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dicembre 16, 2020

CAMPANELLO ROSSO, CANZONI POLITICHE di Gloria Berloso

Nel decennio degli anni Trenta e Quaranta nacque un movimento che attinse alla ricca vena della musica popolare americana e che trasformerà per sempre il panorama culturale statunitense. Al suo centro ci fu un gruppo di appassionati di musica folk, molti dei quali ebbero legami profondi e duraturi con il Partito Comunista Americano, sia come membri che come cosiddetti compagni di viaggio. Si trattava di artisti come Woody Guthrie, Pete Seeger, Lee Hays, Josh White, Sis Cunningham, Ronnie Gilbert, Bess Lomax, Cisco Houston e Alan Lomax. La loro associazione con il Partito non fu né casuale né un capriccio; fu piuttosto una scelta consapevole di ciò che questi artisti videro come le dolorose lamentele della società americana dell’era della depressione. Questa associazione a sua volta fu l’impulso decisivo per guidare l’azione catalizzatrice del loro obiettivo da parte delle forze di destra al Congresso, delle organizzazioni di destra e dell’FBI.
Il Partito Comunista USA si formò negli Stati Uniti nel 1919 e trascorse i suoi primi anni ai margini della politica anche se fu comunque preso di mira in modo aggressivo dal Dipartimento di Giustizia e dal Bureau of Investigation degli Stati Uniti, che in seguito è diventato FBI. Lo slogan “Il comunismo è l’americanismo del ventesimo secolo” e la politica che lo sottendeva furono più socialdemocrazia che comunismo rivoluzionario. Come risultato, si creò una grande struttura alla quale il Partito fu in grado di attirare migliaia di aderenti e sostenitori, così come la capacità di lavorare con le forze più in generale nella politica degli Stati Uniti. A partire dal 1947 e fino al decennio successivo, fu attuata una campagna poliedrica che criminalizzava il comunismo dal punto di vista organizzativo e lo esorcizzava ideologicamente. A sua volta, tutti coloro che vi erano associati furono cacciati dalle istituzioni governative, sociali e culturali. Fu un’iniziativa sociale anticomunista di proporzioni monumentali. Ci furono processi, incarcerazioni, piani ben formulati per le retate e persino esecuzioni. I comunisti e chiunque avesse la più marginale associazione con il Partito comunista che non rinunciava pubblicamente e con forza a tali associazioni, furono un potenziale bersaglio. Sotto la guida di J. Edgar Hoover, l’FBI avrebbe esteso il suo raggio d’azione e il suo mandato legale, trasformandolo in un pilastro dell’apparato di sicurezza interna degli Stati Uniti.
Non fu però solo il Partito che attirò l’attenzione dell’FBI, ma chiunque si sia visto collaborare attivamente con esso, tra coloro che sono un certo tipo di artista. In particolare il Bureau si preoccupava degli artisti disincantati dalla Depressione, che vivevano in mezzo alla povertà, alla disuguaglianza e all’ingiustizia, e che cercavano di usare la musica per dare voce e stare dalla parte degli impoveriti, degli oppressi e dei disorganizzati.
Per l’FBI, se un artista si univa al Partito, scriveva sul suo giornale, suonava in una riunione del Partito, o si esibiva o faceva amicizia con chi lo faceva, questo portava all’apertura di un dossier dell’FBI. Le investigazioni come minimo incarnavano una sorveglianza aggressiva o l’intrusione nella vita personale. Più che altro, la maggior parte dei documenti aveva lo scopo di classificare i loro soggetti come candidati all’indice di sicurezza, da detenere in caso di emergenza nazionale. Una volta creati tali fascicoli, essi esistevano in perpetuo. L’FBI continuava a monitorare il soggetto, concludendo un’indagine attiva solo nel momento in cui riteneva che la simpatia dell’individuo per la politica del Partito non fosse più un problema; di solito comportava una rottura pubblica con il comunismo o se la persona moriva, anche se anche allora i fascicoli erano conservati, per essere referenziati secondo necessità.
Woody Guthrie rimase un candidato “attivo alla detenzione” come comunista, nonostante fosse affetto da una malattia neurologica mortale. Il modo in cui il governo agì nei confronti di Guthrie, per quanto estremo, non fu eccezionale. Le azioni nei confronti degli altri cantanti folk, sia attraverso la lista nera, le testimonianze forzate o le carriere rovinate, furono calcolatrici e prive di empatia umana.

“Se ti sei trovato seduto con gli amici in un caffè, diciamo a Greenwich Village, all’inizio degli anni Quaranta, meditando sul futuro della musica popolare e suggerendo che nel giro di un decennio ci sarebbe stata una canzone in cima alle classifiche di Billboard di un ex membro di una catena della Louisiana, portata al nord da un collezionista di canzoni bianche radicali del Texas, i cui colleghi erano un mix di uomini e donne, afro-americani, ebrei-americani e intellettuali nati negli Stati Uniti probabilmente vi sarebbe stato dato lo sguardo riservato a coloro la cui presa sulla realtà è una questione aperta.”
Buonanotte Irene
Irene, buonanotte. Irene, buonanotte
Buonanotte, Irene. Buonanotte, Irene.
Ti vedrò nei miei sogni.
Lo scorso sabato sera mi sono sposata.
Io e mia moglie ci siamo sistemati.
Ora, io e mia moglie ci siamo separati.
Facciamo una passeggiatina in centro.
Sì, a volte vivo in campagna
E a volte vivo in città. Sì, e a volte prendo una grande idea
Mi butterò nel fiume e annegherò.
Smettila di divagare. Smettila di giocare d’azzardo.
Smettila di stare fuori fino a notte fonda. Torna a casa da tua moglie e dalla tua famiglia.
Rimani lì vicino al caminetto, luminoso.
Irene, buonanotte. Irene, buonanotte
Buonanotte, Irene. Buonanotte, Irene.
Ti vedrò nei miei sogni.


Naturalmente, questo è quello che successe: la canzone sopra citata è “Goodnight Irene” di Lead Belly e il gruppo con il disco di successo sono i Weavers. La musica è una cosa strana, avere il potere a volte di muoversi con una tale velocità e forza da farla esplodere attraverso i vincoli della società, preannunciando la possibilità di qualcosa che va ben oltre lo status quo, anche nel regno del apparentemente impossibile.
L’impatto musicale del più grande gruppo di artisti che si riunì per gettare le basi per una tale impresa in quel periodo si fece ancora sentire. Il fatto che questo gruppo emerse dal calderone antisemita e antisindacale di Jim-Crow negli Stati Uniti degli anni Trenta, non fu un risultato da poco. Il modo in cui questi individui arrivarono a questo, e poi si riunirono, fu altamente consequenziale.
Woody Guthrie non era un radicale nato, ma le prove e gli sconvolgimenti della sua giovane vita lo inclinarono in direzioni radicali. Prima di diventare un artista, Guthrie si guadagnò da vivere, tra le altre cose, come pittore di insegne, operaio e chiromante. La malattia della mamma contribuì a far sì che lasciasse l’Oklahoma per andare prima in Texas e poi in California, dove si trasferì tra i campi di migranti dei suoi compagni dell’Oklahoma e la scena culturale di Los Angeles. È a Los Angeles che Guthrie s’incontrò e si fece politicizzare dal Partito Comunista. La FBI non aveva prove inconfutabili della sua appartenenza al Partito, ma lo trattò comunque come se ne fosse membro. D’altronde Pete Seeger raccontò che il Partito rifiutò Guthrie perché viaggiava sempre qua e là e non era il tipo di persona a cui dare un incarico nel Partito. Era un compagno di viaggio molto apprezzato ed era considerato uno di loro.
C’è più chiarezza del rapporto del Partito con Pete Seeger, che per tutta la sua vita si dedicò a questioni di emancipazione umana, cosa per la quale pagò un enorme prezzo personale e professionale. L’introduzione di Seeger alla politica radicale avvenne attraverso il padre Charles, che era professore di musicologia a Berkeley che nel 1919 perse il suo posto per la sua posizione contro la Prima Guerra Mondiale. Si trasferì poi a New York per insegnare all’Institute of Musical Art (poi divenuto Juilliard) e poi alla New School for Social Research. Negli anni Trenta del secolo scorso fu membro del Partito Comunista e del Collettivo dei Compositori ad esso associato, che comprendeva luminari come Aaron Copland, Earl Robinson e Hanns Eisler, tutti legati al Partito.
La madre naturale di Seeger, Constance de Clyver Edson, era anche musicista e insegnava violino. Il padre e la madre di Seeger divorziarono quando Pete aveva sette anni, e il padre si risposò con Ruth Crawford, considerata tra le prime donne compositrici importanti. Tutto questo, naturalmente, non poté non avere un impatto su suo figlio.
Seeger frequentò l’Harvard College nel 1936, studiando sociologia, egli voleva fare il giornalista, ma Harvard non lo insegnava allora e si unì anche alla società del banjo della scuola. Sembra anche fosse diventato più politico. I servizi segreti militari scoprirono, visitando il vecchio liceo di Seeger, informati dei sospetti dal suo ex preside, che il soggetto si era allineato con il cosiddetto elemento radicale dell’Università di Harvard. I sospetti del Rettore furono corretti mentre ad Harvard, Seeger si unì alla Lega dei Giovani Comunisti. Le sue prime associazioni con il comunismo furono profondamente sentite.
Nell’aprile del 1938 Seeger lasciò Harvard. Fu più o meno in quel periodo che suo padre non accettando la linea delle prove di spettacolo in corso a Mosca, lasciò il Partito. Peter avrebbe preso una strada diversa. Dopo aver lasciato Harvard, si diresse verso New York City, dove iniziò la sua carriera di musicista, che lo portò a diventare l’incarnazione del cantante folk di sinistra.
Un compito che assunse con una rabbia e una passione trasformativa. Sotto l’esterno dolorosamente timido, modesto, apparentemente autolesionista, c’era una volontà di ferro”. Woody Guthrie, esprimendo una certa soggezione, insieme allo smarrimento, lo pose in un altro modo modo: “Non riesco a capirlo. Non guarda le ragazze, non beve, non fuma, il tipo è strano”. Comunque, di tutti i cantanti folk di questo mix, Pete Seeger fu tra i più impegnati e disciplinati. Di conseguenza fu quello con il bersaglio più grosso incollato alla schiena.

