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febbraio 22, 2014

PETE SEEGER: “La penna è più potente della spada . Beh , la mia unica speranza è che la chitarra diventi più potente della bomba “

Pete SeegerRisalgo con il ricordo ad anni che oramai mi appaiono proiettati in lontananza, immersi in una luce quasi crepuscolare: il tempo macina in fretta. La vita percorsa è tanto lunga che quando mi riporta oggi col pensiero alla situazione di allora ho quasi l’impressione di tornare indietro; anche la fantasia stenta a concepire la possibilità di una scelta, di un’alternativa che allora sembrò offrirsi.

Gli Americani cercarono di attuare, con alcune restrizioni, l’incerto concetto di democrazia, soggetto sempre al pericolo di scadere in vuota formalità, introducendo determinati divieti e determinate disposizioni, ma concedendo per il resto ampio margine di manovra, che, invece, fu ben presto negato dai Russi.. Per quanto profonda fosse la preoccupazione di chi avvertiva la necessità di chiarire il proprio destino e quello degli altri uomini, prevalse generalmente il desiderio insopprimibile di tornare a costruire e a godere, a trascorrere in serenità l’incipiente periodo di pace, lungo o breve che fosse. E questo desiderio ebbe libero corso.

Pete Seeger, l’avvocato della pace, il cantautore con il banjo ha cantato la sua ultima strofa terrena su un letto d’ospedale a New York. Tutti i suoi novantaquattro anni li ho percepiti e accolti con “Turn, Turn, Turn”: Per ogni cosa c’è il suo momento, il suo tempo per ogni faccenda sotto il cielo. C’è un tempo per nascere e un tempo per morire, un tempo per piantare e un tempo per sradicare le piante. Un tempo per uccidere e un tempo per guarire, un tempo per demolire e un tempo per costruire. Un tempo per piangere e un tempo per ridere, un tempo per gemere e un tempo per ballare. Un tempo per gettare sassi e un tempo per raccoglierli, un tempo per abbracciare e un tempo per astenersi dagli abbracci. Un tempo per cercare e un tempo per perdere, un tempo per serbare e un tempo per buttar via. Un tempo per stracciare e un tempo per cucire, un tempo per tacere e un tempo per parlare. Un tempo per amare e un tempo per odiare, un tempo per la guerra e un tempo per la pace.  La profondità dei versi si presta a una miriade di interpretazioni, ma l’accezione principale che viene attribuita a questa canzone è quella del messaggio pacifista, sottolineato in particolare dal verso finale – l’unico attribuibile al compositore Seeger – che recita: a time for peace, I swear it’s not too late (un tempo per la pace, io giuro che non è troppo tardi).

Pete Seeger at the House

Pete Seeger at the House

Pete Seegerpete-seeger-festival-ny-1966

Con la canzone rivisitata e musicata da Seeger,”If I Had a Hammer“, su testo di Lee Hays , scritta nel 1949 ma depositata con copyrigth solo nel 1958 e il gruppo The Weavers, un quartetto organizzato nel 1948, Seeger ha contribuito a preparare il terreno per un folk revival nazionale. La canzone che può essere suonata a ritmo di surf rock oppure country rock ha una valenza prettamente politica essendo stata composta a sostegno del movimento progressista d’America. Si tratta di una delle prime canzoni di protesta della stagione del pacifismo e della contestazione contro la discriminazione razziale. Venne infatti eseguita collettivamente nel 1963 durante la marcia per il lavoro e la libertà che si tenne a Washington D.C., la stessa in cui il reverendo Martin Luther King pronunciò la storica allocuzione: I Have a Dream

Il gruppo – Seeger, Lee Hays, Ronnie Gilbert e Fred Hellerman – ha sfornato inoltre registrazioni di “Good Nigth Irene“, “Tzena, Tzena” e “On Top of Old Smokey“.

A Seeger va il merito anche di aver reso popolare We Shall Overcome“, inserita nella sua pubblicazione Canto popolare, nel 1948. Ha sempre detto che il suo unico contributo a questo meraviglioso inno del movimento per i diritti civili è stato quello di aver cambiato la seconda parola da “volontà” a “deve” perché si pronunciava meglio. We shall overcome diventa l’inno del movimento guidato da Martin Luther King, ma ben presto diventa l’inno di ogni protesta. Dovunque ci sono persone che lottano per i propri diritti, si canta We Shall Overcome. È stato l’inno della rivoluzione di velluto a Praga, l’inno degli studenti spagnoli contro la dittatura franchista. In ogni marcia, in ogni manifestazione si canta We Shall Overcome, alle manifestazioni contro la guerra in Vietnam, al concerto di Woodstck nel ’69, per i dissidenti iraniani contro il regime di Ahmadinejad. Fino alla Casa Bianca, nel 2009, con la Baez che canta We Shall Overcome davanti al Presidente Barack Obama e al vicepresidente Joe Biden.

Pete Seegr con the Boss

Pete Seegr con the Boss

Bruce Springsteen ha inciso questa canzone in un album dedicato a Pete Seeger e l’ha cantata a Oslo, per ricordare la strage di Utoya. Roger Waters, ex Pink Floyd, ha inciso due mesi fa una versione dedicata al sogno dei palestinesi. Una canzone immortale che ha rivoluzionato il mondo.

Un filo rosso lega questa canzone e tutte le proteste del mondo, tutti i sogni di cambiamento, da quella marcia su Washington in poi, dal sogno di Martin Luther King fino ad oggi. Una canzone sacra,  di determinazione e di speranza che è diventato l’inno del movimento non violento dei diritti civili negli Stati Uniti, e che è cantata da popoli oppressi di tutto il mondo. “We Shall Overcome”, che rappresenta un grido di battaglia per la libertà, la dignità e l’uguaglianza, si era perso negli adattamenti secolari. Cantanti folk bianchi negli anni sessanta hanno rimosso i riferimenti spirituali e adattati i versi come canzone laica. Le origini di questo gospel fino a quattro anni fa erano sconosciute ma oggi, dopo ricerche del produttore musicale Isaias Gamboa, il compositore originale di “We Shall Overcome” è stato identificato nella cantante e compositrice Louise Shropshire. La storia di Gamboa è stata raccontata nel libro recentemente pubblicato, “We Shall Overcome. Il suo libro fornisce una storia della canzone, la vita della signora Shropshire, lo sfruttamento dei neri in America, la lotta Nera per ottenere l’uguaglianza, la paternità e la proprietà del brano della signora Shropshire.

La  carriera musicale di Pete Seeger è sempre stata intrecciata strettamente con il suo attivismo politico, dove ha sostenuto cause che vanno dai diritti civili alla pulizia del suo amato fiume Hudson. Seeger ha sempre detto di aver lasciato il Partito Comunista intorno al 1950 ma la Huac e la FBI  lo hanno perseguitato per anni.

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Con sua moglie Toshi è rimasto sempre insieme, dal 20 luglio 1943 fino a luglio del 2013 nella casa di legno a Beacon (NY). Toshi se n’è andata proprio il giorno del suo novantunesimo compleanno lasciando un grande vuoto nella vita di Pete , i figli e i nipoti.

Seeger è stato tenuto fuori dalla televisione commerciale per più di un decennio dopo il problema con il comitato di attività antiamericane nel 1955. Ripetutamente pressato dal comitato di rivelare se avesse cantato per i comunisti, Seeger ha risposto sempre bruscamente e con coerenza:  è stato accusato di oltraggio al Congresso, ma la sentenza è stata ribaltata in appello. Seeger ha rifiutato di rispondere alle domande circa le sue convinzioni e le associazioni fino al 1940, (era stato un membro del Partito Comunista), non sulla base del quinto emendamento, che protegge gli uomini e le donne di auto-incriminazione, ma sulla base del Primo Emendamento che  tutela la libertà di parola.

