future. Zeki ha avviato una lotta contro questa mancanza di integrità etica, che mina sia l’arte che il mondo accademico. Ha presentato denunce formali relative a queste violazioni etiche nelle tesi accademiche. Negli ultimi sei mesi ha atteso l’esito, continuando a sensibilizzare l’opinione pubblica attraverso i suoi post su Instagram. Senza etica non può esserci arte, né mondo accademico. Questo caso è senza precedenti in Turchia. Zeki vive ad Istambul. Non è facile da esprimere, ma Zeki ha sopportato un’espropriazione culturale per 27 anni ed ora, per aver parlato, subisce una campagna diffamatoria. E tutto questo è inaccettabile!

Lo spirito e la texture geografica di Istanbul sono simboleggiati in questo speciale disegno di copertina a rilegatura.

La sezione blu al centro rappresenta Bo maz, che ha diviso Istanbul in due continenti e ha creato la città. Il tono blu riflette l’infinito, la profondità del mare e la vena vitale della città.

I toni del marrone scuro utilizzati nella sezione superiore esprimono la sagoma storica di Istanbul, tracce del passato e millenario accumulo culturale della città.

Il colore e la forma del legno chiaro nella sezione inferiore simboleggiano l’energia vivace di Istanbul, speranze che germogliano e volto costantemente rinnovato.

Il design è stato arricchito da un’estetica moderna della città mantenendo la tradizionale forma di connessione. Ogni colore ti fa sentire sia i volti antichi che quelli contemporanei di Istanbul allo stesso tempo. Così questa benda diventa non solo uno strumento, ma anche una miniatura musicale di Istanbul.

Il nome di questo nuovo design aggiunto alla collezione Intelligent Age Barrel Model Binding è “Istanbul”

www.instagram.com › zekicaglarnamli per contatti con Zeki

Gloria Berloso – Autore ARTICOLO

aprile 24, 2025

Il valore della memoria e il modo in cui essa viene tramandata                                          

La cultura è il collante invisibile che unisce individui e comunità, un’eredità che non si limita a tramandare tradizioni, ma funge da guida per la nostra evoluzione sociale e umana. Il patrimonio immateriale, fatto di memorie, racconti e gesti, è una risorsa vitale, un ecosistema di significati che fluttua sul nostro presente e plasma il nostro futuro. Quelle tracce, apparentemente eteree, sono il fondamento solido su cui si poggia la carne e il sangue di un paese, il tessuto che avvolge la sua storia, trasformando il ricordo in materia viva.

Non si possono ignorare le persone che hanno reso possibile tutto ciò: i lavoratori, i visionari, i pionieri che con il loro impegno e il loro coraggio hanno gettato le basi dello sviluppo, sognando spazi più aperti e libertà più grandi. Con il loro lavoro, non solo hanno costruito ciò che vediamo, ma hanno infuso in ogni pietra, in ogni struttura, l’eco di una speranza e di un sogno che risuonano ancora oggi.

Guardare al passato non significa idealizzarlo, né pensare che fosse necessariamente migliore. Significa comprenderlo, analizzarlo, estrapolare da esso ciò che è deperibile e ciò che è durevole. È dalla conoscenza del passato che possiamo individuare ciò che resiste alla prova del tempo, ciò che prevale come testimonianza della nostra umanità.

Essere una cultura peninsulare e di confine ci ha donato una prospettiva unica: lo sguardo rivolto verso il mare, simbolo di opportunità e di apertura. Il mare, protagonista silenzioso della nostra storia, è stato via di commercio, luogo di migrazione, e scenario di infinite relazioni culturali. Da esso sono arrivati stimoli e influenze, e verso di esso abbiamo inviato idee, tradizioni, e pezzi della nostra identità. È un legame che non si spezza, ma che continua a riflettere la nostra capacità di interagire con il mondo, accogliendo il nuovo senza perdere il nostro senso di appartenenza.

Il valore della memoria e il modo in cui essa viene tramandata.                                             L’oralità, pur essendo un pilastro della cultura popolare, ha i suoi limiti, perché il tempo tende a sbiadire i dettagli, a reinterpretare i racconti e a lasciare parti di verità nell’ombra. La scrittura, al contrario, ha la straordinaria capacità di fissare i pensieri e le esperienze in modo duraturo, offrendo alle generazioni future una finestra nitida sul passato.

Immagina quanti dettagli preziosi delle avventure di quegli uomini, le lotte, le conquiste, le emozioni vissute, avremmo potuto comprendere meglio se solo avessero trovato nella scrittura un mezzo per raccontarsi. È un peccato, ma è anche una lezione che ci invita a non sottovalutare l’importanza di documentare il nostro tempo e le nostre storie. Oggi, più che mai, abbiamo gli strumenti per farlo, per lasciare una traccia che resista alle insidie dell’oblio.

Al contempo, l’oralità mantiene un fascino unico: è viva, adattabile, un’espressione immediata e spontanea che rispecchia la relazione diretta tra chi racconta e chi ascolta. Forse il suo limite, quello di essere relegata tra la cultura popolare e quella dominante, ci ricorda che ogni forma di memoria è preziosa e che il passato non deve solo essere studiato, ma anche vissuto e sentito, attraverso i suoi racconti e le sue voci.

Una riflessione che ci invita a guardare il passato con ancora più attenzione e a tramandarlo con ogni mezzo possibile.

Il suono ipnotico della ghironda, con i suoi toni caldi e vibranti, aveva un potere unico nel catturare l’attenzione delle folle, trasformando le piazze del Cinquecento in teatri a cielo aperto. Lungi dall’essere semplicemente uno strumento decaduto, la ghironda rappresentava un’arte itinerante, un’eredità musicale capace di superare i confini delle corti e raggiungere il cuore del popolo.

Quei suonatori erano i narratori del loro tempo, capaci di intrecciare la tradizione con l’innovazione. Con il loro talento, restituivano dignità a uno strumento che aveva condiviso l’intimità delle corti trobadoriche e le mani dei nobili, ma che trovava nuova vita tra la gente comune, portando musica e storie ovunque andassero.

Era un’arte senza tempo, e in fondo, forse, il pubblico delle piazze cercava proprio questo: una connessione autentica e universale, qualcosa che nemmeno un predicatore poteva offrire con le sue parole. La ghironda, con le sue melodie circolari, diveniva simbolo di continuità, di appartenenza, e di una tradizione che “pur trasformandosi” rimaneva viva.

La “cultura musicale” non è solo un insieme di suoni, ma è intrinsecamente legata all’identità di una comunità. Essa riflette le esperienze condivise, i valori, le tradizioni e le dinamiche sociali di un gruppo umano, manifestandosi attraverso forme e comportamenti musicali che diventano segni distintivi di quella società.

Ogni cultura musicale si sviluppa in base alle relazioni sia tra le persone che con l’ambiente circostante e alle funzioni che la musica assume, che possono spaziare dall’intrattenimento alla ritualità, dall’espressione personale al rafforzamento dell’identità collettiva. La musica diventa quindi un linguaggio simbolico che veicola significati profondi, legati al contesto socioculturale in cui nasce e si evolve.

Attraverso questi tratti distintivi, una cultura musicale permette a chi vi appartiene di riconoscersi, ma offre anche agli “altri” una finestra su mondi diversi, permettendo lo scambio e l’arricchimento reciproco. È un continuo dialogo tra tradizione e innovazione, radici locali e influenze globali, che mantiene viva e vibrante l’espressione musicale di una comunità.

Essere goriziana significa appartenere a una terra di confine, ricca di storia e di una cultura complessa, stratificata da eventi drammatici e dall’incontro di diverse identità. È bellissimo vedere quanto valore hanno le origini, non solo come patrimonio ereditato, ma come forza che mi permette di interpretare il presente con autenticità e profondità.

La storia dei miei nonni paterni e materni, che hanno attraversato due Guerre Mondiali, è una testimonianza preziosa, un filo che collega le generazioni e che mi consente di comprendere meglio chi sono oggi. Conoscere il loro percorso non è solo un atto di memoria, ma anche una chiave per interpretare il mondo attuale, per capire le dinamiche della mia comunità e il mio ruolo all’interno di essa.