Come Seeger, Alan Lomax ebbe un costante amore per la musica, e mentre anche lui cantava, la sua particolare passione e il suo dono furono quelli di un collezionista di canzoni. Il padre di Lomax lo incoraggiò a frequentare Harvard, cosa che alla fine fece, anche se inizialmente andò all’Università del Texas, ad Austin. In ogni caso, era incredibilmente intelligente. All’età di diciassette anni si trasferì ad Harvard, entrando come studente del secondo anno. Fu ad Harvard nel 1932 che Lomax divenne politicamente attivo, fu arrestato per aver partecipato a una manifestazione a sostegno dell’organizzatrice del lavoro soprannominata “la Fiamma Rossa” che stava affrontando la deportazione in Polonia per aver tentato di organizzare i lavoratori tessili a Lawrence, Massachusetts. Nonostante abbia lasciato l’università dopo solo un anno, suo padre riuscì ad assicurargli un lavoro alla Biblioteca del Congresso. L’incarico, che assunse nel 1936, fu quello di Assistente Responsabile dell’Archivio della Biblioteca dell’American Folk Song. Sarebbe stata una mossa epocale, fu in quella posizione che riuscì a incoraggiare e promuovere artisti come Lead Belly, Woody Guthrie e Pete Seeger.
A parte Woody Guthrie, non c’è probabilmente nessun altro oltre a “Lead Belly” che abbia lasciato un’eredità più lunga da questo gruppo di cantanti folk anche se il repertorio musicale dei Ledbetter difficilmente si adatta bene alla categoria folk, che comprende blues, canzoni di lavoro, musica da cowboy e molto altro. Suo padre, John Wesley Ledbetter, era figlio di schiavi e si trasferì in Louisiana dal North Carolina qualche tempo dopo la fine della guerra civile. Fu in North Carolina che incontrò Sallie Pugh, si sarebbero sposati e avrebbero condiviso le responsabilità della mezzadria, un contratto agrario, un tempo assai diffuso. Fin dall’inizio, il giovane Huddie ebbe un’attitudine e una passione musicale che superò tutti quelli che lo circondavano. La leggenda di Lead Belly è impressa dalla sua permanenza nel penitenziario. Ledbetter arrivò per la prima volta in prigione nel 1918 per l’uccisione di Will Stafford, in un incidente che si disse ruotasse attorno a una donna. Non essendo chiari gli esatti dettagli, la storia racconta che Lead Belly, che era noto per portare una pistola, sparò a Stafford dopo una lite quando lui, Stafford e altri due uomini stavano andando a una festa nella contea di Bowie, in Texas. Di conseguenza, Lead Belly, sotto il nome di Walter Boyd, finì per scontare due anni nella Shaw State Prison Farm, prima di essere trasferito alla Central State Farm, la prigione nota come Sugarland. Rimarrà a Sugarland fino al suo indulto da parte del governatore del Texas nel 1925, E’ qui che Leadbelly molto probabilmente imparò la canzone tradizionale Midnigth Special.
Il secondo periodo in prigione di Ledbetter fu nel 1930, anche se questa volta sembra che il suo essere un uomo nero nel profondo sud ebbe molto più a che fare con le circostanze e gli esiti che non nell’incidente precedente. Molti dei fatti sono contestati, ma gli elementi del sistema Jim Crow sembrano essere fortemente attuati. L’uomo bianco, Dick Ellet, descritto dalla stampa come uno “splendido cittadino bianco” rispetto a Lead Belly, un “negro pazzo e ubriaco” fu pugnalato al braccio. Dopo essere stato portato nella prigione locale Lead Belly evitò per un pelo un linciaggio, perché i suoi carcerieri riuscirono a tenere a bada la folla. Se la cavò male in tribunale, tuttavia, ottenendo una condanna dai sei ai dieci anni nel famigerato penitenziario dell’Angola. Fu durante il suo periodo in Angola che Ledbetter incontrò John e Alan Lomax che visitarono la prigione per raccogliere canzoni. I Lomax avrebbero continuato a lavorare con Ledbetter per tutti gli anni Trenta e Quaranta.
Grazie alla sua collaborazione con il giovane Lomax, Ledbetter entrò in contatto con i cantanti folk di sinistra. Una delle sue canzoni più famose, “Bourgeois Blues“, ne dà il sapore. La canzone è un resoconto dell’esperienza di Lead Belly e di sua moglie Martha quando furono cacciati dall’appartamento di Lomax mentre i due, insieme alla professoressa Mary Barnicle della NYU, erano in città per registrare per lo Smithsonian.
Mentre Lead Belly non fu particolarmente politico, il fatto del “Bourgeois Blues” indica la confluenza unica di circostanze che avrebbero permesso la musica come la sua, di raggiungere un pubblico più ampio. Questo avrebbe avuto, col passare del tempo, profonde ripercussioni. George Harrison avrebbe poi detto: “Se non ci fosse stato Lead Belly, non ci sarebbe stato Lonnie Donegan; se non ci fosse stato Lonnie Donegan che ha registrato “Rock Island Line” di Lead Belly, non ci sarebbero stati i Beatles. Quindi, niente Lead Belly, niente Beatles “. A questo bisogna aggiungere che senza la comunità popolare di sinistra, l’arte di Lead Belly sarebbe stata in gran parte perduta nel mondo.
All’inizio del 1940, Woody Guthrie andò a New York City, e presto si incontrerà e si unirà ad artisti che la pensavano allo stesso modo e che da vari percorsi si trovarono anche nella più grande città degli Stati Uniti, la base più forte del Partito Comunista. Guthrie si era mosso su incoraggiamento dell’attore Will Geer che incontrò in California. Geer, poi apparso nello spettacolo di Broadway Tobacco Road, organizzò un concerto serale al Forrest Theater come benefit per il comitato californiano di John Steinbeck per il soccorso dei profughi del deserto.
Guthrie era uno degli artisti in programma per la serata, ed è qui che incontrò di buon auspicio Pete Seeger e Alan Lomax. Insieme a questi tre, lo spettacolo comprendeva Josh White, Burl Ives, zia Molly Jackson, Richard Dyer-Bennett e Lead Belly.
Questo fu il primo incontro di Guthrie con questi artisti, e il suo incontro con Pete Seeger in particolare portò a una collaborazione duratura, compresa la produzione di una delle canzoni più notevoli da portare avanti in quel periodo:
Union Maid (Pete Seeger, Si Kahn, Woody Guthrie)
C’era una volta una cameriera del sindacato, non ha mai avuto paura
Di teppisti e ginkink e di spie della compagnia e dei vice sceriffi che hanno fatto l’irruzione.
Si è recata alla sala del sindacato quando è stata convocata una riunione,
E quando i ragazzi della Legione si avvicinano
Ha sempre tenuto duro.
Oh, non puoi spaventarmi, io resto fedele al sindacato,
Mi attengo al sindacato, mi attengo al sindacato.
Oh, non potete spaventarmi, io sono fedele al sindacato,
Rimango fedele al sindacato fino al giorno della mia morte.
Questa cameriera del sindacato è stata saggia nei confronti dei trucchi delle spie della società,
Non poteva farsi ingannare da uno sgabello aziendale, organizzava sempre i ragazzi.
Si è sempre fatta strada quando ha colpito per avere una paga migliore.
Mostrava il suo biglietto da visita alla Guardia Nazionale
E questo è ciò che direbbe
Voi ragazze che volete essere libere, prendete un consiglio da me;
Trovatevi un uomo che sia un uomo del sindacato e unitevi all’ausiliario delle signore.
La vita matrimoniale non è difficile quando hai una tessera sindacale,
Un uomo del sindacato ha una vita felice quando ha una moglie del sindacato.
La scrittura di “Union Maid”, basata su una melodia di Robert Schumann, che esalta l’impavidità che deriva dall’avere un’unione, è l’aspetto storicamente più duraturo del viaggio che Seeger e Guthrie fecero in Oklahoma, mentre lo spettro dei teppisti che sconvolsero un incontro di attivisti fu un presagio di misure repressive per far atterrare presto a pieno regime i membri del Partito in Oklahoma. Molti compagni furono arrestati, processati, e condannati a dieci anni di carcere. Le condanne furono poi annullate nel 1943 durante la seconda guerra mondiale. Fu chiaro quindi che i servizi stavano monitorando Pete Seeger che dopo il viaggio, con Guthrie tornò a New York per pubblicare un libro di canzoni del lavoro.
All’inizio del 1941 formarono un gruppo, gli Almanac Singers. L’origine del nome derivò dall’osservazione di Lee Hays: “Da dove vengo io, una famiglia aveva due libri. La Bibbia per aiutarli ad andare all’altro mondo. L’Almanacco, per aiutarli ad attraversare il mondo attuale”.
I tre artisti/attivisti avrebbero a loro volta affittato un loft sulla dodicesima strada di Manhattan, soprannominato “Almanac House”.
La loro prima registrazione arrivata nel periodo antibellico del Partito fu l’album Songs for John Doe. Tra i suoi brani c’era “Washington Breakdown”, con Pete Seeger che cantava a Franklin Roosevelt, dicendo che non lo avrebbe mandato, come coscritto, dall’altra parte del mare. Seeger cantava anche la “C di coscrizione” diretta al Selective Security Act, la legge approvata dal Congresso nel settembre 1940 che impose a tutti gli uomini tra i ventuno e i trentacinque anni di età di iscriversi al servizio militare, con un conseguente progetto di legge che iniziava un mese dopo. La canzone che si riferiva alla legge come “quella maledetta legge” sollevò l’ira delle autorità, alcune delle quali hanno messo in dubbio la sua stessa legalità. Un’altra canzone, cantata da Josh White e Millard Lampell, impostata sulla melodia della vecchia rima del cortile della scuola “Billy Boy” e con lo stesso nome, ha portato a casa gli orrori della guerra contro un soldato immaginario di nome Billy.
Gli Almanacs avrebbero pubblicato Songs for John Doe sull’omonimo Almanac, etichetta, nonostante la Keynote Records, fondata nel 1940 dall’ex editore di New Masses Eric Bernay, essendo la loro attuale etichetta. La Keynote era un’entità politicamente carica, che si sentiva a proprio agio con il Partito Comunista nella misura in cui pubblicizzava regolarmente sul Daily Worker promuovendo cose come la musica del Coro dell’Armata Rossa e un album di canzoni popolari sovietiche. Nel 1941, tuttavia, Songs for John Doe non fu timbrato con l’etichetta Keynote presumibilmente a causa del suo contenuto controverso. Gli eventi avrebbero presto convalidato tale considerata cautela.
La prima grande performance del gruppo fu nel maggio 1941 al Madison Square Garden, in occasione di un raduno di ventimila operai in sciopero. Secondo i resoconti dello spettacolo, il gruppo fu ben accolto ma al di fuori della bolla degli attivisti non fu così. Lo stesso Seeger si confrontò in prima persona con questo gruppo nel Greenwich Village dopo aver eseguito una canzone che screditava Winston Churchill ma ricevette un’ondata di critiche soprattutto da una certa stampa: un articolo raccomandò di coinvolgere il Procuratore Generale degli Stati Uniti, con l’implicazione di un’azione penale e del carcere per coloro che cantavano tali canzoni. Per l’FBI non ci fu alcun dubbio sui Almanac Singers considerati un famigerato gruppo comunista.
Nel 2015 l’FBI pubblicò quasi duemila pagine di materiale memorizzato nei suoi file su Pete Seeger. All’interno di quel dossier ci sono i risultati di un’indagine condotta dalla Military Intelligence Division (MID) del Dipartimento della Guerra degli Stati Uniti che aprì un dossier su Seeger quando si arruolò nell’esercito nel 1943. Il dossier illustra non solo la notevole attenzione che gli viene rivolta, ma anche la diffidenza del governo nei confronti dei comunisti che entrano nell’esercito. Tra le cose che l’esercito fece per indagare su Seeger c’era l’intervista a suo padre, che disse agli investigatori che Pete era un cantante e un suonatore di banjo degli Almanac Singers, ed era molto attivo a Detroit e Michigan.
Il MID non fu particolarmente preoccupato per le capacità musicali di Seeger, ma per sua moglie. Seeger, che aveva sposato una donna giapponese americana, Toshi Ohta, attirò l’attenzione in particolare per una lettera che scrisse per protestare contro l’internamento giapponese allora in corso. Erano anche preoccupati che la relazione si rafforzasse a vicenda, e non in modo positivo. Riferiscono che le lettere tra i due – che stavano leggendo – “indicavano che sia il Soggetto che l’allora fidanzata erano profondamente interessati alle tendenze politiche, in particolare antifasciste, e che lei era membro di diverse organizzazioni comuniste infiltrate”. Il Sottotenente che scrisse il rapporto concludeva: “Il loro matrimonio probabilmente fonderà e rafforzerà le loro tendenze radicali individuali”.
Seeger si trovò in una posizione difficile, dato che la linea ufficiale del Partito Comunista fu quella di sostenere l’internamento dei Giapponesi-Americani perché “non voleva disturbare la coalizione delle forze antifasciste che si erano coalizzate intorno all’amministrazione Roosevelt durante la guerra”. Questa posizione fu la base per il Daily Worker nel 1943, che riferì di Kibei – Giapponesi-Americani nati negli Stati Uniti, ma istruiti in Giappone. Secondo il giornale, “fomentavano i problemi nei campi”. Tra i loro peccati, questo in un articolo di un giornale comunista, “interruzioni del lavoro, scioperi, rallentamenti nelle consegne del carbone, sprechi nell’amministrazione delle cucine e altri sabotaggi…”. Questo fu scritto su persone spogliate dei loro diritti e delle loro proprietà e messe in centri di detenzione. L’eredità del Partito comunista sulla detenzione dei giapponesi durante la seconda guerra mondiale è una di quelle macchie storiche che non si cancelleranno mai. A parte la questione del trattamento dei giapponesi, l’esercito interrogò anche Woody Guthrie, che sembrò desideroso di aiutare Seeger.
Nel 1944 Pete Seeger, assegnato all’isola del Sud Pacifico di Saipan, incaricato di risollevare lo spirito dei soldati feriti attraverso la musica, incontrò Mario “Boots” Casetta, un fan degli Almanac Singers. Mentre i due si misero a parlare, incubarono un’idea per “un’organizzazione a maglie larghe, una struttura dove la gente potesse riunirsi e stampare canzoni”. Il progetto prevedeva il coinvolgimento di Seeger e Earl Robinson per lanciare le cose a New York e Casetta per fare lo stesso a Los Angeles. Scagionato nel dicembre 1945, Seeger ampliò la visione a quella di un “movimento operaio canterino con decine di migliaia di cori sindacali”. Come ogni chiesa ha un coro, perché non ogni sindacato?”. Il gruppo avrebbe dovuto chiamarsi “People’s Songs”. Fu un’impresa traboccante di ottimismo, destinata a svolgersi in un mondo molto diverso da quello che si è materializzato sulla scia della seconda guerra mondiale.
Nel dicembre 1945 mentre infuriava una polemica nel Partito, un gruppo di artisti si riunì per dare inizio al sogno di Seeger di People’s Songs. Seeger scese nei particolari del progetto che lui e Boots Casetta avevano discusso a Saipan, articolandolo nell’edizione inaugurale del bollettino dei Canti popolari del gennaio 1946. La loro visione fu quella di “creare, promuovere e distribuire canzoni del lavoro e del popolo americano”. Attingendo a coloro che furono attivi nella scena popolare fin dai tempi degli Almanac, il suo comitato organizzatore comprese Lee Hays e Pete Seeger. Il suo comitato consultivo comprese, tra gli altri, Oscar Brand, Agnes Cunningham, Tom Glazer, Woody Guthrie, Lee Hays, Burl Ives, Millard Lampell, Bess Lomax, Walter Lowenfels, Earl Robinson, Betty Sanders e Josh White. Il motore al centro di tutto questo, però, fu Seeger. Come Woody Guthrie spiegò: “Pete Seeger proviene da una lunga stirpe di famiglie musicali a pelo corto…”
Pete è conosciuto soprattutto per gli Almanac Singers e per il suo lavoro di 24 ore al giorno negli uffici di People’s Songs, Peoples Artists, e per la grande mano che ebbe nel far uscire i bollettini di People’s Songs, i testi delle canzoni, le strisce per i film, e nel pianificare e gestire, provare la musica, i cori, così come una o due lezioni su come riparare gli strumenti musicali che si rompevano o che si sbattevano da qualche parte sul terreno di battaglia di qualche sindacato.
People’s Songs prese il via, attirando un migliaio di iscritti nel suo primo anno. Pubblicherà un bollettino trimestrale di notizie e trascrizioni musicali. Sviluppò anche un’agenzia di prenotazione separata, People’s Artists. Irwin Silber gestì la sua attività e organizzazione a New York, Boots Casetta fu il responsabile di Los Angeles. La filiale di Los Angeles, a differenza dei suoi confratelli di New York, sembrò avere un periodo più facile delle cose dal punto di vista finanziario, avendo ottenuto un successo sufficiente per pagare uno stipendio a Casetta per i tre anni in cui lavorò.
Fin dall’inizio, l’organizzazione fu fondata su una dottrina dell’arte agit-propaganda. La nozione tra i partecipanti non fu la musica come intrattenimento, seppur edificante, ma piuttosto “La mia canzone è la mia arma”, cioè l’arma nella lotta di classe. Un articolo su Peoples World mise direttamente le cose in chiaro: “Il business del fare musica fare un lavoro che molti e molti discorsi non sono in grado di fare. L’ironia è che, soprattutto dopo il 1947, gli artisti di sinistra “ebbero pochi contatti duraturi con i sindacati, tranne i sindacati radicali con la leadership comunista. Questo non fu un situazione che avrebbe migliorato il corso della vita di People’s Songs.