Le sue conseguenze giuridiche, si sono estese a tutto il mondo dei musicisti, è importante ricordare che HUAC non era probabilmente la più difficile delle sue tribolazioni durante l’era McCarthy. Molto più tossica per la maggior parte della sinistra è stata la blacklist stessa. Dai primi anni 1950 alla metà del 1960,  a Seeger è stato impedito di svolgere un gran numero di tappe e concerti in gran parte degli USA. Prima con The Weavers, e poi in proprio.

La lista nera non funzionava indipendentemente dallo stato. Era la cinghia di trasmissione dello stato e un meccanismo di attuazione del governo. Uomini e donne che non hanno collaborato con il governo erano soggetti alla lista nera, quindi era un mezzo utile per assicurare la cooperazione e fornire informazioni. Gli esecutori segreti della lista nera erano spesso uomini ex-FBI o di staff ex-HUAC, e l’FBI e HUAC che fornivano informazioni critiche ai dirigenti del settore e dei loro subalterni. Per la maggior parte degli uomini e delle donne durante gli anni di McCarthy, il punto di contatto immediato con la repressione politica e la coercizione era il loro datore di lavoro, il loro insegnante, il terapeuta, il loro avvocato, il loro supervisore, il loro collega.

PeteSeeger2

Pete Seeger nel momento più alto della sua carriera nel 1950 va nei campus universitari, nelle strade e diffonde la musica di Guthrie, Huddie “Lead Belly“, è stato per lui il lavoro più importante andare da college a collage, uno dopo l’altro e soprattutto quelli più piccoli e ha fatto ascoltare ai bambini tutte le canzoni che le radio non potevano trasmettere. Nel 1967 va alla CBS, nel programma Smothers Brothers spettacolo di varietà, canta la canzone di protesta contro la guerra del Vietnam “Waist Deep in the Big Muddy” ma gliela tagliano. Seeger non demorde e denuncia la rete di censura.

 Non era più un membro del partito, ma le sue idee sono rimaste le stesse ed a ogni concerto faceva cantare il pubblico, ormai era diventata una regola. Al Kennedy Center nel 1994 il presidente Bill Clinton lo ha salutato come “un artista scomodo che ha osato cantare cose come le vedeva.”

pete seeger con clinton

Seeger è stato inserito nella Rock and Roll Hall of Fame nel 1996. Nel 1997 ha vinto un Grammy per il miglior album folk tradizionale, “Pete”. Nove anni più tardi, Bruce Springsteen lo ha celebrato con “We Shall Overcome: The Seeger Sessions“, una reinterpretazione rollicking di canzoni cantate da Seeger. Ha partecipato al concerto nel 2009 al Madison Square Garden per celebrare il suo 90 ° compleanno, onorato da  Springsteen, Dave Matthews, Eddie Vedder e Emmylou Harris.

Pochi mesi fa, il  21 settembre 2013, Pete Seeger ha cantato sul palco durante il Farm Aid 2013, con Willie Nelson e Neil Young

Seeger ha ottenuto la nomination del Grammy Awards 2014  nella categoria Best Spoken Word, ma ha vinto Stephen Colbert.

Seeger è nato a New York il 3 maggio 1919, in una famiglia di artisti le cui radici sono fatte risalire ai dissidenti religiosi dell’America coloniale. Sua madre, Costanza, suonava e insegnava violino;  suo padre, Carlo, musicologo, era consulente per l’amministrazione di reinserimento, e ha dato lavoro agli artisti durante la Depressione. Suo zio Alan Seeger, era il poeta che scrisse “Ho un appuntamento con la morte.”

Pete Seeger ha sempre detto che si innamorò della musica popolare quando aveva 16 anni, a un festival di musica in North Carolina nel 1935. Il suo fratellastro, Mike Seeger, e la sorellastra, Peggy Seeger, divennero anche essi artisti noti.

Pete Seeger con la sua chitarra

Ha imparato il banjo a cinque corde, strumento che lo ha salvato dall’oscurità e ha suonato  il resto della sua vita a modo suo. Sulla pelle del banjo di Seeger c’era scritta  la frase: “Questa macchina circonda l’odio e lo costringe ad arrendersi” – un cenno al suo vecchio amico Guthrie, che aveva scritto sulla sua chitarra: “Questa macchina uccide i fascisti”.

Ci sono centinaia di eventi memorabili da ricordare della vita artistica di Seeger, in particolare il suo primo concerto elettrico al Festival Folk di Newport nel 1965. La leggenda racconta che ha cercato di tagliare il cavo audio di Bob Dylan ma Seeger ha sempre spiegato che il mix chitarra era così forte che non si potevano sentire le parole di Dylan  e che la sua voce la sentiva più bassa e completamente diversa. Durante il concerto ha invocato il pubblico presente a cantare con lui per compensare la sua voce che era al minimo. “Non posso cantare molto,” ha detto. “Ho cercato di cantare alto e basso. Ora ho un ringhio da qualche parte nel mezzo.”

Storica la sua frase nell’ottobre del 2011: “Non pensate che si possa cambiare il mondo. L’unica cosa che potete fare è studiarlo” . Un attivista instancabile per la sua visione di un’utopia segnata da pace e stare insieme, gli strumenti di Pete Seeger erano le sue canzoni, la sua voce , il suo entusiasmo e i suoi strumenti musicali . Un sostenitore importante per lo stile folk con il  banjo a cinque corde e una delle più importanti icone della musica popolare della sua generazione. La penna è più potente della spada !!!

Pete Seeger e Woody Guthrie

Pete Seeger e Woody Guthrie

Where have all the flowers gone?                                                   
Long time passing
Where have all the flowers gone?
Long time ago
Where have all the flowers gone?
Girls have picked them every one
When will they ever learn?
When will they ever learn?
 
Where have all the young girls gone?
Long time passing
Where have all the young girls gone?
Long time ago
Where have all the young girls gone?
Taken husbands every one
When will they ever learn?
When will they ever learn?
 
Where have all the young men gone?
Long time passing
Where have all the young men gone?
Long time ago
Where have all the young men gone?
Gone for soldiers every one
When will they ever learn?
When will they ever learn?
 
Where have all the soldiers gone?
Long time passing
Where have all the soldiers gone?
Long time ago
Where have all the soldiers gone?
Gone to graveyards every one
When will they ever learn?
When will they ever learn?
 
Where have all the graveyards gone?
Long time passing
Where have all the graveyards gone?
Long time ago
Where have all the graveyards gone?
Covered with flowers every one
When will we ever learn?
When will we ever learn?
words and music by Pete Seeger

Di Gloria Berloso, diritti riservati

febbraio 21, 2014

La musica ha perso le note più belle del nostro tempo

Oggi, 21 febbraio 2014, è morto uno dei più grandi musicisti del nostro tempo: Francesco Di Giacomo, la voce del Banco del Mutuo Soccorso. Un terribile incidente stradale ha fatto chiudere i suoi occhi profondi. La sua voce non l’ascolteremo più ai concerti.

Francesco aveva l’arte, la teatralità e la comunicatività nel sangue. Sono stati pochi e ce ne renderemo conto ancor di più dopo la sua uscita di scena, che i suoi concerti e i suoi numerosi album conciliavano realmente il suo istinto artistico con un soggetto valido.

Nel 1974 ho visto un concerto memorabile, la sua voce mi aveva sconvolto esattamente come oggi mi ha sconvolto la sua morte causata da un modo così violento. Questo umile personaggio è stato un caposcuola perché da lui molti hanno attinto la forza vitale per fare questo bellissimo ma anche difficoltoso mestiere. Tutto il corpo di Francesco, oltre la sua espressione artistica, era capace di creare dei momenti di rara finezza artistica.

A conferma della sua proverbiale originalità, diceva unicamente di sé…

Nacque… visse…      francesco di giacomo
…e si contraddisse!

