Posts tagged ‘musica-folk’

Maggio 4, 2014

Jesse Winchester

Nel 1966 un mite ventitreenne, conclusi gli studi in filosofia, trova nella sua cassetta postale a Memphis la cartolina precetto, destinazione Vietnam. Dapprima pensa ad uno scherzo di un amico, poi si accorge d’essere coinvolto in una guerra a cui non crede. Il giovane è Jesse Winchester e varca clandestinamente il confine stabilendosi in una cittadina del Quebec e viene ingaggiato subito in una band locale, gli Astronauts. Moltissimi giovani riparano in Canada per evitare l’arruolamento e chi resta in patria viene imprigionato se renitente. Alla renitenza si aggiungono le diserzioni dall’inferno vietnamita. I musicisti rendono omaggio a chi rifiuta la guerra.

jesse winchester

 

In circostanze diverse Jesse Winchester avrebbe ricevuto i migliori onori nel  1970 assieme a cantautori del calibro di Jackson Browne e James Taylor .

Nel 1970 infatti pubblica il suo primo album, con ballate malinconiche presto interpretate da celebrati artisti: Jesse Winchester: The Brand New Tennessee Waltz diventa ad esempio un cavallo di battaglia di Joan Baez.

Winchester comincia a farsi conoscere nel  1970, quando è introdotto da Robbie Robertson , collaboratore di Bob Dylan e The Band. Robertson p incontra Winchester nel seminterrato di un monastero a Ottawa , dove quest’ultimo sta registrando una demo delle sue canzoni con l’aiuto di un disertore dell’esercito degli Stati Uniti che possiede un registratore Ampex . L’album viene acclamato dalla critica , anche se l’impossibilità di Winchester di fare un tour negli Stati Uniti  ostacola le sue possibilità di successo, e il disco non è disponibile nel Regno Unito fino alla metà degli anni ‘70 .jesse winchester 3

Winchester rimane una figura un po’ a distanza , anche se è considerato un ottimo cantautore ed è conosciuto come songwriter.. Le sue canzoni sono state cantate da artisti come Tim Hardin , Joan Baez , Emmylou Harris , gli Everly Brothers , Tom Rush e Jimmy Buffett .

 

Il suo esilio in America  dà una nota di amarezza alle sue canzoni più note, molte delle quali sono ricordi agrodolci di persone e luoghi del sud dell’America, dove Winchester è cresciuto. Yankee Lady , un brano dal suo album di debutto che viene diffusa attraverso le versioni di Brewer & Shipley , Hardin e Matthews ‘ Southern Comfort .

Altre canzoni, tra cui Mississippi .., Biloxi , The Brand New Tennessee Waltz e Bowling Green – quest’ultimo un inno ad una città in Kentucky – sono tutti soffusi di una nostalgia per la terra che ha lasciato dietro di sé.

La sua carriera si snoda tra il Canada e l’Europa, dove tiene vari concerti. Solamente dal 1977, con l’amnistia concessa dal presidente Carter ai renitenti di leva, potrà tornare in patria. Winchester è rimasto antimilitarista.: “Oggi non c’è il rifiuto del militarismo; la guerra non ha la stessa importanza per i giovani: ciò rappresenta la principale differenza tra le guerre del Vietnam e dell’Iraq”

Winchester nasce alla Barksdale Army Air Force Base in Bossier City. La famiglia si trasferisce in una fattoria in Mississippi e successivamente a Memphis . Jesse ha preso ispirazione dal blues, gospel e musica rockabilly che ascolta alla radio e ha studiato pianoforte per poter suonare l’organo in chiesa. E’ un bravo studente, studia il tedesco al Williams College di Williamstown , Massachusetts, e trascorre un anno presso l’Università di Monaco, dove le sue attenzioni sono divise tra gli studi e suonare con un gruppo rock .

Dal 1977 negli Stati Uniti è libero di esibirsi in concerti, anche se questo gli causa rimorsi di coscienza : « Non mi sembra giusto voltare le spalle al paese e poi tornare indietro e fare i soldi “, ha detto . Registra in America Nothing But a Breeze ( 1976) a Nashville e Talk Memphis ( 1981) a Memphis , con il produttore di Al Green Willie Mitchell .

jesse winchester 2

 

Nel 2002 sposa la sua seconda moglie , Cindy Duffy , e – pur essendo diventato un cittadino canadese nel 1973 – si trasferisce a Charlottesville , in Virginia . Ha pubblicato il libro Love Filling Station nel 2009 , ma due anni dopo scopre di avere  un cancro all’esofago . Dopo l’intervento chirurgico e vinto il cancro,  è in grado di registrare un nuovo album .

Nel 2012 l’album tributo è caratterizzato da un roster di artisti come Elvis Costello , Jimmy Buffett , Lyle Lovett , Taylor e Rosanne Cash , tutte le canzoni sono di Winchester . Ma all’inizio del 2014, Winchester scopre d’avere nuovamente il cancro alla vescica .

 

Jesse ( James Ridout ) Winchester , cantante e cantautore , nato 17 maggio 1944 è  morto il giorno 11 aprile 2014

 

Albums

Year Album Chart Positions
CAN US
1970 Jesse Winchester 26
1972 Third Down, 110 to Go 34 193
1974 Learn to Love It
1976 Let the Rough Side Drag 210
1977 Nothing But a Breeze 115
Live at the Bijou Cafe
1978 A Touch on the Rainy Side 156
1981 Talk Memphis 188
1988 Humour Me
1989 The Best of Jesse Winchester
1999 Anthology
1999 Gentleman of Leisure
2001 Live From Mountain Stage
2005 Live
2009 Love Filling Station

 

Singles

Year Single Chart Positions Album 
CAN CAN AC CAN Country US
1970 “Yankee Lady” 20 8 Jesse Winchester
1973 “Isn’t That So” 34 21 Third Down, 110 to Go
1976 “Let the Rough Side Drag” 42 Let the Rough Side Drag
1977 “Nothing but a Breeze” 72 86 Nothing but a Breeze
1978 “Sassy” 45 A Touch on the Rainy Side
1979 “A Touch on the Rainy Side” 42
1981 “Say What” 23 13 32 Talk Memphis
1989 “Want to Mean Something to You” 50 Humour Me
“Well-a-Wiggy” 68

 

aprile 18, 2014

Skip Battin, Human Being Blues

E’ così bello essere elettrici ..se scorre potrebbe giacere sulla schiena.. lentamente essere organico .. nero per non essere nero. Mi ferisce essere un profeta .. è divertente essere un pazzo .. essenziale essere legale .. al diavolo le seguenti regole. E’ difficile essere una donna .. facile essere un uomo .. è morte essere uno che si buca .. difficile da capire. Mi  ha preso il blues .. mi ha preso l’acerbo .. ho gli alti e i bassi e anche quelli in mezzo. E’ duro essere un genitore .. è duro essere un figlio ..raro essere un patriota .. è tardi per essere messo alla prova. . E’ difficile essere una donna .. facile essere un uomo .. è morte essere uno che si buca .. difficile da capire. E’ freddo essere uno degli stupefacenti .. imbroglia vivere sul cibo .. confinateli nella speranza .. ogni imbroglio è un errore. Mi ha preso l’human being blues .. sto pagando l’human being blues .. mi ha preso il blues .. mi ha preso l’acerbo .. ho gli alti e i bassi e anche quelli in mezzo. E’ così giusto essere religiosi .. è così duro essere soli .. la luce può essere così pesante .. è bello avere una casa .. Se Fleet fosse stato un soldato .. avrebbe potuto avere pace .. è un combattimento combattere una battaglia .. è il tempo di essere rilasciati. . Mi ha preso l’human being blues .. sto pagando l’human being blues .. mi ha preso il blues .. mi ha preso l’acerbo .. ho gli alti e i bassi e anche quelli in mezzo…