People’s Songs ebbe la posizione poco invidiabile di svilupparsi su un modello più aperto, in un momento in cui il Partito stesso era in preda alle turbolenze interne ed era incline a una posizione più dura. Seeger fu combattuto tra il suo desiderio di cantare o comporre e il suo dovere verso la disciplina politica. Suonando il banjo o facendo escursioni nei boschi, si ricordò della distruttività del razzismo, ma seduto a discutere del colonialismo nella Cintura Nera del Sud, a volte desiderò essere a casa con il banjo.
Questo particolare scambio suggerisce un cambiamento in corso nel Partito, che ebbe a che fare con una vecchia posizione che sosteneva il diritto all’autodeterminazione dei neri negli stati storicamente popolati da neri nel Sud, una posizione che il Partito mise da parte, ma che riemerse dopo la rimozione del leader. Fu un cambiamento che lasciò presagire lotte più nette a venire.
Nel “club di musica popolare” si discuteva spesso della direzione generale della rinascita della musica popolare in via di sviluppo e del ruolo dei Canti popolari e degli Artisti popolari in essa. Ma il processo decisionale in entrambe queste organizzazioni fu affidato completamente e unicamente ai membri, sia comunisti che non comunisti.
Tra l’ascesa di People’s Songs ci fu l’aggiunta di due artisti più giovani nell’ambiente dei cantanti folk di sinistra. Fu in questo periodo che Gilbert e Hellerman iniziarono a cantare con Seeger e Hays sotto il soprannome di “No-Name Quartet”, sebbene il Daily Worker si riferisse a loro come “People’s Songs new vocal quartet”.
All’inizio del 1947 il mondo del dopoguerra sarebbe stato molto diverso da quello pacifico immaginato dal Partito Comunista. Mentre l’Unione Sovietica lavorò per rafforzare ed estendere i suoi successi del dopoguerra, gli Stati Uniti si mossero per controllarli e ridurli, e il luogo chiave della contesa fu l’Europa. Il risultato sarebbe diventato la Guerra Fredda.
Nel 1947 l’amministrazione Truman tracciò una linea di demarcazione contro l’intervento sovietico in Grecia, dove infuriava una guerra civile con le forze comuniste da una parte e la Gran Bretagna e il governo greco appoggiato dagli Stati Uniti dall’altra. Con gli Stati Uniti che si mossero per sostenere la Grecia, intervennero anche per sostenere il governo della Turchia, che la Gran Bretagna non poteva più sostenere finanziariamente. Questo fu fatto per mantenere questi Paesi allineati con le potenze occidentali. Tutto ciò fu esposto nel discorso di Truman al Congresso nel marzo 1947, dove chiese 400 milioni di dollari per aiutare questi Paesi. Ne seguì il Piano Marshall, messo in atto per sostenere le economie dei paesi dell’Europa occidentale. Questo è stato fatto per arginare i pericoli del comunismo infondendo 12 miliardi di dollari in fondi (circa 140 miliardi di dollari di oggi). Da parte sua l’URSS, nell’ottobre 1947, istituì il Communist Information Bureau, un’organizzazione di partiti comunisti, e nel febbraio 1948, sostenne un colpo di Stato in Cecoslovacchia che portò al potere un governo filosovietico.
Qualsiasi unità rimasta tra Stati Uniti e URSS venne rapidamente sostituita dalla polemica, mentre si contendevano posizioni geopolitiche più vantaggiose.
Di fronte a tali eventi geopolitici in rapida evoluzione, gli Stati Uniti intrapresero un cambiamento per quanto riguarda la loro sicurezza interna.
Brecht, oggi considerato tra i più importanti drammaturghi del ventesimo secolo, fuggì dalla Germania di Hitler per rifugiarsi negli Stati Uniti, per poi dover fuggire dagli Stati Uniti per evitare ancora una volta le persecuzioni politiche. Riguardo all’infiltrazione comunista dell’industria cinematografica che la HUAC indagò nell’ottobre del ’47, furono interrogati una serie di personalità di spicco di Hollywood, tra cui direttori di studio come Walt Disney, Jack Warner e Louis B Mayer, insieme agli attori Ronald Reagan, Gary Cooper e Robert Taylor.
I più in vista, tuttavia, furono gli scrittori, una mossa tatticamente accorta da parte degli investigatori che concentrarono gli sforzi sugli intellettuali meno fotogenici, piuttosto che sugli amati attori. Mentre gli scrittori sarebbero stati il fulcro mediatico di questa impresa, la questione del comunismo come ideologia – e del perché fosse velenosa – fu il fulcro di fondo. La scrittrice Ayn Rand – con una notevole iperbole – offrì un esempio lampante:
“Provate a immaginare come ci si sente se si è in costante terrore dalla mattina alla sera e di notte si aspetta che suoni il campanello, dove si ha paura di tutto e di tutti, vivendo in un Paese dove la vita umana è niente, meno che niente, e lo si sa. Non sai chi o quando ti farà cosa, perché potresti avere amici che ti spiano…”
Il problema, allora, non fu che le idee comuniste entrassero nel cinema, ma piuttosto l’idea stessa dei comunisti che lavorarono nell’industria cinematografica. Le audizioni inviarono un messaggio a tutti nell’industria cinematografica, la forma culturale preminente negli Stati Uniti, di stare lontano dal comunismo o di affrontarne le conseguenze.
Alla fine degli anni settanta Imagine di John Lennon diventò senza ogni ombra di dubbio la canzone più amata di tutti i tempi. La canzone cattura Lennon che urla per un mondo più giusto ed è impossibile da evitare e perché diventò così profondamente radicata nella cultura tanto che il vero significato del brano si è perso nel tempo. In una intervista per Playboy Magazine, poco prima della sua morte nel dicembre 1980, John raccontò di aver ricevuto un libro di preghiere cristiane, un dono per lui e Yoko Ono, da Dick Gregory. Questo libro lo ispirò a scrivere il testo di Imagine. “Il concetto di preghiera positiva. Se riesci ad immaginare un mondo di pace, senza confessioni di religione, non senza religione ma senza questa cosa di Dio-è-più grande del tuo Dio, allora può essere vero. La Chiesa mondiale mi ha chiamato una volta e mi ha chiesto: Possiamo usare il testo di Imagine e cambiarlo in ‘Imagine one religion’?” Questo dimostrò che non lo capirono affatto. Avrebbe sconfitto l’intero scopo della canzone, l’intera idea. Tuttavia nonostante il concetto di unità, Imagine fu anche ispirata dal movimento comunista. Lennon in seguito confermò che le somiglianze tra i suoi ideali stabiliti nella canzone ed il comunismo furono davvero deliberate: “Immagina che non ci sia più religione, niente più paese, niente più politica, è praticamente il Manifesto comunista, anche se non sono particolarmente comunista e non appartengo ad alcun movimento”. Lennon inoltre affermò apertamente: “Sono sempre stato politicamente orientato, sai, e contro lo status quo. È piuttosto semplice quando sei cresciuto, come lo ero io, odiare e temere la polizia come un nemico naturale e disprezzare l’esercito come qualcosa che porta via tutti e li lascia morti da qualche parte. Voglio dire, è solo una cosa di base della classe operaia”. L’ex Beatle riuscì a far cantare il messaggio comunista che respira da ogni poro di Imagine a tal punto da far cantare persone di tutte le diverse ideologie politiche.
Questa è una testimonianza della sua grandezza non solo per le parole ma soprattutto la melodia così bella e contagiosa che immediatamente fa sembrare tutto migliore. Nessuno mise in discussione il testo allora ma se Imagine fosse stata pubblicata oggi, John Lennon sarebbe stato tacciato come un comunista da tutti i media ed evitato dalle persone che lo adorano.
Naturalmente l’omicidio di John Lennon resta ancora oggi una incognita per il semplice fatto che fu sorvegliato a vista, ottenne la cittadinanza americana nel 1975 dopo una prova di forza con le autorità che nel 1973 gli intimarono di allontanarsi dal paese.
Gli artisti non sono spesso intelligenti in politica. Sapevano molto poco dei pro e dei contro dei movimenti e dei partiti. Ma sono inclini ad avere sentimenti forti e quindi sono facili prede per chiunque faccia appello al senso di giustizia e di decenza.