Nel 1978 esce forse il lavoro più complesso del Banco.

L’album viene intitolato “…di terra” e si presenta come un LP completamente strumentale in cui la band, accompagnata dall’Orchestra dell’Unione Musicisti di Roma, si avvicina molto alla grande tradizione classica e ad umori legati al jazz.

E’ forse uno dei punti più alti toccati dalla formazione. Per l’occasione viene lasciato da parte Francesco Di Giacomo che è comunque l’autore dei versi che presi singolarmente formano i titoli delle sette composizioni presenti.

Nel cielo e nelle altre cose mute ….

… Terramadre

… Non senza dolore

… Io vivo né più di un albero non meno di una stella

… Nei suoni e nei silenzi

… di terra

……….

Dopo i primi tre album il Banco  è ormai una realtà e non solo a livello nazionale. Si parla di un interessamento da parte della Warner Bros ed alla fine il gruppo viene messo sotto contratto da Greg Lake e Keith Emerson per la Manticore Ltd, etichetta che ha già in scuderia la P.F.M. e che è disposta ad investire sui promettenti gruppi italiani.

Da questa esperienza nascono i primi album presentati all’estero, primo fra tutti “Banco” (1975) che contiene rielaborazioni di brani già editi ma in lingua inglese (con testi di Marva Jan Marrow). Tra questi “R.I.P.” (“Outside”), “Non mi rompete”(“Leave Me Alone”), “Dopo… niente è più lo stesso” (“Nothing’s the Same”) e “Metamorfosi” (“Metamorphosis”) oltre alla strumentale “Traccia II” e alle inedite “Chorale (from Traccia’s Theme)” e “L’albero del pane(“The Bread Tree)”.

Questo album, che a tutti glli effetti si può considerare il quarto lavoro del BMS, viene presentato al Teatro Malibran di Venezia, con Keith Emerson presente, e viene accolto con entusiasmo dalla stampa italiana internazionale.

Solo un anno dopo anche “Come in un’ultima cena” (1976) viene realizzato in versione in lingua inglese con il titolo “As in a Last Supper”, con testi tradotti da Angelo Branduardi.

banco 4

di giacomo 2

“Garofano Rosso”, primo album solo strumentale di cui Francesco Di Giacomo ha curato le ricerche storiografiche, è il primo passo della band verso nuovi orizzonti e nuove sperimentazioni che ne hanno fatto una delle identità culturali italiane più prolifiche, continue ed importanti.

dicembre 1, 2013

CANTAUTORI CONTRO LA GUERRA “Folk & Peace” – PROGETTO e DIREZIONE ARTISTICA di ALBERTO CESA

BALLATE E CANZONI PER VOCE SOLA E UNO STRUMENTO

Alberto Cesa

Alberto Cesa

Come fecero con “la chitarra in spalla” Woody Guthrie, Pete Seeger, Bob Dylan, Ewan MacColl,

Atahualpa Yupanqui, Victor Jara…e decine di folk singer di tutto il mondo,compresi i nostri

cantastorie, abbiamo deciso di contrapporre alla Prepotenza Armata il suono naturale,

indistruttibile e disarmante della voce sola o accompagnata da non più di uno strumento per

riaffermare con la forza dell’espressione semplice libera e indipendente della musica popolare,

il diritto di ogni abitante della Terra a vivere nella libertà, nella giustizia, nella pace e…

locandina Alberto Cesa

GLI INTERPRETI

CANTASTORIE STORICI

Otello Profazio, Nonò Salamone

CANTORI-RICERCATORI STORICI

Sandra Boninelli (N.C.I.),

Giovanni Coffarelli (collaboratore di Roberto De Simone),

Gastone Pietrucci (leader de“La Macina”: una delle più ricche esperienze italiane di ricerca-documentazione della cultura popolare),

Carlo Faiello (già “Nuova Compagnia di Canto Popolare”)

Franco Madau cantautore, produttore, collaboratore storico di Michele Straniero)

SEQUENZA CD

1 – Laura Ferraris –mondina di Trino Vercellese -E se qualcuno vuol far la guerra

2 – Giovanna Marini Our President Johnson

3 – Franco Madau Su giocatulu Mannu

4 – Nonò Salamone Madre tedesca

5 – Sandra Boninelli Addio padre e madre addio

6 – Fausto Amodei Lettera di Robert Bowmann

7 – Carlo Faiello Vengo dall’Uriente

8 – Gualtiero Bertelli C’era un dì un soldato

9 – Lino Straulino Bandieres

10 – Paolo Pietrangeli Ninna nanna

11 – Marcello Colasurdo Culure ‘e pace

12 – Otello Profazio La crozza

13 – Flaviana Rossi Ueì

14 – Antonio Infantino Cantico di pace

15 – Ivan Della Mea Enduring peace

16 – Enrico Capuano Usa la testa

17 – Giovanni Coffarelli Canto alla potatora

18 – Toni Asquino La guerra in diretta

19 – Gastone Pietrucci La Macina Salve Regina

20 – Donata Pinti Libertà

21 – Alessio Lega Vigliacca!

22 – Carlo Muraori Nassiriya

23 – Elena Ledda Nostra Sennora ‘E sagherra

24 – Alberto Cesa La poesia popolare

25 – Marino Severini  Gang La guerra è finita

♥ Alberto Cesa è stato fino al 6 gennaio 2010 un autore, un musicista, un compagno impegnato ma soprattutto un ricercatore di musica antica e folcloristica.♥

Le sue canzoni folk rispecchiano le ballate piemontesi e provenzali, i racconti dei cantastorie, le filastrocche, la musica di balli popolari come le polche, le monferrine e le gighe e le ninne nanne; le sue musiche sono arrangiate con strumenti acustici ma con grande devozione alle origini medievali  (ghironda, organetto, flauti, violino, chitarra, basso, mandola, fisarmonica, dulcimer, percussioni). Il canto è molto importante sia quando Alberto canta da solista sia quando lo fa in coro; la continua ricerca di tradizioni popolari, di altre culture anche d’oltreconfine e la straordinaria esperienza di Alberto Cesa  ha fatto incontrare generi diversi che con un amalgama condito con la pAlberto Cesa ha fatto migliaia di concerti nelle piccole e grandi piazze ma ha anche partecipato a Festival Folk internazionali facendosi conoscere per la sua generosità, il suo impegno nel sociale, la sua umiltà ma anche per la sua voce, bella e calda. Lo stesso Ivan Della Mea diceva che la voce di Alberto era più bella della sua! Alberto ha cantato con Miriam Makeba e con Alan Stivel, ha incantato il pubblico della Svizzera, del Belgio, dell’Austria, della Germania, del Portogallo, della Spagna, della Scozia e dell’Olanda.  Dopo ogni concerto Alberto lasciava sempre una traccia indelebile perché chi lo incontrava capiva che era un uomo vero e gentile ed un autentico artista.assione ha fatto nascere e lievitare per trent’anni delle canzoni di grande rilevanza artistica.

Nel 1999 nasce la prima edizione dei Fogli Volanti ovvero il diario di un musicante, per raccontare, tra cronaca e storia, la lunga avventura musicale, politica ed umana, di Alberto Cesa e Cantovivo. Il primo foglio è dedicato all’amico scomparso Giancarlo Cesaroni. Nel 2000 seguì la seconda edizione ed il CD-LIBRO si poteva acquistare con il Manifesto.  Il CD contiene 11 canzoni e sono tutte scritte da Alberto come anche sono sue  le musiche e gli arrangiamenti, per quest’ultimi c’è il contributo artistico di Gerardo Cardinale:   Torinorossa – Beniamino – Robadamatti – Michael –Uomini Lontani – Partigiano – Oriente – Ninna Nanna – Ballantonio – Punkitanz – Victor Jara .