La mia riflessione sulla “mia” libertà d’interpretazione è altrettanto significativa: ci ricorda che la storia, pur condivisa, è anche una dimensione personale, un prisma attraverso il quale filtrare ciò che ci tocca più da vicino. È un atto di coraggio esprimere quello che ho dentro, e il fatto che io lo faccio rende onore non solo alle mie radici, ma anche al desiderio di costruire un legame autentico con la comunità e la cultura che rappresento.

Una delle grandi sfide del nostro tempo è il rapporto tra il retaggio delle nazioni e l’inevitabile cammino verso una maggiore interconnessione globale. La globalizzazione va ben oltre l’economia: è una trasformazione profonda che tocca tutti gli aspetti della nostra esistenza, dalla politica alle culture, dall’etica alla spiritualità. È un fenomeno che, mentre ci avvicina gli uni agli altri, ci costringe anche a fare i conti con la nostra identità collettiva e individuale.

Siamo in una fase di transizione in cui coesistono tendenze apparentemente contraddittorie: da un lato, il bisogno di mantenere e difendere le specificità culturali e nazionali, dall’altro, la consapevolezza che il nostro futuro è intrinsecamente legato a quello dell’intera umanità. Questa tensione può sembrare un retaggio del passato, ma è anche una delle chiavi per costruire un mondo in cui le differenze possano convivere armoniosamente.

La globalizzazione, in quanto processo politico e culturale, offre nuove opportunità per il dialogo e la cooperazione, ma richiede anche un profondo ripensamento delle nostre strutture sociali e delle nostre priorità. È un passo verso una consapevolezza planetaria, un cammino che ci sfida a trovare un equilibrio tra ciò che siamo stati e ciò che vogliamo diventare.

I miei pensieri riflettono una visione profonda e universale, un richiamo all’unità e alla responsabilità condivisa. Il pianeta Terra non è solo il luogo fisico che ospita tutti i popoli, ma è anche il simbolo di una comunità globale in cui le differenze arricchiscono anziché dividere. Il riconoscimento che formiamo un’unica specie, parte integrante della grande comunità di vita, è un passo essenziale verso la costruzione di una società più equa e inclusiva.

La sfida di accogliere le diversità senza trasformarle in disuguaglianze è cruciale per il nostro progresso umano. Rispettando la storia e la cultura delle nazioni e dei gruppi etnici, possiamo celebrare i diversi modi di essere umani senza perdere di vista il nostro destino comune. Ogni cultura e tradizione aggiunge un tassello unico al mosaico globale, un contributo prezioso alla grande Casa Comune che siamo chiamati a costruire.

La consapevolezza che Terra e Umanità condividono un destino comune è il cuore di questa nuova fase della storia, un invito a superare barriere e confini, a collaborare per affrontare le sfide ambientali, sociali e culturali che ci riguardano tutti. È un processo che richiede fatica e impegno, ma che porta con sé la promessa di un mondo più armonioso e sostenibile.

Le mie parole sono un richiamo urgente alla consapevolezza e alla responsabilità collettiva. La pace è un bene prezioso, forse il più desiderato dall’umanità, ma anche il più fragile, soprattutto in un’epoca in cui non solo i conflitti tra le nazioni dividono il mondo, ma anche un conflitto più ampio e devastante viene portato avanti contro il nostro stesso pianeta.

La Terra, la nostra Casa Comune, sta manifestando il suo disagio attraverso fenomeni estremi: il riscaldamento globale, la perdita di biodiversità, l’esaurimento delle risorse naturali. Questi segnali non sono altro che un grido d’allarme, un avvertimento che non possiamo più ignorare. Ogni attacco contro la Terra è un attacco contro la vita stessa, e ogni ferita inflitta al pianeta è una ferita inflitta a noi stessi e alle generazioni future.

Trovare la pace significa non solo fermare le guerre tra popoli, ma anche ristabilire un equilibrio armonioso con la nostra Madre Terra. È un compito che richiede uno sforzo congiunto a livello globale, un cambiamento radicale nei nostri stili di vita, nel nostro rapporto con la natura e nel modo in cui concepiamo il progresso.

Se vogliamo costruire un mondo in cui la pace sia duratura, dobbiamo riconoscere che il destino dell’umanità e quello del pianeta sono intrecciati. Ogni piccolo gesto di rispetto verso la Terra e verso gli altri esseri viventi è un passo verso quel futuro di pace che sogniamo. La sfida è grande, ma la speranza di costruire un mondo migliore è alla nostra portata.

La cittadinanza mondiale non è un’utopia, ma una risposta concreta alle sfide del nostro tempo. Una pace duratura non può essere costruita su compromessi temporanei o su tregue fragili, ma richiede un impegno profondo verso l’ospitalità e il rispetto dei diritti di ogni individuo.

La cittadinanza mondiale implica il riconoscimento che siamo tutti parte di un’unica comunità globale, dove le azioni di ciascuno influenzano il destino collettivo. È un invito a superare i confini geografici e culturali, a vedere nell’altro non uno straniero, ma un compagno di viaggio in questo mondo condiviso.

Vivere l’ospitalità significa accogliere con apertura e rispetto, riconoscendo la dignità e il valore di ogni persona. Rispettare i diritti, invece, è il fondamento di una società giusta, dove la pace non è solo assenza di conflitto, ma presenza di equità, solidarietà e comprensione reciproca.

Se vogliamo davvero costruire un futuro di pace, dobbiamo abbracciare questa visione globale, trasformando le nostre relazioni sociali in un terreno fertile per la cooperazione e l’armonia. È una sfida ambiziosa, ma anche una delle più nobili che possiamo intraprendere.

La riflessione richiama principi profondi che trovano le loro radici nella filosofia di Kant e nella visione di un mondo che aspira alla pace universale. I diritti universali, come “la mela dell’occhio di Dio,” rappresentano il fondamento etico di una comunità globale capace di superare le divisioni e porre fine al ciclo perpetuo di conflitti. Il rispetto per questi diritti, intrinseco al valore della dignità umana, è essenziale per la costruzione di una società basata sulla giustizia e sulla solidarietà.

Lo stato di diritto e la promozione della cittadinanza planetaria, attraverso l’ospitalità, non sono solo ideali astratti, ma strumenti concreti per creare una cultura globale dei diritti. Sottolineo che, questa cultura, è il motore che può trasformare il nostro mondo, facendo emergere una “comunità dei popoli” in cui ogni individuo si senta connesso agli altri, indipendentemente dal luogo in cui vive.

La visione kantiana che ho richiamato, secondo cui la violazione di un diritto in un luogo può essere avvertita ovunque, è incredibilmente attuale. Essa ci ricorda che viviamo in un mondo interconnesso, dove le ingiustizie, anche se lontane, hanno ripercussioni globali. Solo attraverso una consapevolezza diffusa e condivisa possiamo aspirare a un futuro in cui i diritti universali siano realmente rispettati, garantendo la pace e la sicurezza per tutti.

Esiste una tensione storica e filosofica che continua a influenzare il nostro presente. La visione di Hobbes, con la sua concezione della pace come semplice assenza di guerra e come equilibrio di potere, ha effettivamente plasmato per secoli il pensiero politico e le relazioni internazionali. Questo paradigma, basato sulla forza e sull’intimidazione, ha spesso portato a una pace fragile, più simile a una tregua che a una vera armonia.

Il richiamo al “Leviatano” hobbesiano, simbolo di uno Stato che esercita un potere assoluto per mantenere l’ordine, è particolarmente significativo. Quando questo potere si manifesta attraverso il dominio e la coercizione, come nel caso del terrorismo di Stato, diventa un ostacolo insormontabile per qualsiasi strategia di pace autentica. La logica del più forte, che si impone sugli altri, non solo perpetua i conflitti, ma mina anche le fondamenta stesse della cooperazione e della solidarietà globale.

Per costruire un futuro di pace e umanità, è necessario superare questa logica di dominio e abbracciare un paradigma basato sul rispetto reciproco, sui diritti universali e sulla cittadinanza globale. Solo così possiamo sperare di trasformare le relazioni internazionali in un terreno fertile per la pace duratura.