Il 23 novembre 1952, il New York Times pubblicò un articolo che descriveva il successo dei test di un’arma termonucleare, nota come idrogeno o bomba ad idrogeno. L’articolo, che includeva una mappa dell’area metropolitana di New York, completa di un cerchio che comprendeva tutta Manhattan e un’enorme porzione di Brooklyn, Queens e New Jersey – indicando la portata dei danni che la nuova bomba poteva fare – definì il test “un importante passo avanti nel nostro programma di energia atomica”. Il tono concreto del profilo di un’arma così devastante sottolinea l’estremismo degli anni 1950-1952. In questo, gli attacchi al Partito Comunista, e gli attacchi associati ai cantanti folk, furono tanto feroci quanto inediti.

Almanac Singers 1940 circa
The Almanac Singers 1940
The Weavers, Pete Seeger, Fred Hellerman, Ronnie Gilbert e Lee Hays
Famiglia Seeger
Woody Guthrie a sinistra e Pete Seeger con il banjo
Pete e sua moglie Toshi
Un gruppo di amici si riunì ad una festa a New York, intorno al 1940. Da sinistra a destra, gli uomini sono Henry Cowell, Alan Lomax, Sonny Terry e Brownie McGhee. La donna con le spalle alla telecamera è Toshi Seeger. Collezione Bess Lomax Hawes
Bertolt Brecht
John Lennon

Imagine (J.Lennon)

Immagina non ci sia il Paradiso
è facile se ci provi
Nessun inferno sotto di noi
Sopra di noi solo il Cielo
Immagina che la gente
viva per il presente…Immagina non ci siano paesi
non è difficile da fare
Niente per cui uccidere o morire

e nessuna religione
Immagina che la gente
viva la loro vita in pace..

Puoi dire che sono un sognatore
ma non sono il solo
Spero che ti unirai anche tu un giorno
e che il mondo diventi uno…

Immagina un mondo senza possessi
mi chiedo se ci riesci
senza necessità di avidità o fame
Una fratellanza di uomini
Immagina che la gente
condividere il mondo intero…

Puoi dire che sono un sognatore
ma non sono il solo
Spero che ti unirai anche tu un giorno
e che il mondo viva come uno…

febbraio 17, 2020

Graeme Allwright, cantante umanista dalla carriera atipica, nous a quittés

IL cantante folk francese Graeme Allwright di origine neozelandese, noto soprattutto per aver adattato in francese molte canzoni di artisti folk americani, è morto domenica 16 febbraio a Seine-et-Marne, in Francia. Aveva 93 anni.

Grahem Alldwright

Grahem Alldwright con l’Autoharp

Cantante umanista dalla carriera atipica, Graeme Allwright ha introdotto i francesi alla protesta dei cantanti d’oltreoceano adattando Pete Seeger, Woody Guthrie e Leonard Cohen nella lingua di Molière. “Era un cantante impegnato nella giustizia sociale, un cantante che era un po’ hippie ai margini dello show-business, che si rifiutava di guardare la TV. “Ha cantato fino alla fine, amava stare sul palco”, ha detto uno dei suoi figli, Christophe Allwright.
“Donava inni ai mancini, agli scout, ai dog punk, ai centristi di sinistra… Ha regalato inni a sinistrorsi, scout, moriglioni, punk di cani, centristi di sinistra…”, ha riassunto su Twitter il giornalista e autore Bertrand Dicale, specialista della canzone francese, salutandolo come “benefattore dell’umanità”.

Nato a Wellington, Nuova Zelanda, il 7 novembre 1926, Graeme Allwright ha scoperto il jazz, i crooner e il folk ascoltando i programmi radiofonici della base militare americana nella capitale neozelandese. All’età di 22 anni, ha ricevuto una borsa di studio per frequentare i corsi di teatro a Londra, nella scuola fondata da Michel Saint-Denis, voce del programma della BBC “Les Français parlent au Français” e nipote del regista teatrale Jacques Copeau. Il giovane viene reclutato dal prestigioso Royal Shakespeare Theatre.
Ma, innamorato della figlia di Jacques Copeau, Catherine Dasté, rifiuta l’offerta e la coppia si trasferisce in Francia, vicino a Beaune. Graeme Allwright aveva fatto una moltitudine di lavori: bracciante agricolo, apicoltore, macchinista e decoratore per il teatro, insegnante di inglese, muratore, stuccatore, vetraio.

Ispirato da Brassens e Ferré, impara gradualmente la lingua francese e le sottigliezze del suo gergo, che utilizzerà ampiamente nei suoi adattamenti. Con il miglioramento del suo francese, torna sul palco, suonando nella troupe di Jean-Louis Barrault.
Solo a quarant’anni inizia a cantare. “Forse l’idea mi è venuta quando ho eseguito alcune canzoni di Brassens e Ferré durante un tour con un pezzo di Brecht troppo breve. Ho preso la chitarra e sono andato a cantare canzoni popolari americane e irlandesi al Contrescarpe cabaret, nel cuore del quartiere latino di Parigi, sette sere a settimana per le noccioline. La cantante Colette Magny notò la sua voce, tinta con un accenno di accento, e lo presentò a Marcel Mouloudji, che gli consigliò di scrivere una trentina di adattamenti e produsse il suo primo singolo Le Trimardeur (1965).
Toccato da Leonard Cohen, il suo repertorio protestante, antimilitarista e profondamente umanista risuona con le aspirazioni della gioventù francese dell’epoca. Petites boîtes (adattamento di Malvina Reynolds), Jusqu’à la ceinture (Pete Seeger), Qui a tué Davy Moore ? (Bob Dylan), Johnny (testo originale) e soprattutto Le Jour de clarté (Pietro, Paolo e Maria), il suo più grande successo, diventano inni del maggio 68.

Nel 1973 va a trovare Leonard Cohen all’Olympia e ne esce profondamente toccato dal misticismo e dalla sensualità del canadese, dal quale adatta numerosi testi (Suzanne, Les Sœurs de la miséricorde…). Ai suoi concerti ha suonato per le case affollate ed è diventato il primo concorrente di Hugues Aufray, un altro importatore di musica folk in Francia. Padre di quattro figli è noto anche per aver scritto nel 1968 la canzone natalizia per bambini Petit garçon, una versione francese di Roger Miller’s Old Toy Trains, e Sacrée bouteille (basata su Tom Paxton’s Bottle of Wine).
Graeme Allwright, un viaggiatore che ha paura del successo si allontana viaggiando attraverso l’Egitto, l’Etiopia, il Sud America e soprattutto l’India. Tra un viaggio e l’altro, torna in Francia, dove riprende i concerti. Nel 1980 condivide il palco con Maxime Le Forestier per una tournée, i cui proventi sono stati devoluti all’associazione Partage pour les enfants du tiers-monde.
Ha contribuito a rendere popolare la musica popolare in Francia”, ha detto il parigino Maxime Le Forestier, che si è tenuto in contatto con lui. “Amava camminare e cantare a piedi nudi”, ricorda anche Le Forestier, ricordando un uomo che era stato in contatto con lui per molti anni.

 

febbraio 14, 2020

Buffy Sainte-Marie, vincitrice del premio Allan Slaight Humanitarian Spirit Award per il 2020

La Settimana della musica canadese è lieta di annunciare Buffy Sainte-Marie come vincitrice del premio Allan Slaight Humanitarian Spirit Award per il 2020. Buffy sarà onorata per il suo lavoro degli ultimi 60 anni come musicista, attivista ed educatrice all’annuale Gala dei Canadian Music and Broadcast Industry Awards al Bluma Appel Theatre di Toronto giovedì 21 maggio 2020.

Buffy Sainte Marie

Buffy Sainte Marie

“ Buffy Sainte-Marie è il punto di riferimento per tutto ciò che rappresenta l’Allan Slaight Humanitarian Spirit Award”, (Gary Slaight, CEO e Presidente della Slaight Communications/Slaight Family Foundation). “Per lei, il successo mondiale e lo status di leggenda della musica non era un obiettivo personale, ma un’opportunità per cercare di riparare ai torti, un’opportunità per restituire al pianeta, e un’opportunità per alterare il corso della vita degli Indigeni attraverso l’educazione”.