I FOGLI VOLANTI ERANO FOGLI SU CUI I CANTASTORIE STAMPAVANO LE LORO CANZONI PER VENDERLE IN CAMBIO DELLA SOPRAVVIVENZA E PER RACCONTARE, COME IN UN GIORNALE CANTATO, LE PICCOLE E LE GRANDI STORIE DEL MONDO.

Dopo la sua morte, tutta l’opera di Alberto Cesa è stata raccolta in due volumi con  CD  allegati.

Sabato 14 dicembre 2013 al Conservatorio torinese Giuseppe Verdi, proseguirà il cammino musicale di Alberto.

(Gloria Berloso)

ottobre 21, 2013

Sguardi di Betti Zambruno

In un filone popolare, da un certo numero di anni, figurano alcune cantanti italiane che più che comporre, ripetono cambiandone l’arrangiamento, alcune delle canzoni più famose e tradizionali di questa espressione musicale.

Betti_Zambruno1

Tra queste c’è la passionaria Betti Zambruno il cui ultimo album “SGUARDI” sfruttando la bellezza di alcune canzoni come Alfonsina y el mar, Il moro saracino, Vincenzina e la fabbrica, Que Deus me perdoa ma e le altre 11 scelte per il disco si è assicurata un ascolto attento.

BettiZambruno

Il nome di Betti Zambruno non è nuovo, si è sempre occupata di cultura popolare e di storia orale. Negli anni settanta ha collaborato con varie formazioni musicali: Kyle Na No, Fiati Pesanti di Asti, La Ciapa Rusa, Bartavéla, Tendachent, Donata Pinti, Paola Lombardo, l’associazione Tre Martelli. Come cantante ha molta esperienza in ambito folk ma anche jazz, ed in questo album impreziosito da musicisti come Piercarlo Cardinali (chitarra, cornamusa), Giampiero Malfatto (trombone) e Matteo Ravizza (contrabbasso), ha saputo mettere in gioco la cura professionale abbastanza convincente.

Piercarlo_Cardinali___Betti_Zambruno

Betti non è dotata della purezza o della profondità poetica di alcune sue colleghe più celebri, eppure convince fin dal primo ascolto, dimostrandosi interessante anche se non ha creato nulla di suo. La dote che devo riconoscerle è quella di riuscire a dare un volto nuovo a quei pezzi un po’ più conosciuti perché eseguiti anche da altri cantanti ed autori degli stessi. Non è certo impresa facile ripetere canzoni famose ma anche quelle ricercate perché sentite internamente dalla brava cantante piemontese. L’apporto musicale e gli arrangiamenti dei musicisti rendono l’album un piccolo gioiello anche se la voce di Betti è particolarmente indicata in certi brani ma abbastanza scontata in altri più adatti a voci maschili. Gli Sguardi naturalmente vanno rivolti alle storie che la cantante racconta di personaggi femminili, di lavoratori, di solitudine: Oh mia Diletta, Quarto a-o ma, Boarée, Madre crudele, Er car di traslòc, La impiraresse, Azure, Gli scolari di Tolosa Bruna de Laguna.

 È vero che la musica consola sempre e se guardi verso il mare infinito, cantare può far sognare la felicità e in Que Deus me perdoa, la cantante raggiunge l’anima e fa vibrare.

In Mon amant de Saint Jean, eseguita in lingua francese e Esa musiquita in spagnolo, la Zambruno rivela ottime doti di cantante e interprete leggera.

Sono i colori della musica che contano attraverso i suoni ed i suoi disegni sfumati. La musica è universale e la voce canta la vita, ricordatelo…

Buon ascolto!

ottobre 5, 2013

FESTIVAL ESTOVEST 2013 – ALTRA VOCE 12 OTTOBRE -12 DICEMBRE

6 programmi, 14 concerti con artisti di fama internazionale – tra cui il musicista indiano, maestro di sarangi, Dhruba Ghosh, il rinomato controtenore inglese David James, la celebre soprano Alda Caiello e Agata Zubel, premiata dall’Unesco nel 2013 – sulle tracce della voce e delle sue espressioni contemporanee, a Torino, Genova, Mondovì, Serralunga, Caraglio

La 12° edizione del Festival “ESTOVEST – UN VIAGGIO NELLA MUSICA DI OGGI”, oltre a continuare il lavoro di ricerca sui linguaggi e sulle culture musicali “altre” rispetto a quelle occidentali, presenta come tema della rassegna la voce, indagata nelle sue molteplici manifestazioni della contemporaneità.
LA VOCE è prima di tutto uno strumento musicale, il più antico e “naturale”, ma è anche un simbolo che rappresenta identità e storie diverse: passando dal Lied ottocentesco romantico e dalle sue derivazioni di oggi alla “panvocalità” di Berio e attraversando culture come quella dellʼIndia in cui lʼelemento vocale è spesso associato allo spirituale e al mistico, si traccia un quadro della sua eterogenea e ricca complessità.

Il Festival EstOvest è organizzato dall’associazione XENIA ENSEMBLE, con il coordinamento artistico di STEFANO PIERINI, e il sostegno della COMPAGNIA DI SAN PAOLO, che ha selezionato l’iniziativa nell’ambito del Bando Arti Sceniche 2013, e della REGIONE PIEMONTE.

GLI ARTISTI
Il 12 ottobre apre la rassegna il concerto dedicato al doppio anniversario di questʼanno: i 10 anni dalla scomparsa di Luciano Berio e i 30 anni da quella di Cathy Berberian, uniti in vita da un legame di natura artistica e sentimentale. Il programma del concerto, che prevede la partecipazione della soprano Alda Caiello e di Andrea Rebaudengo al pianoforte – interpreti di riferimento nel panorama musicale europeo – presenta alcuni brani storici di Berio a cui se ne uniscono contrappuntisticamente altri, di varie epoche e generi, che completano il quadro e danno conto della poliedricità ed ecletticità della Berberian.
Il secondo appuntamento, il 25 ottobre, è dedicato al Lied: attraverso una trasfigurazione originale di Stefano Pierini di alcuni Lieder dal Winterreise di Franz Schubert, si arriva al Lied di oggi, così come lo interpretano compositori quali Wolfgang Rihm, György Ligeti e György Kurtág. Ospiti del concerto saranno il tenore Alessandro Baudino e la pianista Saskia Giorgini, due tra i più promettenti giovani interpreti italiani.
La rassegna prosegue l’8-9-10 novembre con un concerto dedicato al repertorio vocale della musica dellʼIndia del nord: ospite dʼeccezione è Dhruba Ghosh, maestro di sarangi e punto di riferimento della nuova generazione di musicisti indiani. Figlio di uno dei più importanti maestri indiani, Ghosh, anche attraverso un workshop aperto al pubblico, presenterà la grande tradizione del canto accompagnato e del sarangi.
Il quarto concerto, il 29 novembre, è interamente dedicato ai Kafka-fragmente di György Kurtág, uno dei capolavori del maestro ungherese; un ciclo di frammenti su testi di Kafka interpretati dalla voce di Agata Zubel – la cui composizione “Not I” è stata premiata quest’anno in occasione dell’”International Composers Tribune” dell’Unesco – e dal violino di Rafal Zambrzycki-Payne in una versione che prevede anche una coreografia danzata realizzata per l’occasione da Raffaele Irace.
Il penultimo programma, l’1-2-3 dicembre, vede protagonista il celebre controtenore inglese David James, membro dell’Hilliard Ensemble, coinvolto nell’interpretazione di brani di celebri autori contemporanei (Gavin Bryars e Arvo Pärt) accostati ad importanti esponenti della musica medioevale (Lescurel, Machaut, Binchois), insieme ad una nuova composizione di Roberto Vetrano, vincitore del Concorso di Composizione Estovest 2013.
La rassegna si chiude il 12 dicembre sotto la Mole con un progetto dedicato alle scuole torinesi ideato da Martin Mayes e Eilis Cranitch: attraverso la rilettura del classico “Il giro del mondo in 80 giorni” di Jules Verne, i bambini saranno coinvolti in una esperienza musicale basata sull’espressione vocale che avrà come traguardo uno spettacolo teatrale che li vedrà protagonisti.