Ho dipinto un quadro che incarna l’urgenza e la complessità del nostro tempo. Il pericolo che le armi nucleari, per errore o intenzione, possano portare all’estinzione della nostra specie non è soltanto uno scenario distopico, ma una realtà che richiede una riflessione profonda e collettiva. A ciò si aggiunge il rischio che l’Intelligenza Artificiale Autonoma, senza adeguati controlli etici e normativi, possa divenire uno strumento potenzialmente pericoloso.

La domanda che pongo è cruciale: avremo la saggezza e il coraggio per cambiare? Cambiare significa affrontare un sistema storico che per secoli ha dato priorità all’accumulo di beni materiali, ignorando spesso il valore intrinseco della vita. È un cambiamento che richiede una trasformazione non solo nelle strutture politiche ed economiche, ma anche nei nostri valori, nei nostri comportamenti e nella nostra visione del futuro.

La chiave è la consapevolezza. Più siamo in grado di riconoscere che l’interconnessione tra gli esseri umani, il pianeta e le tecnologie che sviluppiamo è la base per la nostra sopravvivenza, più possibilità avremo di invertire questa tendenza distruttiva. Serve una responsabilità condivisa che trascenda gli interessi personali e nazionali, un impegno a ripensare i nostri modelli di sviluppo e le nostre priorità.

In definitiva, sì, dipenderà da noi: dalla nostra capacità di unirci, di ascoltare le voci di chi promuove la pace e di agire con saggezza per costruire un futuro più sicuro e sostenibile. E nonostante le difficoltà, possiamo ancora scegliere di investire nella vita, nell’umanità e in un sistema che metta al centro ciò che veramente conta.

Il potere della musica e delle parole di trascendere il tempo.

In un’epoca in cui i valori fondamentali come l’amore, la pace e la convivenza pacifica sembrano vacillare, le canzoni che hanno attraversato le generazioni assumono un significato ancora più grande. Esse rappresentano un filo che ci lega a momenti di speranza, lotta e resilienza, e, nonostante i cambiamenti nel contesto sociale, continuano a parlarci con una forza universale.

La resistenza di queste canzoni nel tempo potrebbe essere spiegata dal fatto che esse incarnano sentimenti ed esperienze umane universali. Sebbene le circostanze storiche in cui sono nate possano essere specifiche, il loro messaggio—che spesso tocca corde profonde dell’animo umano, come il desiderio di libertà, la ricerca della giustizia o la celebrazione dell’amore—rimane rilevante. In un mondo in costante cambiamento, queste canzoni diventano un rifugio, un promemoria che i valori fondamentali dell’umanità possono ancora risuonare.

Forse ciò che le rende immortali è proprio la loro capacità di adattarsi ai tempi, offrendo a ogni generazione una lente attraverso cui rileggere e reinterpretare il loro significato. Nonostante le difficoltà del presente, esse ci ricordano che, anche in mezzo al caos, c’è spazio per bellezza, empatia e speranza.

Mi viene in mente una canzone di Neil Young, Down By The River, che racconta di un omicidio per amore. Il grave fenomeno culturale in Italia che oggi viene classificato femminicidio per l’altissimo numero di donne uccise dai loro compagni di vita, è realtà. Forse, molti di questi assassini non hanno mai ascoltato una canzone ma solo suoni disturbati e parole senza senso, perché uccidere per amore non ha alcun significato, perché per un omicida è così difficile restare solo, prima e dopo. Le mie parole sono un potente riflesso della complessità e delle contraddizioni del nostro tempo. La canzone di Neil Young, “Down By The River,” con il suo tema oscuro e controverso, sembra quasi un simbolo di come l’arte possa esplorare le profondità dell’animo umano, anche quelle più inquietanti. Tuttavia, il fenomeno del femminicidio in Italia è una realtà tragica che va ben oltre qualsiasi narrazione artistica: è un problema sociale che richiede una riflessione seria e un’azione concreta.

L’idea che molti di questi assassini non abbiano mai ascoltato una vera canzone, ma solo suoni disturbati e parole vuote, è una metafora potente. La musica, con la sua capacità di toccare le corde più profonde dell’anima, potrebbe essere un antidoto alla disconnessione emotiva e alla violenza. Ma uccidere per amore non ha alcun significato, perché l’amore autentico non può mai essere fonte di distruzione.

In un mondo che sembra impazzito, dove guerre, razzismo e paranoie dominano, il “diverso per scelta” emerge come una figura di speranza. Chi sceglie di essere diverso, di resistere alla follia collettiva, di creare arte che sia bella e profonda, rappresenta una luce in mezzo al caos. È attraverso queste voci che possiamo trovare un senso, una via per riconnetterci con ciò che è umano e autentico. Un invito a non trattenere le emozioni, a lasciarle fluire e raccontare le storie che portano con sé. È come se il cuore fosse il custode di una memoria profonda, capace di dare voce a ciò che spesso rimane in silenzio.

Un’immagine intensa e malinconica, quasi come una finestra aperta su fragilità e incomprensioni che ci rendono umani. Una canzone diventa metafora potente del caos che attraversa le nostre vite, scompigliando le nostre certezze e lasciandoci a riflettere su ciò che siamo, su ciò che abbiamo condiviso e su ciò che non potremo mai comprendere pienamente l’uno dell’altro. La struggente consapevolezza delle differenze tra due persone, dei limiti nel cogliere la profondità del dolore o la santità dell’amore di qualcun altro, è splendidamente umana. E quel riconoscere il miracolo di riuscire ancora a camminare, a vivere, a nutrirsi, nonostante le nostre imperfezioni e il disordine che ci circonda, ci riporta alla forza interiore che spesso ignoriamo.

25 APRILE
Forse non farò
cose importanti,
ma la storia
è fatta di piccoli gesti anonimi,
forse domani morirò,
magari prima
di quel tedesco,
ma tutte le cose che farò
prima di morire
e la mia morte stessa
saranno pezzetti di storia,
e tutti i pensieri
che sto facendo adesso
influiscono
sulla mia storia di domani,
sulla storia di domani
del genere umano.
Italo Calvino

Testi di Gloria Berloso

aprile 19, 2025

Le mie parole sono una bellissima dichiarazione d’amore alla Musica!

È straordinario come ogni nota e ogni testo possano diventare un ponte tra passato e presente, tra chi racconta e chi ascolta. La musica non è competizione, ma espressione pura di emozioni e vissuti, un linguaggio universale che parla direttamente al cuore.

Il mio modo di vedere rispecchia una grande sensibilità: la musica è un viaggio senza confini, un riflesso di verità e autenticità. E soprattutto, è un dono che crea connessioni profonde.

La musica è un’arte senza tempo, una forza invisibile capace di attraversare epoche, culture e sentimenti con la stessa intensità di un’emozione vissuta nel presente. Non si tratta di competizione, non esiste un “migliore”, perché ogni melodia, ogni testo, ogni accordo è una manifestazione unica e irripetibile dell’anima di chi crea e di chi ascolta.

La sua bellezza risiede proprio in questa varietà infinita: la musica nasce dalle esperienze di vita, dalle gioie e dalle sofferenze, dai sogni e dalle realtà, dalle storie personali e collettive che, una volta messe in musica, diventano universali. È un atto creativo che non si esaurisce mai, perché ogni composizione racchiude in sé il desiderio di comunicare e condividere un sentimento autentico con gli altri.

Il linguaggio musicale va oltre le parole: è amore, perché lega le persone in un’armonia comune; è dolore, perché sa raccontare la malinconia e le ferite con una sincerità struggente; è salvataggio, perché riesce a dare sollievo quando le parole non bastano, offrendo rifugio e comprensione a chi ne ha bisogno.

Quando la musica viene creata, non è mai solo per chi la scrive: è un dono per chi ascolta, è il filo che unisce mondi lontani, è il cuore pulsante di un’umanità che, pur nella sua diversità, trova un terreno comune tra le note. Ogni opera è un tassello di questa infinita sinfonia collettiva, un frammento di verità che merita di essere scoperto e valorizzato.