Skip Battin

Skip Battin

Così Skip Battin, ultimo dei Byrds (1973), rivive tutto il mondo che ha conosciuto quando era un ragazzo: New York e l’America, non quella degli anni venti come lui esaspera in “Central Park”, ma quella degli anni cinquanta, lasciandosi prendere da una certa nostalgia che però non ha niente di lacrimevole. E’ l’analisi che un uomo fa onestamente di se stesso attraverso l’acuta osservazione dei cambiamenti di un’epoca, da quando Skip guardava la televisione il programma dell’invincibile Dick Clarks, e sognava di suonare come Fast Domino o Chuck Berry, e una volta presa coscienza di tutto questo dice: è difficile essere donna, facile essere uomo, come la morte essere uno che si buca, troppo bello capire..

Nelle sue canzoni, la sua analisi è sempre lucida e consapevole e quando canta con ironia  .. Beh, che fine ha fatto Fats Domino? Tutti i miei compagni hanno mollato e si sono sposati. Una volta correvamo tutti a vedere Chuk Berry. Oh, ho sentito l’urlo di venti chitarre, era Duane Eddy, Superstar, pur non abbandonando il suo amato rock’n’roll e credendoci in senso assoluto, a volte in maniera ingenua e totale, così come è in fondo l’America, continua: non dimenticate l’eccitamento, la gallinella e i giretti perché sono parte del rock and roll, e in qualche posto,  nel buio, io suono per Dick Clark, ditelo pure a tutti quanti.

Skip indugia e continua la sua retrospettiva poetica e trova un Central Park nettamente cambiato con il passare degli anni: … bene, venite tutti quanti, è tempo di fare un ballo. Tu hai un impulso nel tornare indietro in un’azione come fossi in trance, così tu sei un intellettuale tutto sesso, e la prossima volta indosserai calzoni trasparenti …

Ma questa specie di accusa cade nel vento perché egli sa benissimo di essere stato per tanto tempo uno di loro, con le loro pecche e le delusioni con i desideri e il forzato intellettualismo, avendo fatto parte dei Cobras, ma alla fine realizza di avere qualcosa di diverso, di un senso profondo che gli è rimasto nei segreti più intimi, cose che nessuno gli potrà portare via.

Skip non potrà mai fare la fine del Central Park, di Fats Domino, di Captain Video, di Dick Clark, dell’undercever man dei Cobras, di Valentino e dell’America tutta, perché sono cose sue personali e questo riesce a giustificare e a portare in porto tutto quello che ha scritto e cantato.

La mia vita segreta sono i miei amici, la mia famiglia, i miei amori, i miei cani e le mie canzoni. Tutto questo potrebbe apparire abbastanza borghese, se non ci fossero i perché esternati nelle mie precedenti assertazioni e, soprattutto, dal resto dei testi: la mia vita segreta viaggia di città in città alla ricerca di amici e se dovessi venire a cantare nella tua città verresti?”

Quello di Skip Battin si rivela come un desiderio di pace, di amicizia, di schiettezza sincera, e non di rivalsa e di imborghesimento come potrebbe apparire a prima vista, anzi la sua è una accusa specifica: è l’America che si sta imborghesendo, quella che ha conosciuto da ragazzo, quella che ha distrutto quello che c’era di puro e di delicato, che però non ha mai contagiato e toccato la sua vita segreta, per meglio dire intima.

Quando i Byrds cantano è l’America che canta, l’America dei mille volti, tutti gli stereotipi sono passati tra le loro note, una cultura vissuta, non studiata pedissequamente.

Chi non possedeva tali caratteristiche introspettive non avrebbe mai potuto entrare nella corte dei Byrds dove McGuinn era il faro e la luce da seguire e dove Dave Crosby ha dovuto scegliere altre strade per cantare Triad ed abbandonarsi alle sue dissertazioni poetiche fantastiche e irreali.

Attorno a loro c’è l’alone di leggenda con un continuo o nostalgico richiamarsi al passato, ma non per riproporlo come un’alternativa al presente, solo per ritrovare la via di un’espressione più sincera e semplice negli anni che li hanno visti giovani. Le loro liriche riflettono, con occhi nuovi, i tempi andati, ma che non è possibile cancellare tanto ci hanno influenzato e aiutato a crescere spiritualmente e psicologicamente.

Ricky Mantoan e Skip Battin

Ricky Mantoan e Skip Battin

Skip Battin è morto la sera del 6 luglio 2003, per  complicanze della malattia di Alzheimer   in una struttura di assistenza a Salem (Oregon) L’ album da solista registrato da Skip, TOPANGA SKYLINE , è stato pubblicato nel febbraio 2012. Questo album è stato originariamente registrato nel 1973 ma è stato accantonato a tempo indeterminato fino al 2.012 dalla  Record Sierra, una società che presenta le opere provenienti da Skip e dei suoi primi anni ’70 contemporanei country-rock.

Alcune registrazioni ancora inedite sono conservate accuratamente dall’amico Ricky,  compagno di  viaggi musicali!

 

 

 

febbraio 21, 2014

La musica ha perso le note più belle del nostro tempo

Oggi, 21 febbraio 2014, è morto uno dei più grandi musicisti del nostro tempo: Francesco Di Giacomo, la voce del Banco del Mutuo Soccorso. Un terribile incidente stradale ha fatto chiudere i suoi occhi profondi. La sua voce non l’ascolteremo più ai concerti.

Francesco aveva l’arte, la teatralità e la comunicatività nel sangue. Sono stati pochi e ce ne renderemo conto ancor di più dopo la sua uscita di scena, che i suoi concerti e i suoi numerosi album conciliavano realmente il suo istinto artistico con un soggetto valido.

Nel 1974 ho visto un concerto memorabile, la sua voce mi aveva sconvolto esattamente come oggi mi ha sconvolto la sua morte causata da un modo così violento. Questo umile personaggio è stato un caposcuola perché da lui molti hanno attinto la forza vitale per fare questo bellissimo ma anche difficoltoso mestiere. Tutto il corpo di Francesco, oltre la sua espressione artistica, era capace di creare dei momenti di rara finezza artistica.

A conferma della sua proverbiale originalità, diceva unicamente di sé…

Nacque… visse…      francesco di giacomo
…e si contraddisse!

Nel 1978 esce forse il lavoro più complesso del Banco.

L’album viene intitolato “…di terra” e si presenta come un LP completamente strumentale in cui la band, accompagnata dall’Orchestra dell’Unione Musicisti di Roma, si avvicina molto alla grande tradizione classica e ad umori legati al jazz.