IL PROGRAMMA

1. Torino, Teatro Vittoria, via Gramsci 4 – 12 ottobre, ore 21
BB_BERIO, BERBERIAN
Alda Caiello, soprano
Andrea Rebaudengo, pianoforte
Xenia Ensemble, quartetto d’archi

Musiche di Berio, Weill, Monteverdi
Ingresso: € 10 intero – € 8 ridotto

2. Torino, Circolo dei Lettori, via Bogino 9 – 25 ottobre, ore 21
IL VIAGGIO DEL LIED
Alessandro Baudino, tenore
Saskia Giorgini, pianoforte
Xenia Ensemble, trio d’archi

Musiche di Schubert/Pierini, Kurtag, Rihm, Ligeti
Ingresso: € 10 intero – € 8 ridotto

3. Torino, Folkclub, via Perrone 3/bis – 8 novembre, ore 21.30
Caraglio, Il Filatoio, via Matteotti 40 – 9 novembre, ore 17.30
Genova, Teatro della Tosse, piazza Negri 6 – 10 novembre, ore 21
VOCI LONTANE
Dhruba Ghosh, sarangi e voce
Roselyne Simpelaere, tampura
Ganesh Ramnath, tabla

Il sarangi e la voce nella musica dell’India del nord
Ingresso (Torino): € 15 intero € 10 ridotto (tessera folkclub € 7 – rinnovo a offerta libera)
Ingresso (Genova): € 10 intero € 8 ridotto
Ingresso libero (Caraglio)

Sarangi--Dhruba-Ghosh

Sarangi–Dhruba-Ghosh

4. Torino, Teatro Vittoria, via Gramsci 4 – 29 novembre, ore 21
KAFKA – FRAGMENTE
Agata Zubel, soprano
Rafal Zambrycki-Payne, violino
Raffaele Irace, coreografia
Vittoria Carpegna, Raffaele Irace, danzatori

G. Kurtag, Kafka – Fragmente
Ingresso: € 10 intero – € 8 ridotto

5. Serralunga d’Alba, Fondazione Mirafiore, via Alba 15 – 1 dicembre, ore 17.30
Torino, Museo Egizio, via Accademia delle Scienze 6 – 2 dicembre, ore 20.30
Mondovì, Oratorio di Santa Croce, Sala Ghislieri, via F. Gallo – 3 dicembre, ore 21
WW_THE VOICE!
David James, controtenore
Xenia Ensemble, quartetto d’archi
(a Mondovì: con la partecipazione del Coro di voci bianche della Scuola Civica di Mondovì)

Musiche di Binchois, Kurtag, Bryars, Desprez, Pärt, Machaut, Lescurel e Vetrano in prima esecuzione assoluta (Vincitore Concorso EstOvest)
Ingresso (Torino): € 10 intero – € 8 ridotto
Ingresso libero (Serralunga e Mondovì)

6. Torino, Cecchi Point Multilab, 12 dicembre, ore 20.30
LE 80 VOCI DEL CONIGLIO BIANCO
In scena gli allievi delle scuole Lessona e Gabelli.
Un progetto di Martin Mayes e Eilis Cranitch in collaborazione con Fernanda Fagà (scuola elementare Lessona) e Daniela Braidotti (scuola elementare Gabelli)

EDUCAZIONE ALL’ASCOLTO

Come ogni anno lo Xenia Ensemble rivolge la sua attenzione all’aspetto didattico della musica attraverso un programma di concerti per le scuole: gli appuntamenti del ciclo “EDUCAZIONE ALL’ASCOLTO” sono stati, infatti, pensati per stimolare l’interesse verso diversi stili di musica, non ultima la musica di oggi, nella speranza di contribuire a creare il pubblico del futuro.

IL PROGRAMMA
. Sommariva Bosco (Cn), Scuola Civica di Musica – 8 ottobre, ore 16.30
Altra Voce: lezione concerto a cura di Xenia Ensemble
. Torino, Scuola Media, Classe della Prof. Elisa Piccini – 9 ottobre, ore 10.30
Altra Voce: lezione concerto a cura di Xenia Ensemble
. Torino, Scuola Ricasoli, Aula Magna, 6 dicembre, ore 11 e ore 15
Le 80 Voci del Coniglio Bianco
A cura di Martin Mayes e Eilis Cranitch

settembre 27, 2013

EL CENTRO PABLO IN ARGENTINA : hanno ripreso 40 anni di amicizia tra Cuba e Argentina.

Il Centro Pablo ha lavorato per diversi mesi su questo progetto, sono 40 anni esattamente che le  relazioni cubano- argentino si tengono lì, come una celebrazione della cultura che  unisce e incoraggia .

In particolare , è stata Maria Santucho , coordinatrice del  Centro , che ha sviluppato i rapporti in collaborazione con il  Ministero della Cultura di Cuba, questo compito di produzione intensa e attenta , soprattutto tramite e-mail , in modo che Marta Campos e Leonardo Garcia , raggiungessero l’ Argentina e fossero presenti presenti nella Casa del Bicentenario , e altri spazi culturali . D’altra parte al di là del Ministero della Cultura della Nazione con la collaborazione della cantante Liliana Herrero , la produttrice María José Minatel e altri amici erano fondamentali  nel completamento di questa festa di fratellanza e di cultura .

centro pablo

Il Centro Pablo ha inoltre proposto la partecipazione dello scrittore , giornalista e perseverante  Fidel Castro Diaz , e finanziato la sua proposta in Argentina. La fraterna generosità di  Liliana e Horacio González Herrero hanno dato e stanno donando un premuroso e amorevole lavoro , hanno iniziato ad inviare notizie sulle attività da intraprendere in queste settimane e sull’esperienza culturale e umana a Buenos Aires.

Ecco la prima notizia che ho ricevuto .

Cuba – Argentina … tanti fratelli

Da Fidel Diaz

Ho tanti fratelli
Non riesco a contarli
e la bella sorella
chiamata libertà

Nelle vie di Buenos Aires le canzoni di Atahualpa Yupanqui hanno garantito il gemellaggio, un  cammino verso la libertà della  grande patria latino-americana come l’unico orizzonte possibile immaginabile. Quando arriviamo alla  Casa Nazionale del Bicentenario,  le sue porte si sono aperte alle celebrazioni del 40 ° anniversario del ripristino delle relazioni tra Cuba e Argentina , con un mosaico di attività in cui le culture s’intrecciano.

Atahualpa Yupanqui. –Cantor nel profondo delle persone e paesaggi che amava, per il dolore e la miseria umana dei diseredati e poveri. E’stato, è, un poeta e conoscitore dell’intimo folklore della sua terra. La sua opera vivrà in mezzo a noi, compreso l'amore la poesia e ritmi popolari a lui tanto cari. Grande, molto grande Atahualpa Yupanqui.

Atahualpa Yupanqui. –Cantor nel profondo delle persone e paesaggi che amava, per il dolore e la miseria umana dei diseredati e poveri. E’stato, è, un poeta e conoscitore dell’intimo folklore della sua terra. La sua opera vivrà in mezzo a noi, compreso l’amore la poesia e ritmi popolari a lui tanto cari.
Grande, molto grande Atahualpa Yupanqui.