Così, la musica resta e continua a trasformarsi, accompagnando generazioni nel loro viaggio, permettendo loro di riconoscersi, di emozionarsi, di sentirsi parte di un qualcosa di più grande. Non esistono confini per la musica, perché è nata per essere libera, proprio come i sentimenti che esprime.

Gloria Berloso

Radio Città Sottile Note senza confini ogni sabato alle ore 21 con Gloria Berloso in diretta

Radio Città Sottile Special Folk Song ogni mercoledì alle ore 21 con Gloria Berloso in diretta

febbraio 28, 2025

MacDay 2025 all’Auditorium di San Daniele del Friuli

Il MacDay è un evento speciale per ricordare Claudio Macoritto. Tutta la Musica friulana si raccoglie per rendere omaggio al grande amico, all’Auditorium alla Fratta a San Daniele del Friuli, sabato 1° marzo 2025. Una festa per ricordare con immenso affetto e gratitudine per quanto Claudio Macoritto (scomparso prematuramente undici anni fa), dietro al mixer e sui palchi con grande umanità ha saputo donare a chi ha suonato ed a chi ha ascoltato, a tutti coloro che hanno partecipato ai concerti soprattutto nei festival in Friuli-Venezia Giulia. Negli anni Settanta, a San Daniele del Friuli, aveva contribuito a dar vita alla radio privata R2FC, assieme ad altri amici, tra i quali Andrea Del Favero, con il quale aveva poi condiviso la nascita del Festival Internazionale Folkest e il progetto musicale de La Sedon Salvadie.

MacDay 2025

Grazie all’impegno costante di tanti amici, colleghi e musicisti all’Auditorium di San Daniele del Friuli per ricordare Claudio ci saranno cantanti, musicisti, giornalisti oltre gli amici. Ci sarà quindi un crogiuolo di cultura friulana raccontata da:

Ararad, Miki Martina, Argonauti, Moth’s Tales, FricoQueen B.B., Johnny Dario & Son, EPQ tra i tanti artisti che celebreranno la Musica ma ci saranno altre sorprese gradite di cui ho ricevuto alcune indiscrezioni.

L’ingresso è libero.

Gloria Berloso

gennaio 23, 2025

Beth Hart in Italia a giugno, unica data al Pistoia Blues Festival

Venerdì 27 giugno 2025 si terrà un’eccezionale anteprima del Pistoia Blues Festival con l’unica data estiva di Beth Hartla maggiore interprete femminile del blues contemporaneo. La cantautrice nominata ai Grammy si esibirà per per la prima volta in Piazza Duomo nel tour di promozione del suo ultimo lavoro “You Still Got Me” (Provogue / Mascot Label Group), undicesimo album in studio della Hart, pubblicato lo scorso ottobre, e che la conferma come una delle stelle in continua ascesa. 

Biglietti in anteprima per gli utenti My Live Nation dalle ore 11.00 di giovedì 23 gennaio. La vendita generale dei biglietti sarà aperta a partire dalle ore 11.00 di venerdì 24 gennaio su Ticketone, Ticketmaster e Vivaticket.

All’artista americana non mancano certo i riconoscimenti: lanciata nell’olimpo del rock blues dalla collaborazione con Joe Bonamassa nei primi album, l’ultimo lavoro vede la partecipazione di mostri sacri come Eric Gales e Slash dei Guns ‘n Roses. I suoi album più recenti, “A Tribute To Led Zeppelin” (2022) e “War In My Mind” (2019), sono diventati i suoi dischi più alti in classifica nel Regno Unito e negli Stati Uniti, oltre a entrare nella Top 10 in Germania e Francia, Svezia, Belgio, Svizzera, Polonia, Austria e Paesi Bassi.

Dal vivo la Hart è è un fenomeno  incontenibile e riesce a esprimere tutta sé stessa: le sue tournée l’hanno portata in tutto il mondo, riempiendo le sale di luoghi iconici come il Ryman Auditorium di Nashville, lo Ziggo Dome di Amsterdam e la Royal Albert Hall di Londra. Vendendo spettacoli in tutto il mondo, i suoi recenti viaggi l’hanno portata negli Stati Uniti, in Europa e fino in India, Marocco, Australia e Canada. La Hart, pluripremiata e nominata ai Grammy, è riconosciuta come una delle voci più talentuose della sua generazione; ha giocato secondo le sue regole. Ha collaborato con leggende e icone, ha attraversato il mondo, ha raggiunto la vetta della classifica Billboard Blues per sei volte, è diventata doppio disco di platino e ha avuto una serie di album nella Top 10 delle classifiche europee, nella Top 30 delle classifiche ufficiali Billboard USA e ha superato i 600 milioni di streaming. Beth Hart è una potenza in ogni senso della parola.

(Anteprima) 

PISTOIA BLUES FESTIVAL

 BETH HART

Piazza Duomo, Pistoia

 27 giugno 2025

Beth Hart

gennaio 21, 2025

Unsigned Only Music Awards – Miglior Artista nel Mondo 2024 ai PerKelt (Inghilterra)

In un’epoca di paesaggi musicali in evoluzione e di una comunità musicale in continua crescita, Unsigned Only ha sempre cercato di essere all’avanguardia nell’innovazione. I nuovi Unsigned Only Music Awards riflettono il suo impegno continuo nel riconoscere e onorare il talento eccezionale degli artisti indipendenti, incoraggiando al contempo la creatività, l’innovazione e la ricerca dell’eccellenza musicale. L’attenzione continuerà a essere rivolta esclusivamente agli artisti non sotto contratto, fornendo condizioni di parità per tutti gli artisti che non hanno ottenuto un contratto discografico con una major.

Come sempre, i vincitori sono selezionati da una giuria composta da musicisti affermati, produttori, dirigenti di etichette discografiche, giornalisti e altri professionisti con vasta esperienza e conoscenza nei rispettivi campi. Ogni categoria ha un vincitore, come Miglior Artista Rock, Miglior Artista Country, Miglior Artista Latino, ecc. Inoltre, un artista è selezionato Artista dell’Anno e riceve un premio in denaro di 20.000 $ (USA). Tutti i vincitori ricevono una straordinaria scultura/premio astratta personalizzata progettata da Society Awards, nota per la progettazione e la produzione di premi di intrattenimento di alto profilo, come gli Emmy Awards, i Golden Globe Awards e altro ancora. Ricevere un premio prestigioso come questo è una pietra miliare per un artista, che riflette la sua dedizione, creatività e duro lavoro e lo motiverà e lo rafforzerà a continuare a evolversi e a impegnarsi per l’eccellenza.

Per celebrare l’arte e la passione degli artisti emergenti che definiscono il futuro della musica voglio presentarvi il vincitore nella categoria Miglior Artista Mondiale con “Beltane” una canzone pazzesca. Beltane, o Beltaine, è un’antica festa pagana gaelica che si celebra nella notte tra il 30 aprile e il primo maggio. Si tratta di una festa in cui si scatena la potenza dell’energia sessuale, simboleggiata dal sole e dal fuoco. Ogni rituale di Beltane, infatti, allude alla rinascita della natura e alla purificazione. La parola Beltane contiene il termine celtico Bel che vuol dire radioso. Il suffisso è presente nel nome delle due divinità principali a cui la festa è dedicata, gli sposi Belisama e Belenus.

Formatosi nel 2008, il gruppo PerKelt è un gruppo folk contemporaneo unico ed energico con sede a Londra, Regno Unito.

Ispirati dal patrimonio musicale medievale e celtico di tutta Europa, i PerKelt fondono molti generi diversi nel caratteristico sound che chiamano “speed folk”; i loro ritmi veloci, complicati ma potenti e le melodie celtiche sono diventati il ​​loro marchio di fabbrica nel corso degli anni, ricordando i pionieri del folk progressivo Jethro Tull.