E’ forse uno dei punti più alti toccati dalla formazione. Per l’occasione viene lasciato da parte Francesco Di Giacomo che è comunque l’autore dei versi che presi singolarmente formano i titoli delle sette composizioni presenti.

Nel cielo e nelle altre cose mute ….

… Terramadre

… Non senza dolore

… Io vivo né più di un albero non meno di una stella

… Nei suoni e nei silenzi

… di terra

……….

Dopo i primi tre album il Banco  è ormai una realtà e non solo a livello nazionale. Si parla di un interessamento da parte della Warner Bros ed alla fine il gruppo viene messo sotto contratto da Greg Lake e Keith Emerson per la Manticore Ltd, etichetta che ha già in scuderia la P.F.M. e che è disposta ad investire sui promettenti gruppi italiani.

Da questa esperienza nascono i primi album presentati all’estero, primo fra tutti “Banco” (1975) che contiene rielaborazioni di brani già editi ma in lingua inglese (con testi di Marva Jan Marrow). Tra questi “R.I.P.” (“Outside”), “Non mi rompete”(“Leave Me Alone”), “Dopo… niente è più lo stesso” (“Nothing’s the Same”) e “Metamorfosi” (“Metamorphosis”) oltre alla strumentale “Traccia II” e alle inedite “Chorale (from Traccia’s Theme)” e “L’albero del pane(“The Bread Tree)”.

Questo album, che a tutti glli effetti si può considerare il quarto lavoro del BMS, viene presentato al Teatro Malibran di Venezia, con Keith Emerson presente, e viene accolto con entusiasmo dalla stampa italiana internazionale.

Solo un anno dopo anche “Come in un’ultima cena” (1976) viene realizzato in versione in lingua inglese con il titolo “As in a Last Supper”, con testi tradotti da Angelo Branduardi.

banco 4

di giacomo 2

“Garofano Rosso”, primo album solo strumentale di cui Francesco Di Giacomo ha curato le ricerche storiografiche, è il primo passo della band verso nuovi orizzonti e nuove sperimentazioni che ne hanno fatto una delle identità culturali italiane più prolifiche, continue ed importanti.

dicembre 1, 2013

CANTAUTORI CONTRO LA GUERRA “Folk & Peace” – PROGETTO e DIREZIONE ARTISTICA di ALBERTO CESA

BALLATE E CANZONI PER VOCE SOLA E UNO STRUMENTO

Alberto Cesa

Alberto Cesa

Come fecero con “la chitarra in spalla” Woody Guthrie, Pete Seeger, Bob Dylan, Ewan MacColl,

Atahualpa Yupanqui, Victor Jara…e decine di folk singer di tutto il mondo,compresi i nostri

cantastorie, abbiamo deciso di contrapporre alla Prepotenza Armata il suono naturale,

indistruttibile e disarmante della voce sola o accompagnata da non più di uno strumento per

riaffermare con la forza dell’espressione semplice libera e indipendente della musica popolare,

il diritto di ogni abitante della Terra a vivere nella libertà, nella giustizia, nella pace e…

locandina Alberto Cesa

GLI INTERPRETI

CANTASTORIE STORICI

Otello Profazio, Nonò Salamone

CANTORI-RICERCATORI STORICI

Sandra Boninelli (N.C.I.),

Giovanni Coffarelli (collaboratore di Roberto De Simone),

Gastone Pietrucci (leader de“La Macina”: una delle più ricche esperienze italiane di ricerca-documentazione della cultura popolare),

Carlo Faiello (già “Nuova Compagnia di Canto Popolare”)

Franco Madau cantautore, produttore, collaboratore storico di Michele Straniero)

SEQUENZA CD

1 – Laura Ferraris –mondina di Trino Vercellese -E se qualcuno vuol far la guerra

2 – Giovanna Marini Our President Johnson

3 – Franco Madau Su giocatulu Mannu

4 – Nonò Salamone Madre tedesca

5 – Sandra Boninelli Addio padre e madre addio

6 – Fausto Amodei Lettera di Robert Bowmann

7 – Carlo Faiello Vengo dall’Uriente

8 – Gualtiero Bertelli C’era un dì un soldato

9 – Lino Straulino Bandieres

10 – Paolo Pietrangeli Ninna nanna

11 – Marcello Colasurdo Culure ‘e pace

12 – Otello Profazio La crozza

13 – Flaviana Rossi Ueì

14 – Antonio Infantino Cantico di pace

15 – Ivan Della Mea Enduring peace

16 – Enrico Capuano Usa la testa

17 – Giovanni Coffarelli Canto alla potatora

18 – Toni Asquino La guerra in diretta

19 – Gastone Pietrucci La Macina Salve Regina

20 – Donata Pinti Libertà

21 – Alessio Lega Vigliacca!

22 – Carlo Muraori Nassiriya

23 – Elena Ledda Nostra Sennora ‘E sagherra

24 – Alberto Cesa La poesia popolare

25 – Marino Severini  Gang La guerra è finita

♥ Alberto Cesa è stato fino al 6 gennaio 2010 un autore, un musicista, un compagno impegnato ma soprattutto un ricercatore di musica antica e folcloristica.♥

Le sue canzoni folk rispecchiano le ballate piemontesi e provenzali, i racconti dei cantastorie, le filastrocche, la musica di balli popolari come le polche, le monferrine e le gighe e le ninne nanne; le sue musiche sono arrangiate con strumenti acustici ma con grande devozione alle origini medievali  (ghironda, organetto, flauti, violino, chitarra, basso, mandola, fisarmonica, dulcimer, percussioni). Il canto è molto importante sia quando Alberto canta da solista sia quando lo fa in coro; la continua ricerca di tradizioni popolari, di altre culture anche d’oltreconfine e la straordinaria esperienza di Alberto Cesa  ha fatto incontrare generi diversi che con un amalgama condito con la pAlberto Cesa ha fatto migliaia di concerti nelle piccole e grandi piazze ma ha anche partecipato a Festival Folk internazionali facendosi conoscere per la sua generosità, il suo impegno nel sociale, la sua umiltà ma anche per la sua voce, bella e calda. Lo stesso Ivan Della Mea diceva che la voce di Alberto era più bella della sua! Alberto ha cantato con Miriam Makeba e con Alan Stivel, ha incantato il pubblico della Svizzera, del Belgio, dell’Austria, della Germania, del Portogallo, della Spagna, della Scozia e dell’Olanda.  Dopo ogni concerto Alberto lasciava sempre una traccia indelebile perché chi lo incontrava capiva che era un uomo vero e gentile ed un autentico artista.assione ha fatto nascere e lievitare per trent’anni delle canzoni di grande rilevanza artistica.

Nel 1999 nasce la prima edizione dei Fogli Volanti ovvero il diario di un musicante, per raccontare, tra cronaca e storia, la lunga avventura musicale, politica ed umana, di Alberto Cesa e Cantovivo. Il primo foglio è dedicato all’amico scomparso Giancarlo Cesaroni. Nel 2000 seguì la seconda edizione ed il CD-LIBRO si poteva acquistare con il Manifesto.  Il CD contiene 11 canzoni e sono tutte scritte da Alberto come anche sono sue  le musiche e gli arrangiamenti, per quest’ultimi c’è il contributo artistico di Gerardo Cardinale:   Torinorossa – Beniamino – Robadamatti – Michael –Uomini Lontani – Partigiano – Oriente – Ninna Nanna – Ballantonio – Punkitanz – Victor Jara .