Alimentata dalla sua dedizione alla musica, all’arte, alla filantropia, all’attivismo sociale e all’educazione, Buffy Sainte-Marie è attiva nell’industria musicale da quasi sessant’anni. Nata nel Saskatchewan, nella riserva della Piapot Plains Cree First Nation Reserve nella Qu’Appelle Valley, Buffy Sainte-Marie è stata adottata da genitori americani ed è cresciuta nel Massachusetts. Qui ha scoperto il pianoforte in giovane età e ha coltivato il suo talento per la musica componendo canzoni e imparando a suonare la chitarra. Quando è emersa sul palcoscenico musicale nell’era del folk negli anni Sessanta, stava già scrivendo diverse canzoni che sarebbero diventate dei classici internazionali del country, del rock, del jazz e del pop.

“ Siamo orgogliosi di partecipare a rendere omaggio a Buffy Sainte Marie per la sua generosità d’animo che dura da una vita”, ha dichiarato il presidente della Settimana della musica canadese Neill Dixon. “Ci sono poche stelle internazionali così saldamente radicate nelle loro radici e così impegnate a sostenere la loro storia culturale, sul palco e fuori. Una generazione di giovani delle First Nations istruiti e consapevoli deve ringraziarla per aver portato avanti questa storia”.

Buffy Sainte-Marie ha passato tutta la sua vita a creare, e la sua abilità artistica, i suoi sforzi umanitari e la sua leadership indigena l’hanno resa una forza unica nell’industria musicale. Nel 1969 ha realizzato i primi album elettronici quadrofonici vocali al mondo, Illuminations; nel 1982 è stata la prima indigena a vincere l’Oscar; ha trascorso cinque anni a Sesame Street, dove è diventata la prima persona ad allattare in televisione nazionale. È stata inserita nella lista nera e messa a tacere. Ha scritto standard pop cantati e registrati da Janis Joplin, Elvis Presley, Donovan, Celine Dion, Barbra Streisand, Joe Cocker e Jennifer Warnes. Ha scritto l’Universal Soldier, l’inno definitivo contro la guerra del XX secolo. È un’icona che tiene un piede saldamente piantato da una parte e dall’altra del confine nordamericano, nei territori non arresi che comprendono il Canada e gli Stati Uniti.

Nel corso della sua carriera, Buffy Sainte-Marie ha ricevuto innumerevoli premi e riconoscimenti per il suo lavoro creativo e umanitario. In particolare, Buffy ha ricevuto l’Academy Award, il Golden Globe Award e il BAFTA Film Award per aver composto il film An Officer and a Gentleman per la composizione del successo di “Up Where We Belong” del film “Un ufficiale e un gentiluomo”. È stata inserita nella Canadian Songwriters Hall of Fame, nella JUNO Hall of Fame e nella Canadian Country Music Hall of Fame. È anche Companion in the Order of Canada, e ha ricevuto il Governor General’s Performing Arts Award, il Free Speech in Music Award dell’Americana Music Association, il Charles de Gaulle Award, lo Screen Actors Guild Lifetime Achievement Award, il Gemini Award, i molteplici JUNO Awards, il Polaris Music Prize, due medaglie della Regina Elisabetta II, e innumerevoli dottorati ad honorem. Più recentemente, Buffy è stata premiata per il suo lavoro di attivista sociale ed educatrice con il premio Allan Waters Humanitarian JUNO Award, e l’International Folk Music Awards’ People’s Voice Award.

Buffy ha iniziato a sostenere la protezione della proprietà intellettuale indigena e degli artisti dallo sfruttamento quando ha fondato la Nihewan Foundation for Native American Education nel 1966. L’obiettivo della Fondazione era quello di incoraggiare gli studenti nativi americani a partecipare all’apprendimento e di promuovere la consapevolezza pubblica della cultura indigena. Da allora ha fornito a studenti e insegnanti borse di studio e formazione per insegnanti, nonché l’accesso ai programmi di base scritti all’interno delle prospettive culturali dei nativi americani che corrispondono ai National Content Standards. Più recentemente, Buffy ha focalizzato la sua attività di advocacy su The Creative Native Project, che cerca di responsabilizzare e ispirare i giovani indigeni a esplorare il campo delle arti creative e della produzione dal vivo, creando weekend artistici comunitari sotto la guida di mentori professionisti.

 

Buffy Sainte-Marie entra nel suo settimo decennio di premiata abilità artistica aggiungendo “autore pubblicato” al suo curriculum. Buffy ha recentemente scritto Hey Little Rockabye, un libro illustrato per bambini sull’adozione di animali domestici, ispirato dal suo amore per gli animali. Hey Little Rockabye è disponibile in tutto il mondo il prossimo maggio 2020 su Greystone Books.

La Settimana della musica canadese tornerà a Toronto dal 19 al 23 maggio 2020.

Ogni anno, la Slaight Communications e la Settimana della Musica Canadese premiano un artista canadese d’eccezione, in riconoscimento del suo contributo all’attivismo sociale e al sostegno delle cause umanitarie. Nel suo decimo anno, Buffy Sainte-Marie entrerà a far parte della celebre lista di destinatari che include: Gord Downie, Arcade Fire, RUSH, Sarah McLachlan, Chantal Kreviazuk & Raine Maida, Simple Plan, Bruce Cockburn, Bryan Adams e Nelly Furtado.

SU ALLAN SLAIGHT
Pioniere del rock and roll, Allan ha messo in mostra il suo talento imprenditoriale con la sua conoscenza della radio per creare la più grande società multimediale privata del Canada, la Standard Broadcasting Corporation Limited. Un’indiscussa entrata nella Broadcast Hall of Fame (1997), insignito di una laurea ad honorem in commercio presso la Ryerson Polytechnic University (2000), ha nominato un membro dell’Ordine del Canada (2001), insignito del Walt Grealis Special Achievement Award (2005) per il suo contributo alla crescita e allo sviluppo dell’industria musicale canadese, Allan ha anche mantenuto a lungo l’interesse per le congetture.

SULLA SETTIMANA DELLA MUSICA CANADESE
Giunta alla sua 38° edizione, la Settimana della musica canadese è il principale evento annuale di intrattenimento del Canada dedicato all’espressione e alla crescita dell’industria musicale, dei media e dell’intrattenimento del paese. Combina conferenze multiforme e ad alta intensità di informazioni, un’esposizione commerciale, premi e il più grande festival di nuova musica della nazione che si estende per cinque notti di spettacoli, con centinaia di band in vetrina in più di 40 locali di musica dal vivo nel centro di Toronto. Tutte le funzioni congressuali si svolgono presso lo Sheraton Centre Toronto Hotel, 123 Queen Street West a Toronto.

Premi canadesi per la musica e l’industria radiotelevisiva
21 maggio 2020 alle 19:00
Bluma Appel Theatre, Centro per le arti dello spettacolo di San Lorenzo
27 Front Street Est
http://cmw.net/awards/music-broadcast-industry-awards/

 

 

settembre 11, 2019

PREMIO MINERBI- Musica & Poesia – In omaggio al grande Maestro scomparso il 6 agosto 1997

Il Premio Marcello Minerbi – Musica & Poesia – 1a Edizione, è dedicato ai nuovi cantautori, interpreti e poeti sul tema unico scelto dall’organizzazione che nella edizione 2019 sarà: SOGNARE SOGNANDO. L’evento si svolgerà il 3 novembre 2019 all’Auditorium Hotel Villa Torretta Curio Collection by Hilton di Milano Sesto, via Milanese 3.
Per la sezione Musica, possono partecipare tutti i cantautori iscritti alla S.I.A.E. e gli interpreti residenti in Italia, con un brano inedito sul tema del concorso.
Il bando di partecipazione scade il 20 settembre 2019. Affrettatevi quindi ad inviare il materiale per garantirvi la partecipazione. L’iscrizione è completamente gratuita. Vi consiglio di leggere il Regolamento per il Bando.
Per ulteriori notizie telefonare a AMICI DELLA MUSICA 0291080322 o scrivere a peterpanagency@virgilio.it

Premio Marcello Minerbi

Per ricordare la figura di Marcello Minerbi sono sufficienti forse ricordare tre parole LOS MARCELLOS FERIAL. Canzoni come Cuanto calienta el sol, Sei diventata nera sono entrate nelle case degli italiani ma anche in tutto il mondo. Il famoso trio tutto italiano e non messicano come si era fatto credere allora (anni ’60) ha avuto un grande successo con Angelita di Anzio, canzone dedicata alla bimba di Anzio, trovata dalle truppe americane dopo lo sbarco nella seconda guerra mondiale, e La casa del sole, cover della celebre canzone folk statunitense di autore sconosciuto e cantata da Woody Guthrie, Pete Seeger e portata al massimo degli ascolti dagli Animals con un arrangiamento strepitoso.
I numerosi dischi dei Marcellos Ferial sono stati pubblicati dal 1963 al 1985 dalla nota casa discografica Durium. E’ proprio qui che la carriera di autore ed arrangiatore di Minerbi decolla con il primo disco del grande e compianto Claudio Lolli: Aspettando Godot. Ma sono molti gli artisti che devono molto alla creatività di Marcello come arrangiatore. Non faccio nessun altro nome ma di certo Minerbi ha saputo adattare le tonalità all’estensione vocale dei cantanti, modificando il timbro degli strumenti.
Dopo la scomparsa di Marcello Minerbi è rimasta una eredità musicale enorme. Lo sa bene chi lo ha conosciuto ed apprezzato. Nasce così questo Premio in omaggio al grande Maestro. La regia, la qualità artistica e la direzione saranno sicuramente eccellenti grazie all’interessamento del maestro Gerardo Tarallo, autore e music maker nei primi anni ’70 alla Durium ed apprezzatissimo da Marcello Minerbi, Pino Calvi, Tony de Vita e Armando Sciascia; oggi arrangiatore di artisti italiani e stranieri, autore di canzoni e sigle televisive, musica per spettacoli teatrali e trasmissioni radiofoniche, canzoni per bambini.
Per ulteriori notizie telefonare a AMICI DELLA MUSICA 0291080322 o scrivere a peterpanagency@virgilio.it