Tre giorni di pioggia ininterrotta e temperature di 6 gradi ( e sotto) non hanno impedito l’afflusso del pubblico (di fratelli piuttosto) ospite della manifestazione di lunedi 16 settembre , un pubblico che è stato immerso nella storia attraverso le informazioni di versi e di sogni . Improvvisamente, arrivando a Riobamba 985 , sembra d’essere in una strada a L’Avana , vediamo gli abbracci di  vecchi amici : Manelo , ( Ismael Gonzalez, coordinatore di ALBA Culturale ) , Pedro Pablo Rodríguez ( Marti Studies Center) , il vecchio Caimanero Omar Gonzalez , i poeti Luis Yuseff e Papastamatiú Basilia, la fotoreporter Kaloian, il sito web di Adrian The Stool , il trovatore Vicente Feliu, il chitarrista Alejandro Valdes … e tra saluti, nuovi incontri di amici di questa terra come la grande cantante Liliana Herrero , il suo produttore , Fabian Matus , figlio di Mercedes Sosa, produttore di materiali audiovisivi tra cui la voce di Mercedes Sosa dell’America Latina (documentario), un viaggio sconvolgente attraverso la vita di questa icona dell’America , che è appena uscito. Anche la cantautrice argentina Paula Ferrè, l’attrice Susu Pecoraro ( Camila per sempre nella nostra memoria cinematografica ), e molti altri artisti e personalità della cultura popolare.

Su una parete si vedono passare le immagini di  proteste nelle strade , la repressione della dittatura, gli attacchi alla Moneda , il presidente cubano Osvaldo Dorticós , nel 1973 , in Cile , e poi la folla affluita per salutarlo in Buenos Aires , l’apoteosi con Fidel nel 2003 e il suo mega discorso alla soglia della University , una gigantesca folla che sfida il clima , con gli sguardi che sognano di vivere il miracolo ribelle , libertario in Argentina.

Le parole dell’ambasciatore cubano Jorge Lamadrid , il vice ministro della cultura Julian Gonzalez dell’Argentina, il segretario Jorge Coscia  , tutti parlano della fusione vitale del loro popolo , o meglio di un popolo comune del sud;  poi Bolívar , Martí , il Che, Allende, Chavez , Kirchner … una strada lunga e difficile per i poveri della terra , non si può andare in giro senza la luce della cultura più profonda, nel momento in cui si tratta di randagi ciuffi d’arte,  apocrifo-epidermica smobilitazione , i media che dipingono un mondo di bolle di sapone; flusso di informazioni demoralizzanti, egoismi , crudele ideologia, sterminatore che divide e distrugge le culture , che gli esseri umani totalmente spoetizzano.

Le persone che non si conoscono tra di loro devono affrettarsi a conoscersi , come quelli che stanno per combattere insieme . Un altro piccolo passo , intenso appello urgente dalle belle parole dei trovatori cubani Leo Garcia e Marta Campos che cantano… Unisciti a noi : Tali persone povere che non possono vedere che il futuro è breve … Leo e Marta cantano e ricordano Sara Gonzalez : Amor mío no te vayas que lloro… Poi musica da ballo popolare cubano si espande con i bambini Beehive , tutti applaudono e cantano…..una grande mescolanza di suoni, una festa .
Siamo andati fino alle sale della galleria , su uno schermo Fidel parla a studenti di Buenos Aires. Una mostra collettiva di pittura a più dimensioni , Marti ti porta a cavallo, Marti con il berretto del Che,a giocare a baseball , a sognare, ad amare, a lottare, interagendo con noi … Il problema dell’indipendenza non sta nel cambiamento  delle forme ma è il cambiamento della mente.
In un’altra giornata Pedro Pablo Rodriguez  (Marti Studies Center) e Horacio Gonzalez, direttore della Biblioteca Nazionale Argentina , ci hanno intrattenuto con un discorso intenso. Ha iniziato Josè Martì che ha parlato di diffusione dei settori alfabetizzati oramai in gran parte dell’America Latina ed il record di articoli per il quotidiano argentino la Nacion e pubblicati anche da altri giornali. Il mistero che annuncia ciò che inevitabilmente accadrà allo stressante giornalista metaforico nel descrivere l’America con un look audace per la stampa di questo momento che ci porta in un grande evento e prepara la nostra gente al futuro. L’insegnamento di fondo nei loro testi, i punti di forza e di debolezza di questa nazione che si è espansa e, dopo tali libertà sociali, cominciarono a catturare l’attenzione e mostrare le unghie

Mentre scrivo, nel suo grande salotto, la grande cantante argentina Liliana Herrero sta provando con i trovatori cubani Marta Campos , Leo Garcia e i suoi musicisti Pedrito Rossi , Ariel Naón e Mario Gusso. Non sembra vero possano essere insieme e vengono i brividi nell’osservarli mentre cantano con l’anima le radici del nostro popolo, sono uno spirito unico…. Liliana con la voce profonda entra nella canzone mentre Leo improvvisa con il suo fraseggio, Marta gioca con le corde e Pedrito si sovrappone con la sua chitarra …” Chi ha detto che tutto è perduto , io vengo ad offrire il mio cuore ” e poi una canzone che i cubani conoscono molto bene: “Grazie alla vita che mi ha dato tanto”… … ” Violetta emerge tra tutti e non c’è l’Argentina , Cuba , Cile … è la nostra America, sembra che il progetto di Marti stia accadendo ora, lo stiamo presentando, esplorando, abbracciando …. Le voci sono sparse, si toccano ed il coro è in crescita: la tua canzone è la stessa canzone , e il canto di tutti che è la mia canzone.

settembre 13, 2013

La musica folk ungherese

Strano destino quello della musica ungherese dell’800. La sua presenza nel clima musicale europeo si riduce ad una serie di trascrizioni di ritmi gitani, ad una presenza di influssi selvaggi e sfrenati che appassionano gli autori raffinati ed intellettuali. La musica romantica europea s’impadronisce dei temi, dei motivi, dei ritmi popolari delle pianure ungheresi per ricrearli attraverso i mezzi tecnici che la cultura imperiale prima, borghese e romantica poi, avevano creato. Il mondo europeo nel suo diffuso desiderio di libertà, di spontaneità è attratto dalla selvaggia irruenza dei ritmi tzigani, dalla loro esuberante vitalità.
Bisogna arrivare alla fine del secolo ed agli inizi del ‘900 per conoscere la vera musica ungherese in una dimensione originale ed autonoma, con autori come Béla Bartók e Kodály.
L’Ungheria è una terra impregnata di musica, le sue melodie dall’impeto inconsueto, i suoi ritmi dall’originalità dei suoi colori timbrici hanno caratterizzato il patrimonio tradizionale degli zingari.

kodaly

kodaly

Zoltán Kodály (nato nel 1881) e Béla Bartók (1882), quando nel 1905 iniziano a raccogliere e a trascrivere in modo scientifico i canti popolari delle campagne, segnano una svolta epocale nella storia della musica, non solo ungherese: il primo è pianista, compositore, didatta, musicologo, e crede a tal punto nel suo visionario progetto di educazione musicale che da allora il metodo Kodály, basato sul canto popolare, non è solo il metodo ufficiale per l’insegnamento della musica nelle scuole d’Ungheria ma è usato in tutto il mondo; il secondo riesce a formalizzare le particolarità melodiche e ritmiche della musica folkloristica e a fecondarle con le istanze espressive delle poetiche europee del Novecento, aprendo così una terza strada tra Neoclassicismo ed Espressionismo.

Bartok

Bartok

Nata dall’ideale libertario e popolare della musica di Liszt e alimentata dalla incrollabile fiducia che Dohnányi, Kodály e Bartók nutrono nelle potenzialità creative del proprio popolo, la vitalità della scuola musicale ungherese è destinata a soccombere di fronte ai totalitarismi (di destra prima e di sinistra poi) che devastano la società ungherese dopo la breve parentesi post-bellica del governo popolare di Béla Kun.
La terza data da ricordare è allora quella conclusiva e tragica del 1956, l’anno dei carri armati sovietici, l’anno dell’esilio volontario di György Ligeti. L’anno dopo è il turno di un altro grande, György Kurtág, che lasciata la sua terra per studiare a Parigi fa però ritorno a tenere alta la memoria di Bartók e della sua scuola all’Accademia di Budapest.
Il folk popolare ungherese è una parte importante dell’identità nazionale e continua a svolgere un ruolo importante nella musica ungherese. La musica tradizionale tende ad avere un forte ritmo dattilico (tipo di contatore in poesia). Un dattilo è una sillaba lunga seguita da due sillabe brevi, come la lingua è sempre sottolineato sulla prima sillaba di ogni parola nella musica popolare ungherese ed è stato influente anche nelle zone limitrofe come la Romania, la Slovacchia e la Polonia meridionale e soprattutto nel sud della Slovacchia, nella regione rumena della Transilvania, in un numero significativo di ungheresi.