I FOGLI VOLANTI ERANO FOGLI SU CUI I CANTASTORIE STAMPAVANO LE LORO CANZONI PER VENDERLE IN CAMBIO DELLA SOPRAVVIVENZA E PER RACCONTARE, COME IN UN GIORNALE CANTATO, LE PICCOLE E LE GRANDI STORIE DEL MONDO.

Dopo la sua morte, tutta l’opera di Alberto Cesa è stata raccolta in due volumi con  CD  allegati.

Sabato 14 dicembre 2013 al Conservatorio torinese Giuseppe Verdi, proseguirà il cammino musicale di Alberto.

(Gloria Berloso)

ottobre 21, 2013

Sguardi di Betti Zambruno

In un filone popolare, da un certo numero di anni, figurano alcune cantanti italiane che più che comporre, ripetono cambiandone l’arrangiamento, alcune delle canzoni più famose e tradizionali di questa espressione musicale.

Betti_Zambruno1

Tra queste c’è la passionaria Betti Zambruno il cui ultimo album “SGUARDI” sfruttando la bellezza di alcune canzoni come Alfonsina y el mar, Il moro saracino, Vincenzina e la fabbrica, Que Deus me perdoa ma e le altre 11 scelte per il disco si è assicurata un ascolto attento.

BettiZambruno

Il nome di Betti Zambruno non è nuovo, si è sempre occupata di cultura popolare e di storia orale. Negli anni settanta ha collaborato con varie formazioni musicali: Kyle Na No, Fiati Pesanti di Asti, La Ciapa Rusa, Bartavéla, Tendachent, Donata Pinti, Paola Lombardo, l’associazione Tre Martelli. Come cantante ha molta esperienza in ambito folk ma anche jazz, ed in questo album impreziosito da musicisti come Piercarlo Cardinali (chitarra, cornamusa), Giampiero Malfatto (trombone) e Matteo Ravizza (contrabbasso), ha saputo mettere in gioco la cura professionale abbastanza convincente.

Piercarlo_Cardinali___Betti_Zambruno

Betti non è dotata della purezza o della profondità poetica di alcune sue colleghe più celebri, eppure convince fin dal primo ascolto, dimostrandosi interessante anche se non ha creato nulla di suo. La dote che devo riconoscerle è quella di riuscire a dare un volto nuovo a quei pezzi un po’ più conosciuti perché eseguiti anche da altri cantanti ed autori degli stessi. Non è certo impresa facile ripetere canzoni famose ma anche quelle ricercate perché sentite internamente dalla brava cantante piemontese. L’apporto musicale e gli arrangiamenti dei musicisti rendono l’album un piccolo gioiello anche se la voce di Betti è particolarmente indicata in certi brani ma abbastanza scontata in altri più adatti a voci maschili. Gli Sguardi naturalmente vanno rivolti alle storie che la cantante racconta di personaggi femminili, di lavoratori, di solitudine: Oh mia Diletta, Quarto a-o ma, Boarée, Madre crudele, Er car di traslòc, La impiraresse, Azure, Gli scolari di Tolosa Bruna de Laguna.

 È vero che la musica consola sempre e se guardi verso il mare infinito, cantare può far sognare la felicità e in Que Deus me perdoa, la cantante raggiunge l’anima e fa vibrare.

In Mon amant de Saint Jean, eseguita in lingua francese e Esa musiquita in spagnolo, la Zambruno rivela ottime doti di cantante e interprete leggera.

Sono i colori della musica che contano attraverso i suoni ed i suoi disegni sfumati. La musica è universale e la voce canta la vita, ricordatelo…

Buon ascolto!

settembre 27, 2013

EL CENTRO PABLO IN ARGENTINA : hanno ripreso 40 anni di amicizia tra Cuba e Argentina.

Il Centro Pablo ha lavorato per diversi mesi su questo progetto, sono 40 anni esattamente che le  relazioni cubano- argentino si tengono lì, come una celebrazione della cultura che  unisce e incoraggia .

In particolare , è stata Maria Santucho , coordinatrice del  Centro , che ha sviluppato i rapporti in collaborazione con il  Ministero della Cultura di Cuba, questo compito di produzione intensa e attenta , soprattutto tramite e-mail , in modo che Marta Campos e Leonardo Garcia , raggiungessero l’ Argentina e fossero presenti presenti nella Casa del Bicentenario , e altri spazi culturali . D’altra parte al di là del Ministero della Cultura della Nazione con la collaborazione della cantante Liliana Herrero , la produttrice María José Minatel e altri amici erano fondamentali  nel completamento di questa festa di fratellanza e di cultura .

centro pablo

Il Centro Pablo ha inoltre proposto la partecipazione dello scrittore , giornalista e perseverante  Fidel Castro Diaz , e finanziato la sua proposta in Argentina. La fraterna generosità di  Liliana e Horacio González Herrero hanno dato e stanno donando un premuroso e amorevole lavoro , hanno iniziato ad inviare notizie sulle attività da intraprendere in queste settimane e sull’esperienza culturale e umana a Buenos Aires.

Ecco la prima notizia che ho ricevuto .

Cuba – Argentina … tanti fratelli

Da Fidel Diaz

Ho tanti fratelli
Non riesco a contarli
e la bella sorella
chiamata libertà

Nelle vie di Buenos Aires le canzoni di Atahualpa Yupanqui hanno garantito il gemellaggio, un  cammino verso la libertà della  grande patria latino-americana come l’unico orizzonte possibile immaginabile. Quando arriviamo alla  Casa Nazionale del Bicentenario,  le sue porte si sono aperte alle celebrazioni del 40 ° anniversario del ripristino delle relazioni tra Cuba e Argentina , con un mosaico di attività in cui le culture s’intrecciano.

Atahualpa Yupanqui. –Cantor nel profondo delle persone e paesaggi che amava, per il dolore e la miseria umana dei diseredati e poveri. E’stato, è, un poeta e conoscitore dell’intimo folklore della sua terra. La sua opera vivrà in mezzo a noi, compreso l'amore la poesia e ritmi popolari a lui tanto cari. Grande, molto grande Atahualpa Yupanqui.

Atahualpa Yupanqui. –Cantor nel profondo delle persone e paesaggi che amava, per il dolore e la miseria umana dei diseredati e poveri. E’stato, è, un poeta e conoscitore dell’intimo folklore della sua terra. La sua opera vivrà in mezzo a noi, compreso l’amore la poesia e ritmi popolari a lui tanto cari.
Grande, molto grande Atahualpa Yupanqui.