Gloria Berloso

aprile 9, 2019

THE WATER IS WIDE (TRADIZIONALE) by JOE DORSEY

“Sembra che il testo originale “Oh Waly, Waly, Waly” sia stato letteralmente stravolto dagli scrittori di tutte quelle latifoglie. Hanno sistematicamente spezzettato il testo di Ramsay così come quelli di altre canzoni correlate. Questi versi sono stati poi diffusi da canzoni come “The Unfortunate Swain”, “I’m Often Drunk”, “The Wheel Of Fortune”, “Forsaken Lover”, “The Effects Of Love” e quindi la gente li ha conservati nella loro memoria. Nel caso di “The Water Is Wide” il percorso di trasmissione è facile da seguire. All’inizio c’erano i testi di “Oh Waly, Waly, Waly, Gin Love Be Bonny” così come pubblicati da Allan Ramsay e William Thomson nel 1720, così come alcune altre canzoni stampate su latifondi nel XVII secolo come “The Seaman’s Leave…..”, “Arthur’s Seat Shall Be My Bed” e “Distressed Virgin” di Martin Parker. Alcuni versi di questi testi sono stati poi presi in prestito e inclusi in “nuove” canzoni come “The Unfortunate Swain” e “I’m Often Drunk And Seldom Sober” che sono stati pubblicati su popolari fogli di facciata durante la seconda metà del XVIII secolo e all’inizio del XIX secolo. Frammenti di queste canzoni furono ricordati dalla signora Cox, dal signor Thomas e dalla signora Mogg durante gli anni 1904 e 1906 per il collezionista di canzoni Cecil Sharp. Ha poi compilato il suo nuovo brano “vecchio” da quei frammenti e lo ha pubblicato come “Oh Waly, Waly” nel 1906 in Folk Songs From Somerset e nel 1916 in One Hundred Folk Songs.
Oh Waly, Waly” di Cecil Sharp è il punto di partenza per lo sviluppo del moderno “The Water Is Wide”. Si trattava in effetti di una nuova canzone costruita dalle reliquie di due canzoni popolari. Ha cercato di mettere insieme una versione “Folk” di “Oh Waly, Waly, Waly”, ma l’unico collegamento a quella vecchia ballata scozzese era che i creatori dei due testi di facciata stessi avevano cribbato uno o due versi di quella canzone. È interessante notare che i metodi di Sharp erano sorprendentemente simili a quelli degli scrittori di “The Unfortunate Swain” e di altre bordature. Avevano compilato le loro canzoni da versi presi in prestito da fonti diverse e sostenevano che era “nuovo”, mentre Sharp ha fatto esattamente la stessa cosa, ma ha preferito considerare il suo lavoro come una canzone “vecchia”. In realtà entrambi avevano ragione solo a metà. In qualche modo aveva involontariamente seguito le regole del genere. Un folclorista moderno non considererà la sua canzone come “autentica”, ma un autore professionista di canzoni del XVIII o XIX secolo e anche il canto “Folk” sicuramente non sarebbe stato infastidito dai suoi metodi”.
Testo e melodia ricordano una canzone altrettanto enigmatica “Carrickfergus”, la versione standard ridotta all’essenzialità è il lamento di un innamorato non più corrisposto, il mare che lo separa dall’altro può essere sia fisico (un emigrante che va a cercare fortuna in America) che spirituale (il mare dell’incomprensione) o la metafora di un ostacolo insormontabile (i marosi della vita). Ma si può trattare più semplicemente del raffreddarsi della passione da parte di uno dei due.
Qui nella versione di Joe Dorsey, autore e autodidatta musicista statunitense.

Joe Dorsey

Joe Dorsey

Autore: testi e video

Gloria Berloso

aprile 16, 2017

Ciao Bruce, Mister Tambourine Man di Gloria Berloso

Bruce Langhorne è stato uno dei più importanti chitarristi degli anni ’60, in particolare nei primi anni del folk-rock. Lui è più noto per aver suonato su i primissimi dischi di Bob Dylan, in particolare Bringing It All Back Home del 1965 ovvero l’anno del passaggio di Dylan dal folk al folk-rock. Tuttavia, ha suonato con numerosi musicisti folk-rock nella seconda metà degli anni sessanta, tra cui Tom Rush, Richard & Mimi Fariña, Richie Havens, Gordon Lightfoot, Eric Andersen, Fred Neil, Joan Baez, e Buffy Sainte-Marie. Inoltre ha suonato con alcuni altri strumenti in concerti dal vivo con Bob Dylan, Judy Collins, i Fariñas, e altri; ha prodotto Ramblin’ Jack Elliott.
Ha anche lavorato su alcune colonne sonore, tra cui “Il Mercenario” (The Hired Hand) di Peter Fonda.
Langhorne ha sviluppato uno stile personale spesso utilizzando rapide triplette di note. Lo stile è nato in parte a causa di un incidente da bambino dove ha perso alcune dita. L’incidente ha limitato la gamma di tecniche da lui conosciute, costringendolo a concentrarsi sul ruolo di accompagnatore. Quando è nato il folk rock, Langhorne ha usato una chitarra acustica con un pick-up, in esecuzione attraverso un amplificatore Fender Twin Reverb, che ha preso in prestito dal chitarrista (e compagno polistrumentista) Sandy Bull. Influenzato da Roebuck Staples degli Staple Singers, avrebbe creato un effetto tremolo a tempo con la canzone. Il risultato è stato un suono, sia acustico ed elettrico di colore, molto adatto al periodo in cui rock e musica popolare si sono fuse. Langhorne è diventato una parte della scena folk di New York nei primi anni ’60, dove ha iniziato come accompagnatore al cantante folk Brother John Sellers, al Folk City Club di Gerde. Come risultato della sua costante presenza al club, ha iniziato con numerosi musicisti del Greenwich Village e a trovare lavoro come accompagnatore sia dal vivo che in studio. Una delle sue prime sessioni di registrazione la troviamo nel primo album per la Columbia di Carolyn Hester nel 1961, una sessione che comprendeva anche un allora non conosciuto Bob Dylan all’armonica. Langhorne poi ha suonato su alcuni album di Dylan, The Freewheelin’ 1963 e “Mixed Up Confusion”.
La più grande la fama di Langhorne deriva dal disco Bringing It All Back Home 1965 soprattutto per “She Belongs to Me,” “Love Minus Zero / No Limit” e “Mr. Tambourine Man “. Nella copertina dell’Album, Dylan scrive che Langhorne è Mr. Tambourine Man: “‘Mr. Tambourine Man,”penso, è stato ispirato da Bruce Langhorne. Bruce ha suonato la chitarra con me in tantissimi primi dischi. Su una session, il produttore Tom Wilson aveva chiesto di suonare il tamburello. E Bruce aveva questo gigantesco tamburello, è stato davvero grande. Era grande come un carro a quattro ruote. Langhorne era molto più di una nota interessante nella carriera di Dylan, però. Nella metà e la fine degli anni ’60 è stato sempre in studio, aggiungendo particolarmente importanti contributi ai due album Vanguard di Richard & Mimi Fariña. Ha fatto altre apparizioni importanti nel primo album elettrico di Tom Rush, il primo album di John Sebastian, di Joan Baez  e numerosi altri LP. Ha anche prodotto il primo album major di Ramblin’ Jack Elliott, 1968 di Young Brigham. Dai primi anni ’70 la sua opera di session era diventata meno frequente, anche se ha continuato a lavorare sulle colonne sonore, come accompagnatore dal vivo, e co-gestione di uno studio di registrazione con Morgan Cavett.

Ciao Bruce!

Bruce Langhorne è morto il 14 aprile 2017 in un ospizio a 78 anni. Era nato a Tallahassee in Florida l’undici maggio 1938.

 

marzo 28, 2017

LEONARD COHEN di Gloria Berloso

Leonard Cohen

Leonard Cohen

Leonard se n’è andato, ci ha lasciato il 7 novembre. Lui certamente è stato un personaggio difficile da capire. La sua vita in parte è stata avvolta dal mistero, le sue azioni erano istintive ma ragionate, la sua poetica era difficile, ermetica, eppure riusciva ad esternare i pensieri con una semplicità geniale, la musica era ossessiva ed è rimasta penetrante, ogni volta che l’ascolti raggiunge istanti di tenerezza senza uguali. Sono quasi sicura che nel suo cassetto sono rimasti molti sogni, pura poesia ancora da scoprire. Non mi aspettavo la sua dipartita perché l’ho sempre visto con lo sguardo morbido, un po’ malinconico. Unico nello stile, nel modo d’essere, nell’amare.
Nativo di Montreal in Canada, si era subito immedesimato nella vita caotica delle metropoli americane: San Francisco, New York, pur continuando ad amare la semplicità delle cose, l’istintività di una vita primitiva, godendo del tepore del sole, dell’immensità del mare, della potenza delle montagne.

Leonard Cohen ha fatto parte, per molto tempo della intellighenzia americana molto criticata e respinta dalla destra politica più estrema, di quella generazione che aveva creato una nuova firma di protesta tra quegli intellettuali nati tra i sit-in, tra le letture pubbliche, tra i be-in, vivendo una vita celestiale e caotica insieme, fatta di giornate consumate fino all’alba, alla ricerca di qualcosa sempre più difficile da trovare, di viaggi avventurosi. Cohen era nato prima come poeta e poi, per una esigenza personale, era entrato nel mondo della musica, la sua però era essenziale, fatta di nervosi preziosismi, di liriche profonde. Tra i suoi più celebri libri di poesie scritti tra gli anni cinquanta e sessanta, voglio ricordare Let us compare mythologies del 1956, The spice-box of earth del 1961, Flowers for Hitler del 1964 e Parasites of Heaven del 1966.
Cohen si muoveva completamente a suo agio, nel mondo poetico di quegli anni specialmente quello americano che andava distruggendo ogni forma d’ipocrisia letteraria e tutto ciò contribuiva a rasserenare, anche se momentaneamente, il carattere di un uomo che viveva nel silenzio, in una sorta di morbido pessimismo, e soprattutto di chi era abituato a chiedersi in continuazione: “perché?” e non riusciva a trovare le risposte.
Tutti gli anni che hanno preceduto ideologicamente il 1965, data di uscita di “Beautiful losers”, il romanzo che lo impose negli Stati Uniti, sono stati una sorta di prezioso limbo, di anticamera dorata, di soddisfazioni primitive e più reali, vere. Il suo primo romanzo è stato pubblicato nel 1963 ed era intitolato The favourite game, che già metteva in luce la sua disponibilità, ad altre manifestazioni che rimanevano, però, attinenti alla poesia. Così, quando nel 1966, senza problemi è passato alla musica, nessuno si è stupito; era un altro sbocco per l’energia creativa che era sempre stata in lui. Si è proiettato nella musica come sempre a modo suo, le liriche parte vitale di Cohen poeta e di Cohen cantante o meglio cantore di situazioni di dolore, paure nascoste, solitudine, senso di colpa, sebbene senza vittimismi o atteggiamenti ironici, sempre impegnato al massimo e sempre attento ad esserlo prima con sé stesso e poi con gli altri. È questo che caratterizzava Cohen da qualsiasi parte lo si voglia mettere a nudo, lui ha vissuto per risolvere i suoi problemi, qualsiasi fosse il mezzo e il dopo, ha scritto, ha poetizzato, ha cantato, ha suonato per la felicità di un suo pubblico. Una chitarra che ha suonato senza posa, ossessiva, una voce roca e profondissima, oggi inimitabile, un sottofondo musicale curato da John Simon, ed ecco nascere The Songs of Leonard Cohen, il suo primo album. Dieci canzoni donate da Leonard di infinita bellezza come Suzanne, vibrante e intensissima, ripresa e cantata dalla grande Joan Baez, dove entra in scena il problema religioso con la gravità e la problematica riprese in molti altri suoi lavori. E Gesù era un marinaio quando camminava sulle acque … Cohen appare estremamente religioso, nel senso mistico e profondo della parola, con una autentica passione. È stato anche questo un suo modo di accettare e cercare di comprendere gli altri e ci è riuscito, a modo suo. Tutte le altre canzoni di questo album ma anche quelli pubblicati dopo, sono veramente tutti dei veri gioielli musica-poesia.
Ma ci sono anche brani non firmati da lui come The Partisan scritto nel 1944 da Hy Zaret e da Anna Marly, dove ha fatto entrare assieme alla chitarra, quasi in sordina, una armonica. Da brivido!
Le sue interpretazione sono sempre state robuste e vigorose, ha sempre avuto il bisogno di chiarezza e di giustizia, per lui essenziali per un uomo senza doppi sensi, preso da sentimenti senza mezze misure: vivere o morire, ridere o piangere, credere o no, amare o odiare. Questa è stata la lezione che gli ha insegnato la vita e così, come il partigiano insofferente delle frontiere che schiavizzano gli uomini.
Cohen ha abbandonato la falsità e l’ipocrisia di una nazione che sono insediate negli uomini di città, e se n’è andato a vivere la sua vita primitiva e paradisiaca nell’isola greca di Idra, dove ha cercato di essere più che sé stesso. Nell’album del 1971 Songs of love and hate, le canzoni dell’amore sono state pensate per la gente che ama, e le canzoni dell’odio per chi non potrà mai capirlo. L’intensità della sua voce ha rappresentato la modernità nel panorama musicale e del mondo culturale pur restando ancorato nell’antichità dei salmi che venivano accompagnati dalla cetra.