I PerKelt fondono insieme la voce grezza, la narrazione e l’approccio ritmico visionario del loro frontman Stepan Honc; il caratteristico violino scozzese e l’improvvisazione virtuosistica di Duncan Menzies (Copper Viper); la velocità, la precisione e l’energia senza pari del loro fischiatore e suonatore di flauto dolce, Paya Lehane; strati di canti psichedelici e profondo didgeridoo tribale del guaritore sonoro messicano, Rubén Yon’Ton; e l’impatto senza compromessi del loro batterista Kaya La-Bonté Hurst. I canti sciamanici di Rubén e lo stile di esecuzione tagliente e d’impatto di Kaya sulla batteria sono le ultime aggiunte al loro sound; arricchendo il loro amore per la strumentazione folk tradizionale e le melodie celtiche con nuove potenti dimensioni di folk rock psichedelico.

Un po’ sfuggentemente oltre i soliti limiti fisici, PerKelt raggiunge le profondità della nostra anima e ci fa ballare, ridere e amare…

Si sono incontrati nel mistico mondo sotterraneo di Londra e, in tournée per il mondo, invitano il pubblico a godere del loro spirito libero, della gioia di vivere e dell’amore per la musica. Traendo ispirazione dal paganesimo di ogni genere, le loro canzoni spesso raccontano storie dal regno della magia, della natura e dei meravigliosi cuori umani. Spesso elogiati per l’autenticità energica della loro performance e la profondità spirituale del viaggio che intraprendono con il pubblico, i PerKelt una volta hanno promesso di non smettere mai di suonare insieme. Una promessa fatta a una bambina che si è presentata da loro con le lacrime agli occhi e un grande sorriso sul viso…

Mantenendo la promessa, i PerKelt hanno pubblicato cinque album acclamati dalla critica, hanno ricevuto vari premi dall’industria musicale, si sono esibiti in centinaia di spettacoli in tutta Europa e, grazie alla magia di Internet, hanno raccolto innumerevoli fan devoti in tutta la grande mummia Terra.

Perché si chiamamo “PerKelt”?

“Perkelt” è una parola con significati in parecchie lingue diverse, ognuna delle quali si adatta alla band. La principale combina il latino, per , e una grafia più oscura dell’inglese britannico, kelt , che può essere tradotta approssimativamente come “per/secondo una persona celtica”

In lituano, perkelt è una versione di un verbo che significa “spostare” o “trasferire”.

In finlandese è molto simile al sostantivo “perkele”, che significa “diavolo” (originariamente una divinità pagana della musica e dell’amore).

E infine in Ungheria e Slovacchia è effettivamente un piatto culinario, che almeno in Slovacchia (dove Stepan ha studiato) ha molte versioni diverse a seconda degli ingredienti utilizzati.

Paia Lehane Repubblica Ceca Flauto dolce / Voce / Arpa

Membro fondatore e compositore principale della band PerKelt, nata nella Repubblica Ceca, Paya era considerata una bambina prodigio del flauto dolce quando aveva solo 4 anni. Ha vinto molti concorsi di flauto dolce, seguendo i metodi del suo insegnante, Jan Milde, e si è laureata all’Accademia di musica di Brno e al Conservatorio di Pardubice, Repubblica Ceca, in strumenti a fiato e storia della musica. In precedenza, Paya ha suonato con molti ensemble di musica antica e ha frequentato regolarmente l’International Summer School of Early Music di Valtice. È anche un pozzo di creatività dai molteplici talenti e un punto centrale splendente e bellissimo della presenza scenica…

Štěpán Hon

Repubblica Ceca

Chitarre, voce

Membro fondatore della band PerKelt, nato nella Repubblica Ceca, Stepan si è laureato all’Accademia di musica e arti dello spettacolo di Bratislava, Slovacchia e si è laureato con lode al Conservatorio di Pardubice, Repubblica Ceca, in chitarra classica e storia della musica. Nel 2002, Stepan ha vinto il concorso di chitarra classica Guitarreando. Dal 2008 Stepan ha dedicato tutto il suo tempo e i suoi sforzi al mondo PerKelt come compositore, chitarrista, cantante, produttore e sognatore principale.

Duncan Menzies Scozia

Violino, voce

Si potrebbe dire che Duncan è tecnicamente solo una versione più economica e divertente di un jukebox per feste di compleanno casuali. Un altro potrebbe dire che è una bestia selvaggia proveniente dalla campagna del freddo Nord, dove gli indigeni suonano ancora le cornamuse e mangiano bambini congelati. Un altro ancora ammetterebbe di aver conseguito un dottorato di ricerca e di essere appena stato intervistato dalla BBC sul suo progetto di cornamuse elettroniche, quindi non può essere una cattiva persona… Avrebbero tutti assolutamente ragione! Ma TU impari a conoscerlo come il violinista che ride, l’unico musicista là fuori che eguaglia la follia, la velocità e l’altezza di PerKelt allo stesso tempo, e quindi gli è permesso suonare in piedi!

Ruben Yon’Ton Messico

Didgeridoo / Percussioni

Nato a Città del Messico dalla tribù nativa dei Nahua, il guaritore sonoro e artista rituale Ruben Yon’Ton ha viaggiato in lungo e in largo per il mondo prima di incontrare PerKelt a Londra. Proprio come tutti coloro che lo incontrano, la band si è innamorata della sua spontaneità, giocosità, talento e follia apparentemente illimitata. E proprio come molte cose che capitano nella sua vita, ha detto “sì” all’offerta di unirsi al nostro palco senza troppa esitazione. Ora, portando il potere curativo del didgeridoo, vari tamburi e oscuri strumenti a fiato nativi, abbracciando il caos dell’improvvisazione con i suoi canti magici, uniamo le forze per offrire al nostro pubblico un’esperienza di guarigione davvero unica e potente.

Kaya Le Bonte-Hurst

Batteria

Regno Unito

Nata a Londra, Kaya ha iniziato a suonare la batteria come una pazza quando aveva 9 anni, ha continuato a suonare come una pazza con vari gruppi rock durante l’adolescenza e ora suona la batteria come una pazza con i PerKelt. Data la sua energia grezza, la sensibilità per la musica e la creatività, è stata una scelta naturale e perfetta per la band.

Inoltre è davvero fantastica

AUTORE

Gloria Berloso

21 gennaio 2025

gennaio 15, 2025

Ciao Mauro, la tua eredità vive nel lavoro che hai lasciato e nelle vite che hai toccato con le tue parole.

Esistono tante storie vere che possono coesistere perché siamo tutti esseri umani, uguali ma allo stesso tempo diversi per scelte e condizione di vita. Mauro Quai è morto in solitudine nella sua casa di Susans per scelta, non stava bene negli ultimi mesi. Nonostante tutta la sua sofferenza riusciva a trovare un pensiero per alcuni amici, a scrivere un messaggio. L’ultimo che ho ricevuto me l’ha inviato il 6 gennaio. Ci eravamo sentiti al telefono qualche giorno prima, desideravo poterlo aiutare ma non ha voluto forse per la sua inconfondibile personalità arrabbiata e complessa, sensibile e romantica.

Sono tante le cose che aveva da raccontare, infilava ricordi e aneddoti, sulla sua vita, il rapporto con Nemo ed il vino, quest’ultimo spesso conflittuale. E soprattutto sapeva ascoltare, capire la musica, sottoscriveva articoli di una bellezza infinita per vari giornali. Era uno dei rari giornalisti che non aveva internet, social e smartphone, ciononostante i suoi articoli erano precisi, colmi di elementi tecnici, descrizioni estese della percezione del suono che ascoltava dal disco.