Tre giorni di pioggia ininterrotta e temperature di 6 gradi ( e sotto) non hanno impedito l’afflusso del pubblico (di fratelli piuttosto) ospite della manifestazione di lunedi 16 settembre , un pubblico che è stato immerso nella storia attraverso le informazioni di versi e di sogni . Improvvisamente, arrivando a Riobamba 985 , sembra d’essere in una strada a L’Avana , vediamo gli abbracci di  vecchi amici : Manelo , ( Ismael Gonzalez, coordinatore di ALBA Culturale ) , Pedro Pablo Rodríguez ( Marti Studies Center) , il vecchio Caimanero Omar Gonzalez , i poeti Luis Yuseff e Papastamatiú Basilia, la fotoreporter Kaloian, il sito web di Adrian The Stool , il trovatore Vicente Feliu, il chitarrista Alejandro Valdes … e tra saluti, nuovi incontri di amici di questa terra come la grande cantante Liliana Herrero , il suo produttore , Fabian Matus , figlio di Mercedes Sosa, produttore di materiali audiovisivi tra cui la voce di Mercedes Sosa dell’America Latina (documentario), un viaggio sconvolgente attraverso la vita di questa icona dell’America , che è appena uscito. Anche la cantautrice argentina Paula Ferrè, l’attrice Susu Pecoraro ( Camila per sempre nella nostra memoria cinematografica ), e molti altri artisti e personalità della cultura popolare.

Su una parete si vedono passare le immagini di  proteste nelle strade , la repressione della dittatura, gli attacchi alla Moneda , il presidente cubano Osvaldo Dorticós , nel 1973 , in Cile , e poi la folla affluita per salutarlo in Buenos Aires , l’apoteosi con Fidel nel 2003 e il suo mega discorso alla soglia della University , una gigantesca folla che sfida il clima , con gli sguardi che sognano di vivere il miracolo ribelle , libertario in Argentina.

Le parole dell’ambasciatore cubano Jorge Lamadrid , il vice ministro della cultura Julian Gonzalez dell’Argentina, il segretario Jorge Coscia  , tutti parlano della fusione vitale del loro popolo , o meglio di un popolo comune del sud;  poi Bolívar , Martí , il Che, Allende, Chavez , Kirchner … una strada lunga e difficile per i poveri della terra , non si può andare in giro senza la luce della cultura più profonda, nel momento in cui si tratta di randagi ciuffi d’arte,  apocrifo-epidermica smobilitazione , i media che dipingono un mondo di bolle di sapone; flusso di informazioni demoralizzanti, egoismi , crudele ideologia, sterminatore che divide e distrugge le culture , che gli esseri umani totalmente spoetizzano.

Le persone che non si conoscono tra di loro devono affrettarsi a conoscersi , come quelli che stanno per combattere insieme . Un altro piccolo passo , intenso appello urgente dalle belle parole dei trovatori cubani Leo Garcia e Marta Campos che cantano… Unisciti a noi : Tali persone povere che non possono vedere che il futuro è breve … Leo e Marta cantano e ricordano Sara Gonzalez : Amor mío no te vayas que lloro… Poi musica da ballo popolare cubano si espande con i bambini Beehive , tutti applaudono e cantano…..una grande mescolanza di suoni, una festa .
Siamo andati fino alle sale della galleria , su uno schermo Fidel parla a studenti di Buenos Aires. Una mostra collettiva di pittura a più dimensioni , Marti ti porta a cavallo, Marti con il berretto del Che,a giocare a baseball , a sognare, ad amare, a lottare, interagendo con noi … Il problema dell’indipendenza non sta nel cambiamento  delle forme ma è il cambiamento della mente.
In un’altra giornata Pedro Pablo Rodriguez  (Marti Studies Center) e Horacio Gonzalez, direttore della Biblioteca Nazionale Argentina , ci hanno intrattenuto con un discorso intenso. Ha iniziato Josè Martì che ha parlato di diffusione dei settori alfabetizzati oramai in gran parte dell’America Latina ed il record di articoli per il quotidiano argentino la Nacion e pubblicati anche da altri giornali. Il mistero che annuncia ciò che inevitabilmente accadrà allo stressante giornalista metaforico nel descrivere l’America con un look audace per la stampa di questo momento che ci porta in un grande evento e prepara la nostra gente al futuro. L’insegnamento di fondo nei loro testi, i punti di forza e di debolezza di questa nazione che si è espansa e, dopo tali libertà sociali, cominciarono a catturare l’attenzione e mostrare le unghie

Mentre scrivo, nel suo grande salotto, la grande cantante argentina Liliana Herrero sta provando con i trovatori cubani Marta Campos , Leo Garcia e i suoi musicisti Pedrito Rossi , Ariel Naón e Mario Gusso. Non sembra vero possano essere insieme e vengono i brividi nell’osservarli mentre cantano con l’anima le radici del nostro popolo, sono uno spirito unico…. Liliana con la voce profonda entra nella canzone mentre Leo improvvisa con il suo fraseggio, Marta gioca con le corde e Pedrito si sovrappone con la sua chitarra …” Chi ha detto che tutto è perduto , io vengo ad offrire il mio cuore ” e poi una canzone che i cubani conoscono molto bene: “Grazie alla vita che mi ha dato tanto”… … ” Violetta emerge tra tutti e non c’è l’Argentina , Cuba , Cile … è la nostra America, sembra che il progetto di Marti stia accadendo ora, lo stiamo presentando, esplorando, abbracciando …. Le voci sono sparse, si toccano ed il coro è in crescita: la tua canzone è la stessa canzone , e il canto di tutti che è la mia canzone.

settembre 13, 2013

La musica folk ungherese

Strano destino quello della musica ungherese dell’800. La sua presenza nel clima musicale europeo si riduce ad una serie di trascrizioni di ritmi gitani, ad una presenza di influssi selvaggi e sfrenati che appassionano gli autori raffinati ed intellettuali. La musica romantica europea s’impadronisce dei temi, dei motivi, dei ritmi popolari delle pianure ungheresi per ricrearli attraverso i mezzi tecnici che la cultura imperiale prima, borghese e romantica poi, avevano creato. Il mondo europeo nel suo diffuso desiderio di libertà, di spontaneità è attratto dalla selvaggia irruenza dei ritmi tzigani, dalla loro esuberante vitalità.
Bisogna arrivare alla fine del secolo ed agli inizi del ‘900 per conoscere la vera musica ungherese in una dimensione originale ed autonoma, con autori come Béla Bartók e Kodály.
L’Ungheria è una terra impregnata di musica, le sue melodie dall’impeto inconsueto, i suoi ritmi dall’originalità dei suoi colori timbrici hanno caratterizzato il patrimonio tradizionale degli zingari.

kodaly

kodaly

Zoltán Kodály (nato nel 1881) e Béla Bartók (1882), quando nel 1905 iniziano a raccogliere e a trascrivere in modo scientifico i canti popolari delle campagne, segnano una svolta epocale nella storia della musica, non solo ungherese: il primo è pianista, compositore, didatta, musicologo, e crede a tal punto nel suo visionario progetto di educazione musicale che da allora il metodo Kodály, basato sul canto popolare, non è solo il metodo ufficiale per l’insegnamento della musica nelle scuole d’Ungheria ma è usato in tutto il mondo; il secondo riesce a formalizzare le particolarità melodiche e ritmiche della musica folkloristica e a fecondarle con le istanze espressive delle poetiche europee del Novecento, aprendo così una terza strada tra Neoclassicismo ed Espressionismo.