Broughton sostiene che il “suono contagioso dell’Ungheria è stato sorprendentemente influente sui paesi vicini (grazie forse alla storia austro-ungarico comune) e non è raro sentire melodie ungheresi in Romania, Slovacchia e Polonia meridionale E’ forte anche nei Szabolcs-zona Szatmár e nella parte sud-ovest del Transdanubio, vicino al confine con la Croazia. Il Busójárás carnevale in Mohács è un importante evento di musica popolare ungherese, già con l’ormai consolidata e ben considerata Bogyiszlo orchestra.

GRUPPI UNGHERESI DI MUSICA ZINGARA

I Kalyi Jagguszti%201
I Kalyi Jag (Fuoco Nero) sono di Budapest. E’ un gruppo di giovani zingari che provengono dalla contea di Svatmàr, in Ungheria. Vanno in giro per il mondo a far conoscere la musica zingara. Nel loro repertorio si possono ascoltare i brani musicali più famosi della tradizione zingara ma anche canzoni scritte da loro, spesso e volentieri in lingua nativa. Il loro lavoro musicale è costantemente accompagnato da ricerche scientifiche sulle tradizioni musicali da cui essi attingono. Nei loro concerti si può notare come le onomatopee fungano come da contrabasso e la ripetizione delle sillabe e di brevi parole come una sorta di basso continuo, come il rullo di un tamburo. L’accompagnamento ritmico nei concerti è scandito dalle dita che schioccano e i piedi che battono il tempo. Come strumenti, i Kalyi Jag usano sia strumenti noti come la chitarra, i tamburi e il mandolino, sia oggetti della vita quotidiana, come cucchiai di legno e bidoni, come facevano gli tzigani un tempo, quando non avevano i mezzi per procurarsi gli strumenti veri e propri. Canzoni melodiche e lente si alternano nei loro concerti a musiche innalzanti e molto ballabili.

GRUPPI IN ITALIA DI MUSICA ZINGARA

Roberto Durkovic
Molto singolare l’esperimento di Roberto Durkovic e i suoi Musicisti Tzigani. Le sue canzoni, tutte belle, fanno riflettere, e la musica trainante che le accompagna, fa danzare sui chiodi anche il ballerino scalzo. I musicisti tzigani, incontrati nei vagoni della metropolitana di Milano hanno fatto concretizzare il progetto artistico di Roberto Durkovic con la musica allegra dei Rom, ma nell’Album Strade Aperte c’è molto di più perché le culture etniche hanno amalgamato i colori della rumba e la magia del flamenco con il tango argentino in onore del grande maestro Astor Piazzolla. Felice esito di una lunga e fruttuosa collaborazione musicale tra il musicista di origini mitteleuropee (di madre italiana e padre cecoslovacco) e il suo gruppo I Fantasisti del Metrò, “Accordiamoci”, il nuovo disco di Roberto, affronta con levità temi importanti come la guerra, il pregiudizio, l’attuale momento politico e sociale, dosando ottimismo e speranza. I concerti di Durkovic hanno un impatto straordinario con il pubblico di tutte le età per la musica universale dei suoni vibranti e battenti.
Ascoltare queste canzoni ti viene voglia di non andare a dormire, mi tornano in mente altri momenti facendomi rivivere i colori di una smagliante e calda giornata di settembre a Budapest in altri momenti sospesi dentro un loro denso elemento particolare che è come il tempo, ma che esiste fuori di esso.
Gli zingari utilizzano con grande passione e capacità il linguaggio musicale basando la costruzione dei brani su due elementi di fondo: l’apprendimento, come per la lingua parlata, di arie e melodie popolari dai luoghi di passaggio e l’estro individuale particolarmente esaltato dalla pratica molto frequente dell’improvvisazione. È difficile individuare una musica originale zingara. Si possono riconoscere però stili diversi, come fra i gitani e gli tzigani, dove però l’elemento comune rimane l’utilizzo di un filo conduttore prescelto su cui poi avviare fioriture, cesellature, arabeschi.
Se si ricercano elementi di continuità nella presenza dei loro canti, si può verificare che la cultura slava ha dato un contributo determinante con la sua forte influenza sui principali ceppi linguistici zingari immigrati in Europa da est.
Nella tradizione esiste una netta distinzione fra canto ed esecuzione strumentale, il primo rimane rivolto all’ambito ristretto della comunità ed è puramente sentimentale, mentre l’esecuzione di motivi strumentali per violino, chitarra, ottoni, viene fatta per professione, cioè dietro pagamento.
Oggi lo stato dell’arte della musica degli zingari è leggermente diverso: si sono sviluppate formazioni che coprono entrambi i versanti vocale e strumentale (i Bratch o gli Ando Drom) ed altre come Bregovic’ che restano fedeli alla tradizione strumentale o i Kalyi Jag che, viceversa, restano fedeli alla tradizione vocale segnata al massimo da una sottile linea strumentale di accompagnamento ritmico o di controcanto.
GLI STRUMENTI FEDELI DELLA MUSICA ZINGARA
Gli zingari non amano gli strumenti di rame o a fiato.
La loro predilezione si rivolge alla chitarra, il prototipo dello strumento individuale attraverso il quale lo zingaro esprime la sua gioia e la sua malinconia, sia al violino e ai suoi derivati; una piccola orchestra normale ne comprende parecchi (violino, violoncello ecc), a cui si aggiungono clarinetto e piatti. La chitarra e l’arpa hanno pure i loro ferventi amatori (anche il pianoforte presso i sedentari). È normale che la mitologia zigana abbia unificato l’arte musicale e lo strumento che la simboleggia più correntemente: il violino. Infatti ci sono molte belle leggende relative alla creazione del violino che, se fanno intervenire elementi cristiani (ad esempio il diavolo), sembrano tuttavia essere l’eco di antiche tradizioni che riallacciano la musica ad interventi da parte di esseri sovrumani aventi lo scopo di consolare l’infelicità umana.
Grazie per questa magia che fa riflettere non solo le nostre menti ma la luce dei raggi di un sole forse da tempo dimenticato.

Gloria Berloso

settembre 13, 2013

A qualcuno piace l’ukulele: Uku Band e Jasmine Rodgers a Venezia!

La popolare formazione romana, tra le più apprezzate in Italia nel campo dell’ukulele, arriva alla Gervasuti Foundation con una straordinaria special guest: la figlia del leggendario Paul Rodgers per la sua unica data italiana.
A qualcuno piace l’ukulele: Uku Band e Jasmine Rodgers a Venezia!