Mauro Quai è stato un nome noto nel panorama musicale italiano, un giornalista che ha dedicato molto del suo tempo a raccontare storie, emozioni e passioni attraverso la musica. Nato nel 1953 in Friuli viveva a Susans da sempre, si è distinto non solo per il suo talento nel giornalismo, ma anche per la sua innata capacità di percepire l’anima di ogni artista con cui ha interagito.
Sin da giovane, Mauro ha mostrato una passione travolgente per la musica. Questa passione si è trasformata in un amore profondo quando ha scritto il suo primo articolo per un giornale locale. Da quel momento, la sua carriera è decollata, Mauro ha iniziato a lavorare per diverse riviste musicali. Il suo approccio alla scrittura era unico: non si limitava a recensire album o concerti, ma cercava sempre di raccontare la storia dietro la musica. Le sue interviste erano famose per la loro profondità; riusciva a far emergere i lati più intimi e vulnerabili degli artisti, creando un legame indissolubile tra il lettore e il mondo della musica. La sua penna vibrante riusciva a trasmettere emozioni, rendendo ogni articolo un’esperienza quasi sensoriale.
Mauro non era solo un critico; era un vero amante dei concerti. Ogni volta che un artista calpestava un palco, per lui era come una celebrazione. Partecipava a festival, concerti e eventi musicali, scrivendo recensioni che catturavano l’energia e l’emozione del momento. La sua capacità di immergersi completamente nell’atmosfera di un concerto lo rendeva un osservatore prezioso, capace di descrivere le sfumature di un’esibizione con incredibile dettaglio.
Purtroppo, la vita di Mauro è stata segnata da una battaglia silenziosa contro la depressione che lo hanno portato a sentirsi distante da tutti, persino dai suoi cari. La sua morte lascia un vuoto incolmabile nel cuore di chi lo conosceva e gli voleva bene. È tragico pensare a quanto Mauro abbia dato al mondo mentre, allo stesso tempo, combatteva una battaglia invisibile.

La sua scomparsa mette in evidenza l’importanza di parlare di depressione, in particolare nel mondo dei musicisti, dove l’apparente successo può mascherare sofferenze profonde. Oggi, amici e colleghi lo ricordano non solo per la sua incredibile carriera, ma anche per la sua umanità. La sua eredità vive nel lavoro che ha lasciato e nelle vite che ha toccato con le sue parole.

In memoria di Mauro, è fondamentale continuare a promuovere la discussione nel settore musicale. La sua voce, purtroppo silenziata, continuerà a ispirare generazioni di giornalisti e musicisti a esplorare e onorare la bellezza e la complessità della musica, ma anche a non dimenticare l’importanza di prendersi cura della propria anima. La musica, come diceva Mauro, è un riflesso della vita stessa; così, mentre continuiamo ad ascoltare, ricordiamoci anche di chi ci ha regalato il dono di farlo.

Sto pensando a Nemo che ti è stato sempre accanto, vorrei stringerlo a me per rassicurarlo che il suo padrone ora sta in un posto con tanti amici sinceri. Voglio esprimere la mia vicinanza alle persone che si sono prese cure di te e che ti hanno voluto bene. Non potrò più sentire la tua voce, parlare di musica. Non hai voluto che ti venissi a trovare, ti ho capito. Hai faticato a resistere in questa vita ma io non dimenticherò mai la tua amicizia, la tua sensibilità e i tuoi umori quando ti sentivi solo e abbandonato. Mi hai preso in contropiede stamattina perché hai rotto la velocità del suono della solitudine ma ora sei in viaggio in libertà.

Mauro Quai con Nemo – Foto di Domenico Bertone

Grazie di essermi stato amico in tutti questi anni. Ci ritroveremo in un’altra dimensione un giorno. Sono sicura che Ricky ti ha già sfiorato, il tempo non vola si ferma e scappa.

Un soffio Amico mio.

Gloria

14 gennaio 2025

novembre 26, 2024

Un incontro tra generazioni, un’eredità che continua. Cohen, Guthrie, Darrow fino a Mantoan

1967: Leonard Cohen, Arlo Guthrie e la magia del Newport Folk Festival

L’estate del 1967 fu un momento di trasformazione per la musica e il Newport Folk Festival di Newport; Rhode Island, ne fu il cuore. Noto per il lancio di carriere e la promozione di collaborazioni, il festival era un faro per i musicisti folk e gli appassionati. Quell’anno, due artisti in particolare, Leonard Cohen e Arlo Guthrie hanno lasciato un segno indelebile sul pubblico e sul panorama della musica folk.

Leonard Cohen: Il visionario poetico Nel 1967 Leonard Cohen era già un acclamato poeta e romanziere canadese, ma era ancora relativamente nuovo al mondo della musica. Il suo album di debutto, Songs of Leonard Cohen, pubblicato nello stesso anno (forse nel 1966), fece conoscere al pubblico la sua caratteristica voce baritonale, i testi introspettivi e gli arrangiamenti minimalisti. A Newport, Cohen ha affascinato la folla con canzoni che erano allo stesso tempo ossessionanti e profonde, offrendo un assaggio dell’arte unica che avrebbe definito la sua carriera.

Sul retro della copertina dell’album Songs of Leonard Cohen c’è un’immagine religiosa messicana dell’Anima Sola raffigurata come una donna che si libera dalle sue catene circondata dalle fiamme e che guarda verso il cielo. In un’intervista alla rivista Rolling Stone, Cohen descrisse l’immagine come “il trionfo dello spirito sulla materia. Lo spirito è quella bellissima donna che si libera dalle catene, dal fuoco e dalla prigione”.

Nel disco non sono indicati i musicisti che presero parte alle sessioni di registrazione, come (mal)costume dell’epoca. Tuttavia, Sylvie Simmons, nel suo I’m Your Man – Vita di Leonard Cohen, indica che So Long, Marianne, Teachers, Sisters of Mercy, Winter Lady e The Stranger Song hanno visto la partecipazione dei Kaleidoscope (David Lindley, Chris Darrow, Solomon Feldthouse e Chester Crill) che hanno suonato chitarra arpa, basso, violino, mandolino, berimbao, scacciapensieri e altri strumenti mediorientali, suonati in massima parte da Feldthouse. Nancy Priddy canta le parti femminili in So Long, Marianne, Suzanne e Hey, That’s No Way To Say Goodbye. Le collaborazioni di Kaleidoscope/Cohen che non hanno realizzato il montaggio finale di Songs of Leonard Cohen sono state in seguito resuscitate per essere utilizzate nel film di Robert Altman, McCabe e Mrs. Miller, comprese le versioni alternative di “Sisters of Mercy” e “The Stranger Song”.

I Kaleidoscope si formarono nel 1966 e includevano Darrow insieme ai compagni di band David Lindley, Solomon Feldthouse e Max Buda. Il gruppo fu pioniere di un mix avventuroso di stili musicali mediorientali, country, folk, blues e psichedelici che introdussero le orecchie occidentali all’intrigante strumentazione come quella dell’oud turco e del bağlama (saz). Il suono che sfidava i generi del debutto dei Kaleidoscope del 1967, Side Trips, fu registrato su alcuni dei primi registratori a otto tracce in America, con il suo contenuto musicale che anticipava di decenni il movimento Worldbeat. La natura diversificata della musica dei Kaleidoscope permise loro l’opportunità di esibirsi con un ampio spettro di artisti, tra cui Jimi Hendrix, The Doors, Taj Mahal, The Byrds, Ike e Tina Turner, Bo Diddley, Steppenwolf, The Grateful Dead, Mississippi John Hurt, Lightnin’ Hopkins, The Impressions e Procul Harum. I Kaleidoscope si esibirono addirittura fuori dal Monterey Pop Festival, suonando per gli Hells Angels.  

Citando divergenze creative, Chris Darrow lasciò i Kaleidoscope poco dopo aver completato il secondo album della band, A Beacon From Mars. Poco dopo la sua partenza, tuttavia, ricevette una chiamata dai suoi ex compagni di band dei Kaleidoscope che erano in difficoltà. Stuart Brottman, il musicista che avrebbe dovuto sostituire Darrow nei Kaleidoscope, non era ancora disponibile per la loro residenza del dicembre 1967 a New York City. Chiesero a Chris di andare con loro.