Bartok

Bartok

Nata dall’ideale libertario e popolare della musica di Liszt e alimentata dalla incrollabile fiducia che Dohnányi, Kodály e Bartók nutrono nelle potenzialità creative del proprio popolo, la vitalità della scuola musicale ungherese è destinata a soccombere di fronte ai totalitarismi (di destra prima e di sinistra poi) che devastano la società ungherese dopo la breve parentesi post-bellica del governo popolare di Béla Kun.
La terza data da ricordare è allora quella conclusiva e tragica del 1956, l’anno dei carri armati sovietici, l’anno dell’esilio volontario di György Ligeti. L’anno dopo è il turno di un altro grande, György Kurtág, che lasciata la sua terra per studiare a Parigi fa però ritorno a tenere alta la memoria di Bartók e della sua scuola all’Accademia di Budapest.
Il folk popolare ungherese è una parte importante dell’identità nazionale e continua a svolgere un ruolo importante nella musica ungherese. La musica tradizionale tende ad avere un forte ritmo dattilico (tipo di contatore in poesia). Un dattilo è una sillaba lunga seguita da due sillabe brevi, come la lingua è sempre sottolineato sulla prima sillaba di ogni parola nella musica popolare ungherese ed è stato influente anche nelle zone limitrofe come la Romania, la Slovacchia e la Polonia meridionale e soprattutto nel sud della Slovacchia, nella regione rumena della Transilvania, in un numero significativo di ungheresi.

Broughton sostiene che il “suono contagioso dell’Ungheria è stato sorprendentemente influente sui paesi vicini (grazie forse alla storia austro-ungarico comune) e non è raro sentire melodie ungheresi in Romania, Slovacchia e Polonia meridionale E’ forte anche nei Szabolcs-zona Szatmár e nella parte sud-ovest del Transdanubio, vicino al confine con la Croazia. Il Busójárás carnevale in Mohács è un importante evento di musica popolare ungherese, già con l’ormai consolidata e ben considerata Bogyiszlo orchestra.

GRUPPI UNGHERESI DI MUSICA ZINGARA

I Kalyi Jagguszti%201
I Kalyi Jag (Fuoco Nero) sono di Budapest. E’ un gruppo di giovani zingari che provengono dalla contea di Svatmàr, in Ungheria. Vanno in giro per il mondo a far conoscere la musica zingara. Nel loro repertorio si possono ascoltare i brani musicali più famosi della tradizione zingara ma anche canzoni scritte da loro, spesso e volentieri in lingua nativa. Il loro lavoro musicale è costantemente accompagnato da ricerche scientifiche sulle tradizioni musicali da cui essi attingono. Nei loro concerti si può notare come le onomatopee fungano come da contrabasso e la ripetizione delle sillabe e di brevi parole come una sorta di basso continuo, come il rullo di un tamburo. L’accompagnamento ritmico nei concerti è scandito dalle dita che schioccano e i piedi che battono il tempo. Come strumenti, i Kalyi Jag usano sia strumenti noti come la chitarra, i tamburi e il mandolino, sia oggetti della vita quotidiana, come cucchiai di legno e bidoni, come facevano gli tzigani un tempo, quando non avevano i mezzi per procurarsi gli strumenti veri e propri. Canzoni melodiche e lente si alternano nei loro concerti a musiche innalzanti e molto ballabili.

GRUPPI IN ITALIA DI MUSICA ZINGARA

Roberto Durkovic
Molto singolare l’esperimento di Roberto Durkovic e i suoi Musicisti Tzigani. Le sue canzoni, tutte belle, fanno riflettere, e la musica trainante che le accompagna, fa danzare sui chiodi anche il ballerino scalzo. I musicisti tzigani, incontrati nei vagoni della metropolitana di Milano hanno fatto concretizzare il progetto artistico di Roberto Durkovic con la musica allegra dei Rom, ma nell’Album Strade Aperte c’è molto di più perché le culture etniche hanno amalgamato i colori della rumba e la magia del flamenco con il tango argentino in onore del grande maestro Astor Piazzolla. Felice esito di una lunga e fruttuosa collaborazione musicale tra il musicista di origini mitteleuropee (di madre italiana e padre cecoslovacco) e il suo gruppo I Fantasisti del Metrò, “Accordiamoci”, il nuovo disco di Roberto, affronta con levità temi importanti come la guerra, il pregiudizio, l’attuale momento politico e sociale, dosando ottimismo e speranza. I concerti di Durkovic hanno un impatto straordinario con il pubblico di tutte le età per la musica universale dei suoni vibranti e battenti.
Ascoltare queste canzoni ti viene voglia di non andare a dormire, mi tornano in mente altri momenti facendomi rivivere i colori di una smagliante e calda giornata di settembre a Budapest in altri momenti sospesi dentro un loro denso elemento particolare che è come il tempo, ma che esiste fuori di esso.
Gli zingari utilizzano con grande passione e capacità il linguaggio musicale basando la costruzione dei brani su due elementi di fondo: l’apprendimento, come per la lingua parlata, di arie e melodie popolari dai luoghi di passaggio e l’estro individuale particolarmente esaltato dalla pratica molto frequente dell’improvvisazione. È difficile individuare una musica originale zingara. Si possono riconoscere però stili diversi, come fra i gitani e gli tzigani, dove però l’elemento comune rimane l’utilizzo di un filo conduttore prescelto su cui poi avviare fioriture, cesellature, arabeschi.
Se si ricercano elementi di continuità nella presenza dei loro canti, si può verificare che la cultura slava ha dato un contributo determinante con la sua forte influenza sui principali ceppi linguistici zingari immigrati in Europa da est.
Nella tradizione esiste una netta distinzione fra canto ed esecuzione strumentale, il primo rimane rivolto all’ambito ristretto della comunità ed è puramente sentimentale, mentre l’esecuzione di motivi strumentali per violino, chitarra, ottoni, viene fatta per professione, cioè dietro pagamento.
Oggi lo stato dell’arte della musica degli zingari è leggermente diverso: si sono sviluppate formazioni che coprono entrambi i versanti vocale e strumentale (i Bratch o gli Ando Drom) ed altre come Bregovic’ che restano fedeli alla tradizione strumentale o i Kalyi Jag che, viceversa, restano fedeli alla tradizione vocale segnata al massimo da una sottile linea strumentale di accompagnamento ritmico o di controcanto.
GLI STRUMENTI FEDELI DELLA MUSICA ZINGARA
Gli zingari non amano gli strumenti di rame o a fiato.
La loro predilezione si rivolge alla chitarra, il prototipo dello strumento individuale attraverso il quale lo zingaro esprime la sua gioia e la sua malinconia, sia al violino e ai suoi derivati; una piccola orchestra normale ne comprende parecchi (violino, violoncello ecc), a cui si aggiungono clarinetto e piatti. La chitarra e l’arpa hanno pure i loro ferventi amatori (anche il pianoforte presso i sedentari). È normale che la mitologia zigana abbia unificato l’arte musicale e lo strumento che la simboleggia più correntemente: il violino. Infatti ci sono molte belle leggende relative alla creazione del violino che, se fanno intervenire elementi cristiani (ad esempio il diavolo), sembrano tuttavia essere l’eco di antiche tradizioni che riallacciano la musica ad interventi da parte di esseri sovrumani aventi lo scopo di consolare l’infelicità umana.
Grazie per questa magia che fa riflettere non solo le nostre menti ma la luce dei raggi di un sole forse da tempo dimenticato.