Gervasuti Foundation Music
è lieta di offrire

SOME LIKE IT HOT UKULELE

Uku Band & Jasmine Rodgers
in concerto

Domenica 15 settembre
dalle ore 18.00
J Bar – Gervasuti Foundation
Fondamenta Sant’Ana (Via Garibaldi) Castello 995
Venezia

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Jasmine Rodgers

Jasmine Rodgers

“Tutti dovrebbero avere e suonare un ukulele: è uno strumento che non puoi suonare senza ridere!”.
La migliore presentazione dell’ukulele arriva da uno dei suoi più grandi amatori, il compianto George Harrison. A questo piccolo, simpatico e popolare strumento hawaiano – ma di origine portoghese – la Gervasuti Foundation dedica uno spettacolo straordinario: Some Like It hot Ukulele – una serata con Uku Band e special guest Jasmine Rodgers! E’ una delle inconfondibili intuizioni del ‘master of taste’ Michele Gervasuti, come sempre ideatore lungimirante degli eventi musicali offerti a Venezia dalla Gervasuti Foundation, definita dall’autorevole ArtTribune “il posto più sofisticato di Venezia”.
Il concerto di domenica 15 settembre avrà come protagonista la Uku Band: il quartetto romano nel giro di un anno dalla sua costituzione è diventato un’autentica autorità in materia, affidando ai diversi tipi di ukulele un repertorio scoppiettante e umoristico, con rivisitazioni di classici rock, pop, hard e reggae. D’altronde questocordofono a 4 o 6 corde si presta benissimo a una rielaborazione di evergreen: i concerti della Uku Band sono un omaggio allo strumento ma anche una dimostrazione di maestria ed eclettismo
Il gran colpo è la partecipazione straordinaria di Jasmine Rodgers, alla sua unica data italiana proprio in compagnia della Uku Band. Figlia del celebre Paul Rodgers (una delle grandi voci del rock: basta citare Free, Bad Company, The Firm e Queen…), componente dell’alternative band dei Bôa, autrice sensibile e carismatica, Jasmine si è esibita a Venezia nel 2011 alla Biennale: amica e sostenitrice della Gervasuti Foundation, Jasmine è anche un’apprezzata suonatrice di ukulele. Quale migliore occasione per sentirla insieme alla migliore band italiana del genere? E non dimenticate il dress code: in puro stile A qualcuno piace caldo…
Info: Gervasuti Foundation: www.gervasutifoundation.com
settembre 7, 2013

Spring Awakening: l’irrappresentabile inno alla vita finalmente in Italia!

Masturbazione, aborto, suicidio, stupro, amore e rivolta: dal 29 ottobre la versione italiana – tutta indipendente e operativa anche sui social network – dell’acclamato musical rock di Sater e Sheik tratto dal ‘Risveglio di primavera’ di Frank Wedekind.

Modena, Torino, Roma, Reggio Emilia, Venezia, Padova e Bologna le date del tour

SPRING AWAKENING
…Mamma, perchè non mi hai detto tutto?…

Arriva finalmente in Italia Spring Awakening, uno dei più famosi, acclamati e controversi musical degli ultimi anni, scritto da Steven Sater con musiche di Duncan Sheik e tratto dal celebre Risveglio di primavera di Frank Wedekind. L’opera del drammaturgo tedesco, pubblicata nel 1891 e per molti anni considerata irrappresentabile, pornografica, anarchica e blasfema, è stata lo spunto per l’originale musical di Sater e Sheik, messo in scena off-Broadway nel 2006 e premiato con ben otto Tony Awards. Oggi, su licenza MTI Music Theatre International, l’opera arriva in Italia grazie alla determinazione di una compagnia indipendente, la TodoModo Music-All di Livorno, con un tour nei principali teatri italiani.
Ambientata in una grigia e rigida scuola del Ventennio fascista (e non in Germania come nell’originale), Spring Awakening mette in scena un conflitto tra studenti, scuola e famiglie, tra gioventù e autorità: masturbazione, omosessualità, aborto, stupro, suicidio, ma anche amore, amicizia, libertà, la scoperta del sesso nelle segrete confidenze di adolescenti confinati in un istituto dove la ribellione diventa uno straordinario e commovente inno alla vita. Un’opera coraggiosa, come ribadisce il direttore artistico Pietro Contorno: “Una scelta al limite del temerario e dell’incosciente. È vero. Ce lo dicono tutti. Specialmente in un anno cosi difficile per la società e la cultura italiana in genere. Ma come si dice: se non ora, quando? Il cambiamento deve essere cavalcato “prima”, deve essere anticipato, assecondato, stimolato. E questo noi vorremmo che accadesse”.
Niente effetti speciali nè costumi sgargianti, un originale doppio registro prosa/rock show con tanto di band dal vivo ogni sera (quindi niente playback, tutto vero, tutto reale), un fortissimo impatto emozionale sul pubblico grazie ai temi civili, sociali e politici, un impegno costante nella comunicazione, un team creativo che sfrutta le possibilità offerte dai social network (comprese le web series presenti su YouTube e “sponsorizzate” da Paolo Ruffini). Il cast è composto da undici giovanissimi attori, coadiuvati da due esperti come Francesca Gamba e Gianluca Ferrato, diretti magistralmente da Emanuele Gamba, che dell’opera ha colto il significato più profondo: “Chiunque sia stato adolescente è lo spettatore ideale di Spring: unica altra condizione è che se ne ricordi e si intenerisca per quella imbarazzante sconvolgente età dello slancio e del disagio che ci ha fatto sentire tutti sulle montagne russe. Un giorno fra le nuvole e il giorno dopo – o anche 5 minuti dopo – sottoterra”. Testo recitato in italiano, canzoni in inglese, una vis espressiva unica nel suo genere anche per la potenza rock dei brani di Sheik, riletti dalla band diretta da Stefano Brondi: “Pensateci: i cantanti sanno di avere non basi meccaniche ma persone vive che viaggiano battuta per battuta a fianco a loro, che si emozionano se loro cantano una frase nel pieno delle loro sensazioni, e che sanno stupire con dettagli sonori sempre più vividi approfondendo la conoscenza dell’opera replica dopo replica. Tutto ciò produce un’energia potentissima per la quale mi sono battuto a tutti i livelli”.
L’opera che cambierà le regole del musical anche in Italia, e che già ora sta facendo parlare di sè, è pronta per il tour: 29 ottobre 2013 (Teatro Pavarotti, Modena), 28-30 novembre 2013 (Teatro Colosseo, Torino), 3-8 dicembre 2013 (Teatro Brancaccio, Roma), 7-9 febbraio 2014 (Teatro Valli, Reggio Emilia), 3-6 aprile 2014 (Teatro Goldoni, Venezia), 8-13 aprile (Teatro Verdi, Padova), 10 e 11 maggio 2014 (Teatro Duse, Bologna). Sul sito ufficiale, Facebook, Twitter e YouTube ci sarà un continuo flusso di comunicazione: un autentico risveglio di primavera.
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Spring Awakening tour:
29 ottobre 2013 Teatro Pavarotti Modena

28-30 novembre 2013 Teatro Colosseo Torino

3-8 dicembre 2013 Teatro Brancaccio Roma

7-9 febbraio 2014 Teatro Valli Reggio Emilia

3-6 aprile 2014 Teatro Goldoni Venezia

8-13 aprile 2014 Teatro Verdi Padova

10 e 11 maggio 2014 Teatro Duse BolognaInformazioni:
Spring Awakening: www.springawakening.it TodoModo music-All: www.todomodomusicall.org

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http://http://youtu.be/GICs-mEFuuM

luglio 26, 2013

Premio “ALBERTO CESA” a Piergiorgio Manuele – FOLKEST 2013

Sabato 27 luglio avverrà la consegna del Premio “Alberto Cesa” a Piergiorgio Manuele, segnalatosi alla selezione di Arezzo con la canzone “Giufà”. Nato a Leonforte (En) in una delle province più lontane e silenziose d’Italia ma ricca di miti e storie favolose d’altri tempi, oggi risiede in Toscana. Fondatore di formazioni seminali del folk progressivo siciliano (Jamdura e Clangor), vive anche una lunga e qualificante esperienza di artista di strada in Francia e Gran Bretagna: da qui la riscoperta di quella dimensione teatrale della musica alla quale tutt’ora rimane imprescindibilmente legato.

Alberto Cesa

Alberto Cesa

alberto cesa     TRIBUTO_cesa      H47 alberto cesa