Tutti gli uomini saranno marinai finché il mare non li libererà. Ma egli stesso fu spezzato molto tempo prima che il cielo si aprisse, dimenticato, quasi umano sprofondò come una pietra. E tu vuoi viaggiare con lui e tu vuoi viaggiare cieco e tu pensi che forse crederai a Lui perché ha toccato il tuo corpo perfetto con la tua mente”.

I suoi sogni li ha raccontati per addormentarsi!

Gloria Berloso

2a pubblicazione
Cit. “Suzanne” (Leonard Cohen), Silva

ottobre 25, 2016

BOB DYLAN: con il Nobel o no è il poeta Dylan acclamato da milioni di persone

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Bob Dylan è per la musica quello che Jack Kerouac è per la letteratura, un’altra dichiarazione forte e volutamente difficile da difendere per iniziare con una rubrica dedicata al “marchio” del premio Nobel per la letteratura! Tuttavia la dichiarazione nell’analogia ha un senso diverso. Nel corso degli anni sessanta e settanta, la musica e la letteratura hanno marciato vicine, si sono incontrate e sono diventate inscindibili: non si può capire “On the Road”, senza il bee-bop jazz, né si è in grado di capire la letteratura del XX secolo senza le lettere di Dylan. D’altra parte, Dylan è parte di una vera e propria esperienza che ha cambiato la concezione della vita di milioni di persone: la letteratura beatnik, le poesie di Allen Ginsberg, la musica, i viaggi lunghi senza destinazione negli Stati Uniti d’America, la droga, San Francisco, le vite spezzate, gli hippies, le manifestazioni contro la guerra. Bob Dylan è una particolare forma di letteratura; è un autore-personaggio, che fa e simboleggia un momento di vita per milioni di persone.

Esplorando tensioni e contraddizioni, non c’è dubbio che Bob Dylan è una figura centrale di una generazione e di un immaginario culturale che ha provato a cambiare il mondo, ma non ci è riuscito. Pertanto, qualsiasi cenno che dica che Dylan è simile a Sartre è stato preannunciato precedentemente nel 1964. Sartre ha convertito e radicalizzato percorsi verso posizioni rivoluzionarie marxiste molto chiaramente e quindi respinto il premio Nobel per evitare di diventare una “istituzione”. Il caso di Dylan è un po’ diverso: per anni è già un istituto de facto, in grado di influenzare come pochi, ammirato e accettato da tutto il mondo della musica. Le canzoni di Dylan sono diventate una tradizione americana come il Giorno del Ringraziamento. Tuttavia, la sua istituzionalizzazione simboleggia come nessun altro, la profonda impronta dell’onda rivoluzionaria degli anni ’60 e, allo stesso tempo, la conseguente normalizzazione. Bob Dylan stesso è stato sempre un po’ cinico con il suo ruolo di icona radicale, auto definendosi un ribelle contro la ribellione.
Nel suo primo e unico anno presso l’Università del Minnesota, Dylan ha partecipato a diverse riunioni del Socialist Workers Party, il partito trotskista guidato da James Cannon, si considerava un semplice successore di Woody Guthrie, il cantante comunista, che con la sua chitarra voleva “uccidere i fascisti”. Gli eredi di Guthrie hanno acquisito la semplicità nella musica popolare e artigianale. La mossa di rifiutare l’elettrificazione della musica, e di usare una chitarra acustica per sostenere i lavoratori e le lotte studentesche è chiamata anticapitalismo romantico da Michael Lowy. Dylan è stato in grado di crescere in questo mondo, ma di rompere con lui per far avanzare il “movimento reale”, creando quella sintesi virtuosa tra tradizione e modernità, più tardi conosciuta come folk-rock. Non senza tensioni, per inciso, con il movimento popolare nei settori più ortodossi. A Newport nel 1965, Dylan ha suonato la sua chitarra elettrica per la prima volta e Pete Seeger, indignato per tale eresia, ha minacciato di tagliare il cavo della chitarra con un’ascia.

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Bob Dylan e Pete Seeger

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Woody Guthrie

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Phil Ochs

 Il passaggio di Bob Dylan dalla chitarra acustica all’elettrica, significa anche un cambiamento nelle questioni affrontate nelle sue canzoni. Dylan è più incline a creare inni e alla critica politica come l’altro autore politico Phil Ochs, Dylan va avanti per affrontare i problemi esistenziali di una generazione, orientata più verso quel settore giovanile che ha preferito andare ai macro-festival che nell’esercito militare della SDS. Nel corso degli anni ’60 e ’70 c’era una tensione che ha attraversato tutto il movimento giovanile tra il “rivoluzionario” e l’”esistenzialista” che, anche se si sono riuniti in un forte rifiuto del capitalismo e dell’imperialismo, hanno scelto modi diversi di lotta. Mentre i “rivoluzionari” hanno sostenuto la resistenza armata della resistenza vietnamita contro l’invasore americano, gli “esistenzialisti” semplicemente hanno manifestato contro la guerra. Norman Mailer ben descrive questo conflitto nel suo romanzo “Le armate della notte”.

Dylan è il primo artista di culto e di massa: i suoi testi combinano elementi tradizionali della cultura americana con avanguardie europee. Simboleggia come nessun altro l’emergere di una particolare classe media, nata dopo la guerra, e che si autodefinisce come “intellighenzia” di tipo nuovo, sempre alla ricerca di sovversioni provenienti dal basso, ma pronta a costruire le aspirazioni di vita all’interno di un capitalismo dinamico e ricco di opportunità.

Con questo premio Nobel, l’istituzione culturale riconosce apertamente la mutazione culturale che è nata negli anni ’60, non può più pensare l’arte come qualcosa di indipendente dalla società dei consumi, ma come qualcosa che deve connettersi con i desideri delle masse. Non possiamo più pensare all’arte al di fuori delle aspirazioni culturali delle masse; Dylan certamente ha significato più come poeta per milioni di persone. Non possiamo pensare che la musica di Mozart sia l’unico culto, dimenticando Bob Dylan. Non possiamo pensare di seguire la massa e ascoltare solo Justin Bieber e dimenticare Dylan, mentre milioni di adolescenti stanno scoprendo che i loro problemi esistenziali sono gli stessi di quelli dei loro genitori. Infine, non possiamo dissociare Ginsberg da Dylan: entrambi erano poeti. Il genio di Dylan ha aggiunto una chitarra e con più abilità ha creato questo ibrido nato tra cultura d’élite e la cultura di massa nel tardo capitalismo. Sullo sfondo, il premio Nobel riconosce solo una realtà, che “i tempi stanno cambiando” e i confini tradizionali dell’arte non possono essere definiti solo dall’accademia.

Con il Nobel o no, egli è il poeta Dylan acclamato da milioni di persone, in un momento di culto e popolare. Il premio Nobel per la letteratura a un poeta popolare rompe paradigmi e fa scuotere le ragnatele di un premio d’élite.
Mestamente, vedo che l’umanità egocentrica, mediocre e classista, continua a ritmo sostenuto verso l’autodistruzione. Non abbiamo imparato nulla sulla vita e la storia. Lo spettacolo dell’orrore non ha la capacità di reagire. Ci accontentiamo di vivere nella nostra bolla per sentirci al sicuro e privo di responsabilità collettive. Prendo atto ancora una volta che noi siamo la peggiore piaga che ha abitato la terra. E sì, l’Accademia aiuta solo le persone a mostrare ciò che realmente sono!

Gloria Berloso

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febbraio 29, 2016

Una canzone può cambiare la sorte di una persona?

Nella storia della musica ci sono molte canzoni che hanno segnato l’esistenza dei loro autori. Cercherò di ricordarne alcune che hanno avuto riscontro in una parte di pubblico soprattutto giovanile, sensibile e pacifista.
Senza andare in ordine nel tempo ma riferendomi agli anni sessanta e settanta, mi vengono in mente le canzoni che maggiormente sono entrate nel cuore e nella mente di milioni di persone in tutto il mondo e non sono più uscite. Naturalmente mi riferisco a quei brani che in maniera decisa si scontravano con il pensiero politico, la guerra, il razzismo, la libertà di pensiero.
Tutti sappiamo che i maestri, allora censurati, combattuti, perseguitati sono stati ancor prima degli anni sessanta, Woody Guthrie e Pete Seeger. E proprio da una ballata di Arlo Guthrie, figlio di Woody che vorrei partire. La canzone, lunga 18 minuti, racconta la storia vera di Arlo, arrestato nel novembre del 1965 in un centro di reclutamento a Manhattan, dopo una visita psichiatrica per verificare i requisiti militari e la capacità conseguente di uccidere bambini, violentare donne e sterminare interi villaggi.

Arlo Guthrie

Arlo Guthrie

La canzone è naturalmente Alice’s Restaurant scritta nel 1967 e alla quale si ispira l’omonimo film del 1969 di Arthur Penn, che diventa molto popolare tra i figli dei fiori ma anche un punto di riferimento, per il dialogo, la libertà e la fraternizzazione. Per chi non lo sapesse il ristorante si trovava in una chiesa sconsacrata di Great Barrington nello stato del Massachusetts.
Un’altra canzone che dovrebbe essere riascoltata spesso e nel tempo è sicuramente Ohio, scritta da Neil Young e pubblicata come singolo nel 1970 da Crosby, Stills, Nash & Young. Il brano racconta quanto avvenuto nel campus della Kent University nello stato dell’Ohio il 4 maggio 1970, quando la Guardia Nazionale sparò ad altezza uomo contro i manifestanti, uccidendo quattro studenti. Il governatore d’allora ne chiese l’immediata censura ritenendola un incitamento alla violenza. Forse molti non sanno che la Guardia Nazionale era una forza militare di riserva e fu utilizzata proprio negli anni sessanta e settanta contro le manifestazioni studentesche. Alla Guardia Nazionale facevano soprattutto parte i figli privilegiati di una ben determinata classe sociale e in questa maniera non venivano arruolati nell’esercito in partenza per il Vietnam.