Gloria Berloso

settembre 7, 2013

Spring Awakening: l’irrappresentabile inno alla vita finalmente in Italia!

Masturbazione, aborto, suicidio, stupro, amore e rivolta: dal 29 ottobre la versione italiana – tutta indipendente e operativa anche sui social network – dell’acclamato musical rock di Sater e Sheik tratto dal ‘Risveglio di primavera’ di Frank Wedekind.

Modena, Torino, Roma, Reggio Emilia, Venezia, Padova e Bologna le date del tour

SPRING AWAKENING
…Mamma, perchè non mi hai detto tutto?…

Arriva finalmente in Italia Spring Awakening, uno dei più famosi, acclamati e controversi musical degli ultimi anni, scritto da Steven Sater con musiche di Duncan Sheik e tratto dal celebre Risveglio di primavera di Frank Wedekind. L’opera del drammaturgo tedesco, pubblicata nel 1891 e per molti anni considerata irrappresentabile, pornografica, anarchica e blasfema, è stata lo spunto per l’originale musical di Sater e Sheik, messo in scena off-Broadway nel 2006 e premiato con ben otto Tony Awards. Oggi, su licenza MTI Music Theatre International, l’opera arriva in Italia grazie alla determinazione di una compagnia indipendente, la TodoModo Music-All di Livorno, con un tour nei principali teatri italiani.
Ambientata in una grigia e rigida scuola del Ventennio fascista (e non in Germania come nell’originale), Spring Awakening mette in scena un conflitto tra studenti, scuola e famiglie, tra gioventù e autorità: masturbazione, omosessualità, aborto, stupro, suicidio, ma anche amore, amicizia, libertà, la scoperta del sesso nelle segrete confidenze di adolescenti confinati in un istituto dove la ribellione diventa uno straordinario e commovente inno alla vita. Un’opera coraggiosa, come ribadisce il direttore artistico Pietro Contorno: “Una scelta al limite del temerario e dell’incosciente. È vero. Ce lo dicono tutti. Specialmente in un anno cosi difficile per la società e la cultura italiana in genere. Ma come si dice: se non ora, quando? Il cambiamento deve essere cavalcato “prima”, deve essere anticipato, assecondato, stimolato. E questo noi vorremmo che accadesse”.
Niente effetti speciali nè costumi sgargianti, un originale doppio registro prosa/rock show con tanto di band dal vivo ogni sera (quindi niente playback, tutto vero, tutto reale), un fortissimo impatto emozionale sul pubblico grazie ai temi civili, sociali e politici, un impegno costante nella comunicazione, un team creativo che sfrutta le possibilità offerte dai social network (comprese le web series presenti su YouTube e “sponsorizzate” da Paolo Ruffini). Il cast è composto da undici giovanissimi attori, coadiuvati da due esperti come Francesca Gamba e Gianluca Ferrato, diretti magistralmente da Emanuele Gamba, che dell’opera ha colto il significato più profondo: “Chiunque sia stato adolescente è lo spettatore ideale di Spring: unica altra condizione è che se ne ricordi e si intenerisca per quella imbarazzante sconvolgente età dello slancio e del disagio che ci ha fatto sentire tutti sulle montagne russe. Un giorno fra le nuvole e il giorno dopo – o anche 5 minuti dopo – sottoterra”. Testo recitato in italiano, canzoni in inglese, una vis espressiva unica nel suo genere anche per la potenza rock dei brani di Sheik, riletti dalla band diretta da Stefano Brondi: “Pensateci: i cantanti sanno di avere non basi meccaniche ma persone vive che viaggiano battuta per battuta a fianco a loro, che si emozionano se loro cantano una frase nel pieno delle loro sensazioni, e che sanno stupire con dettagli sonori sempre più vividi approfondendo la conoscenza dell’opera replica dopo replica. Tutto ciò produce un’energia potentissima per la quale mi sono battuto a tutti i livelli”.
L’opera che cambierà le regole del musical anche in Italia, e che già ora sta facendo parlare di sè, è pronta per il tour: 29 ottobre 2013 (Teatro Pavarotti, Modena), 28-30 novembre 2013 (Teatro Colosseo, Torino), 3-8 dicembre 2013 (Teatro Brancaccio, Roma), 7-9 febbraio 2014 (Teatro Valli, Reggio Emilia), 3-6 aprile 2014 (Teatro Goldoni, Venezia), 8-13 aprile (Teatro Verdi, Padova), 10 e 11 maggio 2014 (Teatro Duse, Bologna). Sul sito ufficiale, Facebook, Twitter e YouTube ci sarà un continuo flusso di comunicazione: un autentico risveglio di primavera.
Spring_Awakening1
Spring Awakening tour:
29 ottobre 2013 Teatro Pavarotti Modena

28-30 novembre 2013 Teatro Colosseo Torino

3-8 dicembre 2013 Teatro Brancaccio Roma

7-9 febbraio 2014 Teatro Valli Reggio Emilia

3-6 aprile 2014 Teatro Goldoni Venezia

8-13 aprile 2014 Teatro Verdi Padova

10 e 11 maggio 2014 Teatro Duse BolognaInformazioni:
Spring Awakening: www.springawakening.it TodoModo music-All: www.todomodomusicall.org

0327_spring_a

http://http://youtu.be/GICs-mEFuuM

luglio 25, 2013

SIMONE AVINCOLA, il giullare controcorrente arriva al FOLKEST, musica e cultura.

L’Italia, ricca di un entroterra culturale sembra essersi fermata a crogiolarsi nel decadentismo . In questi anni pochi sono stati i tentativi di elevarsi ad interessi universali. Invece di unificare le varie forme d’arte sotto un denominatore comune – musica, arte figurativa e letteratura -, si evitano accuratamente ciascuna lasciandole pian piano morire per distoglierle dalla mente di tutti noi.. Il benessere ed il consumismo, creato ad hoc e per interessi di pochi, rendono sempre più difficile distinguere la vera arte dalla moda, i poeti dagli intelettualoidi, i musicisti dai musicanti.
La politica non culturale ha provocato un bel lavaggio del cervello ma il popolo non può restare indifferente ed il sistema deve essere messo in discussione. La cultura che avanza a grandi passi verso l’evoluzione, anche se mancano i mezzi, non può trascurare la sua voce più maestosa: l’arte. Moltissimi giovani si documentano, seguono ed incominciano ad amare i movimenti musicali anche quelli geograficamente lontani, riscoprono la poetica dei cantautori degli anni sessanta e settanta, cercano di scoprire un percorso per realizzare i propri sogni. Si, perché i sogni sono ancora liberi, dove la pressione economica non può ancora arrivare per catturarli.
Personalmente io sto dalla parte della barricata per scoprire qualcosa di nuovo nel mondo della musica e dell’arte, per dialogare con i suoi amici, per far risorgere insieme, anche dalle ceneri della superficialità dilagante e del commerciale, la vera eterna arte, affinché si possa tornare a parlare della musica italiana come del canto più sublime dell’anima popolare.