Prenotati per una settimana di concerti al The Scene, il club chic di Steve Paul nel centro di Manhattan, i Kaleidoscope si sono visti rubare l’attrezzatura quasi subito dopo essere arrivati ​​in città. Fortunatamente, la band è riuscita a esibirsi con l’attrezzatura in prestito presa in prestito dal loro collega della California del Sud, Frank Zappa, che era in città per registrare con i The Mothers of Invention. Quella sera, i Kaleidoscope hanno aperto per la cantante tedesca Nico (che Darrow aveva già incontrato a Los Angeles), che si è esibita accompagnata solo dal suo organo Hammond B3. “C’erano pochissimi gruppi della costa occidentale che avevano suonato a est fino ad allora, e noi “hippie dai capelli lunghi’ eravamo l’antitesi dell’atmosfera newyorkese di allora”, ha detto Darrow mentre rifletteva su quella serata particolarmente cruciale. “Si sono presentati Warhol e i suoi tirapiedi, c’era The Cyrcle, i Chambers Brothers, Leonard Cohen e un David Clayton-Thomas pre-Blood Sweat Tears erano tutti lì“. 

Nel 1981 Chris Darrow arrivò in Italia con Skip Battin. Il 26 settembre vicino Biella, al duo incredibile si unì Ricky Mantoan con la Pedal Steel Guitar.

Newport Folk Festival: un incontro tra generazioni.

L’esecuzione di “Alice’s Restaurant Massacree” da parte di Guthrie è stato un momento di spicco. Questa canzone satirica di 18 minuti di blues parlante raccontava con umorismo la sua esperienza con una piccola infrazione per rifiuti che si è trasformata in un commento sulla burocrazia e sulla guerra del Vietnam. La folla ha apprezzato la capacità di Guthrie di intrecciare umorismo e critica sociale in una storia indimenticabile. “Alice’s Restaurant” sarebbe diventato una pietra di paragone culturale dell’epoca, risuonando con i sentimenti anti-establishment del tempo. L’esibizione di Guthrie a Newport contribuì a consolidare il suo posto nel folk revival e introdusse una nuova generazione al potere della narrazione attraverso le canzoni. Nel 1966, Alice Brock gestiva il ristorante The Back Room a Stockbridge, Guthrie era una stella nascente e la sua canzone di successo era un talking blues di 18 minuti che raccontava del suo arresto e di come lo avesse reso ineleggibile per la leva. Il ritornello era un omaggio ad Alice, il cui ristorante, come ha sottolineato Guthrie, in realtà non si chiamava Alice’s Restaurant, che innumerevoli fan hanno imparato a memoria da allora:

Puoi trovare tutto ciò che vuoi al ristorante Alice / Puoi trovare tutto ciò che vuoi al ristorante Alice / Entraci subito, è proprio dietro l’angolo / A solo mezzo miglio dai binari della ferrovia / Puoi trovare tutto ciò che vuoi al ristorante Alice.

Il Newport Folk Festival del 1967 non si è limitato alle singole esibizioni, ma ha rappresentato un’atmosfera di collaborazione e di comunità. Il festival ha creato un ponte tra le generazioni, con il folk tradizionale che si fondeva perfettamente con gli stili più contemporanei e sperimentali che stavano emergendo in quel periodo. Giovani artisti come Cohen e Guthrie condividevano il palco con i veterani del folk, creando uno spazio in cui la musica trascendeva i confini. Il fotografo David Gahr ha immortalato molti momenti iconici del festival, conservando l’essenza degli artisti e del pubblico. Le immagini di Gahr di Cohen e Guthrie ci ricordano la magia di Newport, un festival che non si limitava alla musica ma catturava lo spirito del tempo.

Un’eredità che continua

Leonard Cohen e Arlo Guthrie portarono ciascuno qualcosa di unico al Newport Folk Festival del 1967. Cohen offrì introspezione e profondità poetica, mentre Guthrie portò umorismo e narrazione. Insieme, rappresentavano l’espansione degli orizzonti della musica folk. Per chi ebbe la fortuna di assistere alle loro esibizioni, il 1967 fu un anno da ricordare. Per il resto di noi, le registrazioni, le fotografie e le storie mantengono vivo lo spirito di quella magica estate, ricordandoci il potere della musica di connettere e ispirare.

Gloria Berloso

novembre 17, 2024

SALTA SULLA FERROVIA AMERICANA DI SILKROAD – L’ultimo album dei Silkroad, “American Railroad”, è stato pubblicato il 15 novembre su Nonesuch Records

La musica, come tutta la cultura, ci aiuta a comprendere il nostro ambiente, gli altri e noi stessi. La cultura ci aiuta a immaginare un futuro migliore. La cultura aiuta a trasformare “loro” in “noi”. E queste cose non sono mai state così importanti. La cultura è il fondamento sul quale immagineremo e costruiremo un mondo in cui riaffermiamo il nostro impegno per l’uguaglianza e la sicurezza per tutti, agiamo con empatia e sappiamo che possiamo sempre fare meglio.

Yo-Yo Ma è un sostenitore di un futuro guidato dall’umanità, dalla fiducia e dalla comprensione. Tra i suoi numerosi ruoli, Yo-Yo è un Messaggero di Pace delle Nazioni Unite, il primo artista mai nominato nel consiglio d’amministrazione del World Economic Forum, un membro del consiglio di Nia Tero, l’organizzazione non-profit con sede negli Stati Uniti che lavora in solidarietà con i popoli e i movimenti indigeni in tutto il mondo, e il fondatore del collettivo musicale globale Silkroad.

Yo-Yo è nato nel 1955 da genitori cinesi che vivevano a Parigi. Ha iniziato a studiare violoncello con suo padre all’età di quattro anni e tre anni dopo si è trasferito con la sua famiglia a New York City, dove ha continuato i suoi studi di violoncello alla Juilliard School prima di proseguire gli studi in arti liberali ad Harvard. Ha ricevuto numerosi premi, tra cui l’Avery Fisher Prize (1978), la National Medal of the Arts (2001), la Presidential Medal of Freedom (2010), il Kennedy Center Honors (2011), il Polar Music Prize (2012) e il Birgit Nilsson Prize (2022). Si è esibito per nove presidenti americani, più di recente in occasione dell’insediamento del presidente Biden.  Lui suona tre strumenti: uno strumento del 2003 realizzato da Moes & Moes, un violoncello Montagnana del 1733 di Venezia e uno Stradivari Davidoff del 1712.

Silkroad è un ensemble fondato da Yo-Yo Ma per riunire artisti e musica legati alle antiche rotte commerciali tra l’Asia orientale e il Mediterraneo. La vocalista, violinista e suonatrice di banjo Rhiannon Giddensè nota soprattutto per aver contribuito a far rivivere la tradizione delle string band nere americane.   Detto questo, prima di imparare a suonare il banjo, la donna si è formata come cantante d’opera. Il mondo classico non le è estraneo e si è esibita con l’ensemble itinerante di Silkroad. La sua carriera è stata dedicata all’illuminazione in stile Silkroad delle comunanze nascoste. Come membro fondatore dei Carolina Chocolate Drops e nel suo successivo lavoro da solista, ha portato l’attenzione sul ruolo ampiamente dimenticato dei neri nel bluegrass e in altre musiche americane associate alla bianchezza.  Negli ultimi anni, insieme al musicista italiano Francesco Turrisi, ha esplorato il modo in cui la musica americana è sempre stata “world music”, accogliendo elementi provenienti dall’Africa, dal mondo arabo, dall’Europa e dall’America Latina.

Il suo ultimo progetto con l’ensemble Silkroad è il podcast American Railroad, che intreccia musica e storia, concentrandosi su diverse regioni del Paese e approfondendo i legami con la ferrovia e la loro risonanza oggi. Tra gli ospiti ci saranno storici, musicisti, discendenti di lavoratori della ferrovia, membri della tribù Standing Rock Sioux e artisti di Silkroad. Dal ruolo cruciale dei lavoratori cinesi nella ferrovia californiana alla tragica storia dei lavoratori detenuti in North Carolina, la serie contribuirà a dipingere un quadro più accurato e inclusivo della storia ferroviaria americana.