Young affermò nelle note interne dell’antologia Decade del 1976 come i disordini alla Kent State University fossero stati “probabilmente la più grande lezione mai ricevuta circa la violazione dei diritti civili su suolo americano”, e ricordò che David Crosby pianse quando finirono di registrare il brano.
Dopo questa canzone, il movimento statunitense di controcultura considerò C.S.N.Y. dalla propria parte, dando ai quattro musicisti lo status di leader e portavoce delle istanze libertarie del movimento contestatario per tutto il decennio successivo.
Un’altra canzone scritta per diretta esperienza della sua autrice Joan Baez, è Where Are You Now, My Son? Una chiara e netta denuncia alle bombe sganciate dai suoi connazionali nel dicembre 1972 ad Hanoi. Le urla di una madre che sembra canti mentre dice I miei figli, i miei figli, dove siete ora figli miei? I suoi figli erano da qualche parte, in una tomba di fango e lei come un vecchio gatto li cercava dove li aveva visti prima delle bombe.
Questa canzone e la registrazione diretta sul luogo del massacro provocarono una reazione tale nella destra statunitense tanto che Joan Baez già perseguitata per anni, e incarcerata nel 1967 dove partorì suo figlio nel 1969, continuò ancora di più il suo impegno contro la guerra.

JOAN BAEZ

JOAN BAEZ

Nel 1969 uscì un album con una ballata che occupava tutto il lato B del disco. S’intitolava Monster e fu considerato un capolavoro assoluto degli Steppenwolf, gruppo formato da John Kay (voce) e da Jerry Edmonton (batterista). Anche questo brano era lungo venti minuti circa e ripercorreva la storia degli Stati Uniti con l’arrivo dei profughi religiosi che rubavano la terra ai nativi per costruire la grande nazione e raccontava degli abusi, della corruzione, della guerra civile.
La musica di John Kay ha sempre avuto un sottofondo di coscienza sociale. Da ragazzo fuggì dalla Prussia Orientale con la madre e successivamente seguì la strada del Rock’n’roll mentre ascoltava la radio delle forze armate degli Stati Uniti nella Germania Ovest. Queste prime esperienze lasciarono un segno indelebile su Kay e aprirono la strada ad un impegno per la musica potente e testi significativi. Questo impegno fu cementato nel 1965, quando Kay partecipò ad un seminario di canzoni d’attualità al Newport Folk Festival con Bob Dylan e Phil Ochs. La musica degli Steppenwolf diventò la colonna sonora della guerra del Vietnam e Monster l’inno dei manifestanti.

Steppenwoolf

Steppenwoolf

Un’altra canzone che segnò la vita di John Lennon, componente dei Beatles e baronetto inglese, fu sicuramente Give Peace a Chance nel 1969. Il brano che divenne un messaggio universale di milioni di persone in ogni parte del mondo, cantato nelle manifestazioni pacifiste assieme alla già celebre We Shall Overcome. La vita di Lennon dopo lo scioglimento con i Beatles e il trasferimento negli Stati Uniti cambiò radicalmente. Costretto nel nuovo paese per i suoi ideali politici, iniziò proprio con questa canzone ed in seguito con Imagine e molte altre, una crociata pacifista contro la guerra in Vietnam. Iniziò inoltre a difendere i musicisti dai predoni delle case discografiche aderendo al Rock Liberation Front, a solidarizzare con Le Pantere Nere, a partecipare ai raduni, a deprecare la repressione violenta nelle carceri con la canzone Attica State, a condannare il colonialismo britannico nell’Irlanda del Nord. Con Yoko Ono condusse una battaglia assolutamente storica ma ebbe vita molto dura dato che fu spiato fino alla sua morte avvenuta nel dicembre del 1980 ad opera di un pazzo che gli ha sparato. Naturalmente questo omicidio resta ancora oggi una incognita per il semplice fatto che Lennon fu sorvegliato a vista, ottenne la cittadinanza americana nel 1975 dopo una prova di forza con le autorità che nel 1973 gli intimarono di allontanarsi dal paese.

John Lennon

John Lennon

Una canzone che cambiò la vita al suo autore fu nel 1969 Le Métèque, tradotta in italiano da Bruno Lauzi con l’assistenza del suo autore Moustaki stesso che l’italiano lo parlava in casa da piccolo, essendo la sua una famiglia di ebrei sefarditi originari di Corfù, isola greca ionica dove però l’italiano era lingua corrente e storica. Métèque in italiano si traduce con meticcio. Nell’antica Atene i meteci erano gli stranieri greci residenti nelle città dell’Attica per un periodo determinato. Questi stranieri erano obbligati a iscriversi ad una lista, avere un protettore e pagare una tassa. Nella tripartizione delle classi, i meteci stavano in mezzo tra i cittadini e i non liberi.
George Moustaki con questa canzone volle rispondere ad una amica che lo aveva chiamato appunto métèque, non riconoscendolo francese puro ovvero immigrato. La canzone quindi nascondeva un significato profondo, diventò un inno all’essere straniero con la semplicità delle parole al fine di farsi capire meglio alla donna che lui desiderava.
Nacque un capolavoro.
Moustaki aveva la gran dote dell’intelligenza e dell’equilibrio e continuò rigorosamente la sua strada senza scendere a compromessi ideologici e commerciali, non preoccupandosi di scontentare coloro che lo avevano esaltato, per seguire solamente il suo istinto, la sua vena.
Ancora oggi la maggior parte della gente ricorda Lo Straniero:

Geoge Moustaki

George Moustaki

CON QUESTA FACCIA DA STRANIERO
SONO SOLTANTO UN UOMO VERO
ANCHE SE A VOI NON SEMBRERA’
CON GLI OCCHI CHIARI COME IL MARE
CAPACI SOLO DI SOGNARE
MENTRE ORAMAI NON SOGNO PIU’
META’ PIRATA META’ ARTISTA
UN VAGABONDO UN MUSICISTA CHE RUBA
QUASI QUANTO DA’
CON QUESTA BOCCA CHE BERRA’
DA OGNI FONTANA CHE VEDRA’
E FORSE MAI SI FERMERA’
CON QUESTA FACCIA DA STRANIERO
HO ATTRAVERSATO LA MIA VITA
SENZA SAPERE DOVE ANDARE
È STATO IL SOLE DELL’ESTATE
E MILLE DONNE INNAMORATE A MATURARE LA MIA ETA’
HO FATTO MALE A VISO APERTO
E QUALCHE VOLTA HO ANCHE SOFFERTO
SENZA PERO’ PIANGERE MAI
E LA MIA ANIMA SI SA
IN PURGATORIO FINIRA’
SALVO UN MIRACOLO ORAMAI
CON QUESTA FACCIA DA STRANIERO
SOPRA UNA NAVE ABBANDONATA
SONO ARRIVATO FINO A TE
E ADESSO TU SEI PRIGIONIERA
DI QUESTA SPLENDIDA CHIMERA E
DI QUESTO AMORE SENZA ETA’
SARAI REGINA E REGNERAI
LE COSE CHE TU SOGNERAI
DIVENTERANNO REALTA’
IL NOSTRO AMORE DURERA’
PER UNA BREVE ETERNITA’
FINCHE’ LA MORTE NON VERRA’
IL NOSTRO AMORE DURERA’
PER UNA BREVE ETERNITA’
FINCHE’ LA MORTE NON VERRA’

In questo articolo ho descritto le mie conoscenze personali nell’intento di risaltare un contenuto sociale ancora indistinto, da trovare e ricercare in certi momenti per uscire dal groviglio psicologico della mia educazione mai sinceramente definita per posarsi su constatazioni di sofferenze umane e di dolore.

Gloria Berloso

Gloria Berloso

luglio 31, 2015

BLOWIN’ IN THE WIND by Gloria and Ricky

BLOWIN’ IN THE WIND

Quante strade deve percorrere un uomo
Prima che lo si possa chiamare uomo?
Sì, e quanti mari deve sorvolare una bianca colomba
Prima che possa riposare nella sabbia?
Sì, e quante volte le palle di cannone dovranno volare
Prima che siano per sempre bandite?
La risposta, amico, sta soffiando nel vento
La risposta sta soffiando nel vento

Quante volte un uomo deve guardare verso l’alto
Prima che riesca a vedere il cielo?
Sì, e quante orecchie deve avere un uomo
Prima che possa ascoltare la gente piangere?
Sì, e quante morti ci vorranno perché egli sappia
Che troppe persone sono morte?
La risposta, amico, sta soffiando nel vento
La risposta sta soffiando nel vento

Quanti anni può esistere una montagna
Prima di essere spazzata fino al mare?
Sì, e quanti anni la gente deve vivere
Prima che possa essere finalmente libera?
Sì, e quante volte un uomo può voltare la testa
Fingendo di non vedere?
La risposta, amico, sta soffiando nel vento
La risposta sta soffiando nel vento

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Nel 1989 cadeva il muro di Berlino, nel 2004 cadeva il muro confinario che divideva Gorizia (la mia città) dalla Slovenia. Nel luglio del 2015 in Ungheria verso il confine serbo si è costruito il muro anti migranti.
È incredibile ma l’uomo non ha proprio memoria della storia. Si, perché ogni barriera, ogni muro, ogni reticolato hanno sempre separato e allontanato le persone con idee e culture diverse; nel tempo questi “muri” hanno sempre avuto un giudizio negativo da chi immaginava e pensa oggi ad un mondo libero. Tutte le persone da sempre si muovono e il futuro vedrà sempre più la mescolanza di etnie, un fenomeno che non può che essere positivo dato che genera esseri che portano in sé quelle preziose diversità che possono modificare nei secoli le civiltà. D’altronde la storia ci ha insegnato che è sempre andata così. Come è possibile che la nostra cultura attuale porti a chiuderci in un recinto! Questa è una involuzione dell’uomo e credo sia pericolosa anche nel nostro quotidiano vivere. Ci vogliamo chiudere tutti dentro le nostre case, cosa raccontiamo alle generazioni successive? Che siamo difronte ad un nemico invisibile? Questi sono i muri eretti dall’indifferenza e prodotti dall’ignoranza e da idee politiche che non hanno radici storiche.
Stiamo vivendo un periodo senza dubbio molto difficile ed ognuno di noi ha il dovere ma anche il diritto di trasformare le cose cattive in buone. Certamente alzare un muro, sparare contro i nostri simili, affamare i popoli sono atti cattivi e nessuno può essere cieco davanti alle tragedie.
La canzone che io e Ricky Mantoan abbiamo scelto per interpretare la nostra fiducia nella pace è Blowin in the Wind scritta da Bob Dylan molti anni fa.

Quanti anni può esistere una montagna
Prima di essere spazzata fino al mare?
Sì, e quanti anni la gente deve vivere
Prima che possa essere finalmente libera?
Sì, e quante volte un uomo può voltare la testa
Fingendo di non vedere?
La risposta, amico, sta soffiando nel vento
La risposta sta soffiando nel vento

Questa interpretazione, completamente arrangiata da Ricky Mantoan ed eseguita vocalmente da Gloria Berloso e dallo stesso Ricky nelle parti corali, è un esempio di cambiamento non certo per migliorare i suoni ed il testo di Dylan che è perfetto in tutte le sue parti, ma per far comprendere che le cose belle hanno una possibilità di allargare gli orizzonti per creare bellezza ulteriore. Una canzone è la nostra seconda voce ed ha un valore aggiunto per chi può e vuole ascoltare tutte le voci, senza muri e senza barriere.

Gloria Berloso, vocals
Ricky Mantoan, vocals, tutti gli strumenti, arrangiamenti