Simone Avincola

Simone Avincola

Una di queste anime è Simone Avincola, giullare controcorrente, musicalmente corretto, uno dei tanti ragazzi che cerca con ogni mezzo di unificare le arti esprimendosi con il linguaggio più nobile: la musica.
Simone lo conosco da alcuni anni, ho seguito passo dopo passo il suo percorso.
Simone Avincola è uno dei tanti giovani che attraverso le canzoni lancia il suo messaggio affinché in Italia la politica divenga più pulita e trasparente e la speranza che questo sogno si realizzi quanto prima. I temi delle sue canzoni ricordano molto quelle storie raccontate da Francesco Guccini, cantautore ribelle degli anni settanta, che lottava per tutti noi, ma ricordano anche gli avvenimenti e le tematiche dei nostri tempi. Ma come si è avvicinato a questa espressione di musica popolare? Simone Avincola, come tanti ragazzi della sua generazione ha avuto la fortuna di studiare chitarra alla Scuola Popolare di musica del Testaccio a Roma e di aver avuto ottimi insegnamenti dalla grande e straordinaria Giovanna Marini per dieci anni. Attraverso questo percorso, dopo aver ascoltato le canzoni popolare e vivendo in un periodo storico e politico molto difficile per il suo paese trova la sua strada cantando storie di vita di persone collocate in luoghi diversi che alla fine s’incontrano in una unica via. Il Giullare canta le sue storie ma invoca la speranza che cambi la scena e che tutto ritorni a favore degli oppressi.
Dopo il primo Album autoprodotto due anni fa: Il giullare e altre storie dove racconta storie nuove di conflitti tra potente ed oppresso puntando il dito al ruolo dell’informazione, della legge perché al servizio dei padroni e il film documentario “Stefano Rosso, L’ultimo romano”, dedicato al cantautore romano scomparso nel 2008 e per il quale si è aperta oggi una nuova via per la riscoperta, Simone sbarca al Folkest, culla della cultura mitteleuropea per presentare il nuovo disco che uscirà prossimamente.
Sono passati quindi quasi due anni dall’esperienza e la pubblicazione del primo disco ed in anteprima Simone mi ha confidato la storia che ha dato origine a questo secondo lavoro e che sarà presentato a Spilimbergo il 28 luglio nella prestigiosa piazza Garibaldi.
I protagonisti di quest’opera, il titolo ancora non l’ho scoperto, sono gli stessi amici del Giullare e Altre storie (2009): Simone Avincola, Matteo Alparone e Edoardo Petretti. In questo nuovo lavoro c’è molta sperimentazione musicale e racchiude ben 13 brani. All’interno c’è tutto il riassunto di quello che siamo e del mondo che vediamo, viviamo e che Simone ha voluto raccontare con un amore spropositato ma a volte anche con parole dure, impregnate di indignazione verso tutta la situazione politica italiana che ci ritroviamo a subire giorno dopo giorno.

Le canzoni del nuovo disco, sono arricchite musicalmente da molti ospiti amici.
Tra gli altri, vorrei sottolineare:

Paolo Giovenchi (chitarrista di Francesco De Gregori) che con il suono della sua elettrica ha saputo abbellire e trasformare completamente “Abbiamo noi il potere” e “Invisibili”

 Freak Antoni (degli Skiantos) che fa la parte del figlio in “Così canterò tra vent’anni”,

brano che chiude il disco e in cui racconto un ipotetico futuro che mi descrive in modo molto ironico come un cantautore che non è riuscito a diventare qualcuno e che nonostante tutto continua imperterrito a suonare nella sua camera mentre il figlio(Freak) lo elogia (mentendo spudoratamente)

BAND E ARRANGIAMENTI

Gli arrangiamenti sono curati interamente da Edoardo Petretti (pianista e fisarmonicista)
ad eccezione del “Marinaro” (brano dedicato a un personaggio un po pazzoide del mio quartiere che è scomparso recentemente) e che è stato arrangiato da Stefano Ciuffi (chitarrista davvero unico che ha cominciato da poco la sua collaborazione con la band e “La Voglia” che ha visto la direzione artistica di Edoardo De Angelis ( manager e produttore)

Gli altri musici della band sono:
Matteo Alparone al basso (che si è occupato anche della grafica)
Luca D’Epiro alla batteria (la maggior parte delle riprese audio sono state realizzate nel suo studio “BuonaLaPrima”).

securedownload

SIMONE AVINCOLA (Italia)

28 luglio 2013

Seconda serata

Spilimbergo

Piazza Garibaldi

luglio 17, 2013

Inti Illimani in tour con EditEventi

Inti Illimani

Inti Illimani

E’ iniziato il 17 luglio e si protrarrà fino al 5 agosto il tour italiano degli Inti-Illimani, il primo della band cilena dopo tre anni di assenza dal nostro Paese. Ambasciatori indiscussi della cosiddetta Nueva Cancion Chilena prima e di una personalissima interpretazione della world music andina poi, Inti Illimani sono presenti da quattro decenni nell’immaginario collettivo degli amanti della musica delle radici in Italia e in tutto il mondo, Cile compreso, dove sono tutt’ora una band capace di riempire gli stati e i teatri di tutto il Paese, dimostrando un eccezionale seguito popolare e l’incondizionato plauso della critica.

Per ricordare il quarantesimo anniversario del golpe cileno e per celebrare la data d’inizio della resistenza democratica nel loro Paese, Inti-Illimani ha concepito uno spettacolo-evento ad hoc, finalizzato a dimostrare al pubblico italiano la gratitudine per il costante successo fatto registrare in tutti questi anni: in equilibrio fra passato e presente, la loro esibizione conduce lo spettatore in un viaggio attraverso il tempo e lo spazio, teso fra la dimensione del ricordo e quella dell’attualità, che li vede emergere ancor oggi come una delle band più importanti della scena world mondiale.

La formazione con la quale Inti-Illimani si presenterà al pubblico del tour è composta da Daniel Cantillana (violino, voce), Jorge Coulon (il fondatore), Marcelo Coulon (negli Inti dal 1978), Juan Flores (flauti, flauti di pan e charango), César Jara (chitarra), Manuel Meriño (chitarra), Efrén Viera (clarinetto, percussioni).
Eccezionalmente, per alcune date del tour, gli spettacoli saranno introdotti da Edoardo De Angelis che canterà anche tre canzoni tratte dal suo straordinario repertorio e nel corso della serate ci sarà spazio inoltre per Luca Bussoletti, uno dei giovani autori di maggior talento oggi in Italia, che con gli Inti-Illimani ha avviato da tempo una significativa collaborazione musicale.

Fra le date del lungo tour, il cui management è affidato alla EditEventi di Spilimbergo (PN), si segnalano:

Asti (Asti Musica),

Tolmezzo e Capodistria (Folkest),

Reggio Calabria (Tabularasa),

Roma (Villa Ada),

Milano (LatinoAmericando),

Pegognaga (Sconfinart), Genova,

Foligno e Monte Urano.