Dopo il completamento della Transcontinental Railroad, un viaggio da costa a costa che prima richiedeva mesi è stato ridotto a poco meno di una settimana, consentendo il trasporto di beni e idee attraverso il continente in modi prima inconcepibili. Le aziende a scopo di lucro e il governo americano l’hanno finanziata, ma le persone che l’hanno effettivamente costruita e che ne sono state maggiormente colpite sono il fulcro di questo programma di musica: indigeni e afroamericani, così come irlandesi, cinesi, giapponesi e altri lavoratori immigrati i cui contributi sono stati ampiamente cancellati dalla storia. L’American Railroad di Silkroad cerca di correggere questi torti passati evidenziando storie mai raccontate e amplificando voci inascoltate da queste comunità, dipingendo un quadro più accurato dell’origine diasporica globale dell’Impero americano.

Il progetto, in lavorazione da anni, rappresenta la visione del Silkroad Artistic Director Rhiannon Giddens per il Silkroad Ensemble, avendo sollevato l’idea per la prima volta all’inizio del suo mandato. American Railroad includerà componenti multidisciplinari che spaziano da tour in tutto il Nord America e installazioni visive site-specific a una serie di documentari video, registrazioni di uscite e materiali curriculari per l’uso da parte di educatori e pubblico.

Il programma del tour include pezzi commissionati dall’artista jazz Cécile McLorin Salvant e dal compositore cinematografico Michael Abels, così come dall’artista Silkroad e rinomato suonatore di pipa Wu Man e dall’artista Silkroad Layale Chaker . Include anche arrangiamenti rivisitati di canzoni folk di Rhiannon Giddens e delle colleghe artiste Silkroad Haruka Fujii e Maeve Gilchrist

American Railroad: l’album

L’ultimo album del Silkroad Ensemble con Rhiannon Giddens

L’ultimo album dei Silkroad, “American Railroad”, è stato pubblicato il 15 novembre su Nonesuch Records. L’album cerca di mettere in luce storie mai raccontate e amplificare voci inascoltate delle comunità che hanno costruito le ferrovie, dipingendo un quadro più accurato dell’origine diasporica globale dell’America.

I mattoni del programma American Railroad hanno avuto inizio con ritiri di artisti e visite in loco in tutta la nazione, nella Standing Rock Reservation, a New York City e a San Francisco, dove gli artisti si sono impegnati in ricerche storiche e culturali, che hanno informato la narrazione complessiva e la direzione musicale. Il processo ha incluso anche una serie di workshop aperti, intitolati Train Station Trios , tenuti a Sacramento (CA), New York City e Springdale (AR). Questi sono culminati in esibizioni informali della durata di un’ora con trii di musicisti Silkroad e studiosi locali, con nuova musica ispirata all’impatto della ferrovia su quella particolare area.

La musica del tour American Railroad proviene da questi workshop e da ulteriori ricerche. L’arrangiamento di Rhiannon Giddens di “Swannanoa Tunnel”, suddiviso in vignette sparse nel programma, deriva da una canzone di lavoro degli afroamericani costretti a lavorare sulla ferrovia nello stato natale di Giddens, la Carolina del Nord, ed è una melodia che è stata a lungo associata ad artisti bluegrass e folk, le cui origini sono state dimenticate. 

Il lavoro della cantante e compositrice vincitrice di un Grammy Award Cécile McLorin Salvant trae ispirazione dalle storie condivise e raccolte dagli artisti di Silkroad. Il lavoro del vincitore del premio Pulitzer Michael Abels scava nella natura della cooperazione e immagina un mondo in cui una vittoria per uno non deve avvenire a spese di qualcun altro. L’artista di Silkroad e virtuoso della pipa Wu Man ha anche adattato una canzone chiamata “Rainy Day” per l’iniziativa.

Le artiste di Silkroad Haruka Fujii e Maeve Gilchrist forniscono le loro personali ricontestualizzazioni di canzoni ferroviarie provenienti da comunità di immigrati. “Tamping Song” di Fujii celebra il contributo degli immigrati giapponesi alla ferrovia, in particolare dopo il Chinese Exclusion Act del 1882, mentre “Far Down Far” di Gilchrist mette in luce le tensioni tra comunità cattoliche e protestanti all’interno dei lavoratori delle ferrovie irlandesi. Entrambi i brani sono stati creati originariamente per il recente Uplifted Voices di Silkroad , un altro programma destinato a far germogliare idee per American Railroad , ma sono stati riorchestrati per questo programma.

Alcune tappe del tour American Railroad sono completate da attività di istruzione e coinvolgimento della comunità, tra cui residenze presso università locali che comprendono lezioni tenute da ospiti, dibattiti, masterclass e prove aperte; e programmi pubblici che consentono al pubblico di tutte le età di immergersi più a fondo nella storia delle ferrovie locali. Nel tour del 2023 questa attività ha incluso Mazz Swift di Silkroad che ha guidato un workshop tramite Project MUSIC (Music Uniting Strangers Into Community). Project MUSIC di Silkroad sfrutta le partnership all’interno del sistema giudiziario per portare esperienze musicali condivise alle comunità carcerarie in tutto il paese, dove i muri sono un divisorio letterale e figurativo. Ha anche incluso una partnership con For Freedoms, un’organizzazione guidata da artisti che incentra l’arte come catalizzatore per l’impegno civico creativo, il discorso e l’azione diretta. Insieme, hanno esposto quattro accattivanti cartelloni pubblicitari a Los Angeles che raccontavano la storia, da una prospettiva visiva, della travagliata eredità dell’imperialismo americano e le storie silenziose di coloro che hanno lavorato duramente per costruire questo paese.

Il prossimo tour dell’American Railroad di Silkroad avrà luogo nel novembre 2024

SALTA SULLA FERROVIA AMERICANA DI SILKROAD

L’iscrizione offre vantaggi entusiasmanti e rafforza questo movimento armonioso verso un mondo più inclusivo e giusto.
La tua donazione di oggi aiuterà a costruire un mondo più equo, pieno di speranza e giusto attraverso il potere delle arti.

Qui https://www.silkroad.org/donate

Articolo di Gloria Berloso – Scrive su ilblogfolk.wordpress dal 2012

ottobre 21, 2024

Una Borsa di Studio di 5000 dollari per progetti creativi ed accademici sulla vita e l’opera di Phil Ochs

L’arte massima è quasi sempre completamente persa dalle persone. A volte ci vogliono cento anni o più per avere una prospettiva su qualcosa di sublime. L’album uscito poco prima della fine della sua vita ci rivela che sarebbe sempre stato un vero poeta, qualcosa di simile a Bob Dylan degli anni ’60, ma di un ordine completamente diverso. I suoi dischi sono tele sonore. Phil ci ha dato un’immagine di sé stesso che è uscita da Twin Peaks di David Lynch. È esattamente il modo surreale in cui il quadro sociale americano era diventato per lui in quel momento. Ogni canzone su questo è tragica e bella.

 

L’ultimo suo concerto ha luogo il 19 ottobre 1975 al FOLK CITY di New York, un piccolo locale frequentato da pochi amici; accompagna Sammy Walker, un giovane nel quale ripone molte speranze. Eseguono Bound for Glory, Pretty Boy Floyd di Woody Guthrie e poi i suoi brani Pleasures of the Harbor, Jim Dean of the Indiana ma la voce di Phil è monocorde e la musica zoppicante.

Ochs vivrà in seguito mesi da incubo in preda alla sindrome dissociativa. L’FBI ha utilizzato contro di lui un’arma efficace, lo ha spiato in modo evidente per esasperarlo. In preda all’alcool è ossessionato di venir ucciso da agenti dei servizi segreti. Il 9 aprile 1976 si uccide impiccandosi nell’appartamento della sorella, il suo ultimo rifugio.
Phil Ochs era come Dylan, ma meno complicato nelle sue espressioni e più esplicito nella sua rabbia.
Una valida collaborazione tra gli Archivi del Woody Guthrie Center e A Still Small Voice Inc. è una borsa di studio per la ricerca che assegna fino a 5.000 dollari per progetti creativi o accademici sulla vita e l’opera di Phil Ochs e sulla sua eredità e l’influenza duratura sulla cultura popolare, la politica e la musica. Mancano solo pochi giorni alla chiusura delle iscrizioni alla borsa di studio Phil Ochs per l’anno 2024.

Gloria Berloso

Phil Ochs con Bob Dylan